LAS PROPUESTAS MÁS INTERESANTES PARA ENERO

Aqui os presento el calendario de las propuestas más interesantes para el mes de enero. Año nuevo, cine nuevo... ¡¡¡y que cine!!!!. Nombres como Clint Eastwood, Kathryn Bigelow, los Hermanos Coen, Michael Haneke, Werner Herzog, Guy Ritchie o el documentalista más crítico con Norteamérica, Michael Moore, serán los encargados de dejar el pabellón alto. Habrá las lógicas sorpresas y las lógicas decepciones, pero al menos hemos recobrado la ganas de ver buen cine, que no es poco.

8 de enero:
- "Un tipo serio", de Joel y Ethan Cohen.
- "Teniente corrupto", de Werner Herzog.
- "Capitalismo: Una historia de amor", de Michael Moore.
15 de enero:
- "La cinta blanca", de Michael Haneke.
- "Sherlock Holmes", de Guy Ritchie.
22 de enero:
- "Up in the air", de Jason Reitman.
- "Nine", de Rob Marshall.
29 de enero:
- "Invictus", de Clint Eastwood.
- "En tierra hostil", de Kathryn Bigelow.

Avatar

La película de las cifras, quince años de preparativos, cinco años para dar forma a un guión, ocho meses de rodaje, dos años de post-producción, para un proyecto desorbitado que ha acabado por alcanzar los 230 millones de dólares de presupuesto – según otras fuentes llegó hasta los 500 -, lo que la convierte en la película más cara de la historia. “Avatar” es el film que nos devuelve a la actualidad a James Cameron, 12 años después de lograr un éxito sin precendentes con “Titanic”, la película más taquillera de la historia del cine y la más Oscarizada – esta distinción compartida con “Ben Hur” - 11 estatuillas, nada más y nada menos. “Avatar” se ha catalogado, antes incluso de su estreno, como un film revolucionario que marcará un punto y aparte en la historia del cine – entiéndase como tecnológico, claro - como en su día supuso la llegada del sonido o del color a las películas. El tiempo lo dirá, pero lo que no hay duda es que “Avatar” supone el colmo de la ambición de un cineasta que en su día se autonombró como “el Rey del mundo”.

James Cameron ya había investigado las posibilidades del 3D realizando un documental para ser proyectado en sistema IMAX, “Ghost of the abyss” (2003), y ahora con “Avatar” ha decidio aprovechar la tecnología existente y llevarla más allá para potenciar el poderoso factor sensorial y visual que se incluye en esta mastodóntica producción que alcanza las dos horas y cuarenta minutos de duracción sin que el ritmo decaiga. Por otro lado el “motion capture” ya ha aportado en esta ocasión más de la mitad de la actuación de los actores designados y el porcentaje ya recae sobre un 60% de imágenes generadas virtualmente frente al 40% de las reales.
“Avatar” cuenta una historia de superación, de ambición y de supervivencia en un planeta llamado Pandora al cual los humanos están tratando de acceder a través de un programa militar llamado Avatar, aprendiendo las costumbres de sus habitantes, los na’vi, y estudiando la relación que les une con el medio ambiente. Detrás del costoso proyecto – como no podía ser de otro modo - se ocultan oscuros intereses económicos y esto lo que descubrirá muy pronto el protagonista, Jake Sully, un ex-marine paralítico que entró en el proyecto de rebote para manejar el Avatar hecho a imagen y semejanza de su hermano gemeno, fallecido tragicamente.

Sam Worthington ya había despuntado en Australia con “Somersault” (2004) y era cuestión de tiempo que Hollywood se lo llevara lejos de las Antípidodas, Cameron presionó para que apareciera también en “Terminator salvation” (2009) que curiosamente se ha estrenado antes que “Avatar” de cuyo fin de rodaje se cumplen ahora exactamente dos años, y ahora todo parece indicar que tendremos Worthington hasta en la sopa; Sigourney Weaver vuelve a tener un papel en sus manos un papel digno, después de unos años muy desaprovechada; todo lo contrario de lo que ahora está viviendo el veterano Stephen Lang que atraviesa el momento más dulce de su carrera con el estreno casi simultaneo de tres importantes films – los otros dos son “Enemigos públicos” y “Los hombres que miraban fijamente a las cabras” -; menos presencia tienen los personajes que encarnan la bella Michelle Rodríguez y Giovanni Ribisi.

La película estéticamente es intachable, está cuidada hasta el último detalle porque no se han reparado en gastos, y la imaginación derrochada en el diseño de los alienígenas, los animales, las plantas y las montañas de Pandora es digna de admiración. Pero la primera impresión de encontrarnos ante un film de carácter ecológico que lo que pretende es hacer una dura crítica hacía el innato instinto de destrución que poseemos los humanos rapidamente se difumina para descantarse hacía los terrenos más trillados del más puro cine de acción y espectáculo.
Personajes demasiado esquemáticos como el fascista Coronel encarnado por Stephen Lang – con un parecido más que razonable con el T-1000 de “Terminator 2” – y una historia de amor por momentos algo almibarada humanizan esta producción “sobrehumana” llamada a ser una obra puntera de la ciencia ficción como hoy lo son “2001: Una odisea del espacio”, “Blade runner” o el primer “Matrix”, por poner unos pocos ejemplos.

El tiempo otorgará o quitará razón pero de lo indiscutible es que “Avatar” no sólo es el film de las Navidades sino que ha sido el título que más impacto y espectación ha levantado a lo largo del año, destronando a ese fenómeno imparable e incomprensible llamado “Crepúsculo”, y el film es pese a su falta de profundidad y a las deficiencias antes apuntadas, todo un espectáculo de evasión y disfrute que te guiará durante casi tres horas por un planeta desconocido, idílico, conciliador, del que convendría tomar buena nota.
La desmedida ambición de Cameron una vez más ha sido correspondida por el público, ¿Cuál será el titánico reto que su ego le impondrá?. ¿Necesitará otros 20 años para revolucionar nuevamente el cine por el empleo que hace de los efectos especiales en sus películas?.

PELÍCULAS DUPLICADAS (IV)

Un nuevo ejemplo de película duplicada por la obra y gracia de los señores designados para bautizar films en nuestro país, ya sea por desconocimiento, por pasotismo, o porque como ya he dicho en otra ocasión el surtido de títulos disponibles es está agotando. A estas dos películas las separan 25 años y sin embargo tienen más de un paralelismo. Pasen y vean.

El ejemplo de hoy: "EL MEJOR".

"EL MEJOR" (1984).
Este hoy olvidado drama deportivo gozó de un cierto éxito en su día, debido al tirón que siempre ha tenido Robert Redford entre el público femenino y más sí tenemos en cuenta que entonces el "rubio de oro" contaba con sólo 48 primaveras. Dirigido por Barry Levinson, se centraba en la historia de un jugador de béisbol que años después de sufrir un inexplicable atentado volvía a contar con una segunda oportunidad en un equipo de segunda al que coloca en la cima. Su título original era "The natural" ("El normal"), aunque un talento muy normal no es que tuviera ese bateador interpretado por Redford. Progresivamente lacrimógeno, moderadamente fantástico, supuso una de las primeras oportunidades de ver en pantalla a las hoy consagradas Kim Basinger y Glenn Close.

Calificación: No está editada en estos momentos y tampoco se pierde por ello porque no se encuentra entre lo más destacable ni de su director ni de su protagonista.

"EL MEJOR" (2009).
Otro drama, esta vez familiar, muy en sintonía con "Gente corriente" (película dirigida por Robert Redford, ¡1ª conexión!) que supone el debút en la dirección de la joven Shana Feste con la dramática historia de unos padres que pierden a un hijo (encarnados por Susan Sarandon y un esforzado Pierce Brosnan), entre la amargura y la desolación el destino les deparará una última e inesperada sorpresa. Titulada originalmente "The greatest" ("El más grande"), dejó un buen recuerdo a su paso por el Festival de Sundance (especializado en sus orígenes en el cine independiente, creado e impulsado por Robert Redford, ¡2ª conexión!).

Calificación: Entre tanto estreno bueno para este mes de enero quizás pase un poco desapercibida por ese tufillo que tiene a telefilme, de lujo... pero telefilme al fin y al cabo. ¡Ustedes mismos!.

¡FELIZ DÍA DE LOS ENAMORADOS!

En estos últimos meses hemos pasado situaciones comprometedoras. A los frikis no nos gustan las películas estilo "Sexo en Nueva York" o "Post data: Te quiero", no es ningún secreto para nadie, pero tampoco nos gusta ser en exceso crueles, y se nos empiezan a agotar las disculpas para eludir los recientes estrenos de "Qué les pasa a los hombres" o "Luna nueva", sin quedar demasiado mal con nuestras parejas.

Sorteados estos últimos obstaculos me encuentro con otro para el próximo año que me temo será otra difícil prueba a superar. A nuestras mujeres les encantan este tipo de cine y nosotros nos vemos obligados a acompañarlas de mala gana, para darlas cobertura decimos simplemente - "¡No ha estado mal!" - cuando esperan nuestro veredicto al finalizar la proyección, borrando de nuestro rostro cualquier signo visible de aburrimiento, sopor o desencanto. Y es que en el fondo somos todo unos caballeros.

Pues sí, queridos amigos, el film de la temporada a evitar - siempre en la medida de lo posible - se llama "Valentine's day" y me temo que sí la fecha que eligen para estrenarlo es el temible 14 de febrero nos quedaremos sin argumentos sólidos de escapatoria. Está dirigida por Garry Marshall, quien aún vive de las rentas de haber firmado "Pretty woman" hace ya casi 20 años, y su reparto es muy, muy numeroso encabezado por Julia Roberts, acompañada de sabia nueva como Jessica Biel, Jessica Alba, Bradley Cooper, Topher Grace, Jennifer Garner, Anne Hathaway o Ashton Kutcher, de recien llegados como Taylor Swift o Taylor Lautner, de estrellitas televisivas aupadas a la gran pantalla como Patrick Dempsey o Eric Dane, de veteranos como Shirley Maclaine, Queen Latifah o Héctor Elizondo con el propósito de darle mayor solidez al film,... y de un Jamie Fox tan perdido que no sabe ni donde está.

El que avisa no es traidor, cuidado con este film y de paso ¡felices fiestas!.

* Acabo de contrastar la información, "Valentine's day" se estrena el 12 de febrero de 2010 en USA. Si el estreno es a nivel mundial no nos quedará otra que asumir.

NICHOLSON SE PONE POR CUARTA VEZ EN MANOS DE L. BROOKS

James L. Brooks dio sus primeros pasos en la pequeña pantalla como productor ejecutivo de series como "El show de Mary Tyler Moore", "Lou Grant" o "Taxi"; medio que ha terminado por ser su verdadera fuente de ingresos, ya que lleva 20 temporadas produciendo la serie de animación más famosa y longeva de la historia, "Los Simpson", ... y las que le quedan.

Como realizador se ha dosificado en extremo, 5 películas rodadas en los últimos 25 años, tres de ellas muy buenas: "La fuerza del cariño" (1983), "Al filo de la noticia" (1987) y "Mejor imposible" (1997), y las otras dos completos despropósitos: "Aprendiendo a vivir" (1994) - un musical que perdió todas sus canciones por el camino - y "Spanglish" (2004) - en la que requirió los servicios de nuestra Paz Vega para secundar a uno de los nuevos Reyes de la comedia americana, Adam Sandler.

Cinco años después última los detalles del que será su próximo film, "How do you know?", el cual contará con Reese Whiterspoon, Paul Rudd y Owen Wilson como los integrantes del triangulo amoroso que se narra en un film del que, por otra parte, poca información más ha trascendido. El guión - el punto clave de sus films - vuelve a ser obra de Brooks y Jack Nicholson tendrá también una presencia destacada, en su cuarta colaboración con el realizador, después de haber recibido dos Oscar por dos de sus trabajos al alimón: Oscar al mejor actor secundario por "La fuerza del cariño" y Oscar al mejor actor por "Mejor imposible". En "Al filo de la noticia" se limitaba a hacer una aparición especial no acreditada - más larga que el habitual cameo -.

Es comprensible que Nicholson se sienta en deuda con Brooks, pero... ¿esta nueva comedia se sumará al grupo de las buenas o de las malas?. El casting protagonista no es santo de devoción, pero habrá que esperar hasta muy entrado el 2010 para manifestarse.

* "How do you know?" se estrenará presumiblemente el 10 de diciembre de 2010.

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XVII)

BRITTANY MURPHY
Atlanta, Georgia (USA), el 10 de noviembre de 1977
Los Angeles, California (USA), el 20 de diciembre de 2009

Fue una joven promesa del cine americano, dotada de gran talento para encarnar a chicas desequilibradas o conflictivas, a las aportaba su fascinante físico y su inquietante mirada. Debutó con sólo 14 años en la serie “Murphy Brown”, apareciendo después en “Parker Lewis nunca pierde”, “Blossom”, “Frasier” o “Cinco en familia”. Su primera aparición en cine se saldó con un gran éxito, “Clueless: Fuera de onda” (1995), se trataba de una adaptación a nuestros días de la inmortal novela de Jane Austen “Emma” en la que se dieron a conocer otros actores como Alicia Silverstone, Paul Rudd o Jeremy Sisto. Este film daría pie a una serie televisiva que se mantuvo tres temporadas en antena y para la que Brittany colaboró en un capítulo.
Su participación en films como “Freeway” (1996), “Ángeles y demonios II” (1998) o “Phoenix” (1998) fue relativamente menor, pero todo cambió con los estrenos de “Inocencia interrumpida” (1999), en la que compartía psiquiatrico con Winona Ryder y Angelina Jolie, y sobre todo de “Cherry falls” (2000), en la que interpretaba a una de las jóvenes asediadas por el asesino de vírgenes.
A partir de entonces simultaneó el cine independiente: “Las aceras de Nueva York” (2001), “Spun” (2002), “8 millas” (2002), “Los amigos del novio” (2006) o “The dead girl” (2006) - su último film estrenado en nuestras fronteras - , con un cine juvenil: “Los chicos de mi vida” (2001), “Niñera por sorpresa” (2003) o “Amor y otros desastres” (2006). Los mayores éxitos de su carrera fueron “Ni una palabra” (2001), junto a Michael Douglas en el papel de una chica perturbada que le hizo ser nominada a los Satellite Awards, “Recien casados” (2003), que la unió artísticamente y durante algún tiempo también personalmente al actor Ashton Kutcher, y “Sin City” (2005), encarnando a la camarera Shellie, cuyas escenas completó en un solo día.
Casada desde hace más de dos años con el guionista Simon Monjack (“Factory girl”), Brittany se encontraba un poco desaparecida en los últimos años, había regresado a la pequeña pantalla con un par de telefilms antes de que Sylvester Stallone le diera uno de los pocos papeles femeninos de “The expendables” (2010), esa esperada reunión de viejas leyendas del cine de acción. En sus últimas apariciones públicas su extremada delgadez llegó a ser muy comentada, rumoreándose repetidamente por internet que la actriz padecía de anorexia nerviosa. A finales de año Brittany moría a los 32 años víctima de un infarto, esa al menos fue la versión oficial que se dio al fatídico final de la joven y prometedora actriz. Su viudo le sobrevivió tan solo 5 meses, apareció muerto presentando los mismos síntomas que Brittany: neumonía, anemia e intoxicación de drogas.

LOS PRIMEROS PASOS DE...

John Travolta, Robin Williams, Richard Gere, Robert de Niro y Meryl Streep no necesitan de presentaciones, todos ellos son estrellas planetarias, todos ellos entraditos en años: Travolta (55), Williams (58), Gere (60), de Niro (66) y Streep (60), con más trabajo del que necesitan y con una trayectoria a sus espaldas que atesora films mucho más brillantes de los que este año nos han aportado. Aquí podrás conocer sus primeros pasos en el mundillo cinematográfico cuando no eran más que una pandilla de novatos.

JOHN TRAVOLTA

Este año nos ha dado una de cal ("Asalto al tren Pelham 1 2 3") y una de arena ("Dos canguros muy maduros"), se atrevió a lucir con valentía su alopecia en la primera aunque la osadía le duró poco ya que para la segunda volvía a recuperar ese ridículo postizo - que debió recomendarle su amigo Brendan Fraser -. Tarantino al confiarle el papel de Vincent Vega le estaba dando un cheque en blanco ya que su carrera por aquel entonces estaba en estado comatoso, ahora no estaría mal que volviera a llamarle para insuflar un poco de aíre a su estancada carrera. Logró ser un fenómeno de fans con apenas 23 años gracias a "Fiebre del sabado noche" (1977) y "Grease" (1978), las quinceañeras empapelaban las paredes de sus cuartos con sus fotos. Pero no fue con los personajes de Tony Manero o Danny Zuko con los que se dio a conocer al público americano, sino con el del rebelde Vinnie Barbarino en la teleserie "Welcome back, Kotter" (1975-79), en la que participó activamente en sus tres primeras temporadas y de manera especial - ya convertido en una celebridad - en su la cuarta y última.

* Se editó en 2007 la primera temporada de "Welcome back, Kotter", únicamente en Zona 1. La serie nunca se emitió en nuestro país y aún permanece inédita.

ROBIN WILLIAMS

Robin también ha estrenado dos films este año, "Noche en el museo 2" - como secundario - y "Dos canguros muy maduros" - como protagonista -. Hacía tres años que no nos llegaba a nuestras pantallas un personaje principal encarnado por él, los últimos fueron "Voces en la noche" y "¡Vaya vacaciones!". Los tiempos de "Good morning Vietnam" (1987), "El club de los poetas muertos" (1989), "Despertares" (1990) y "El rey pescador" (1991) quedan ya muy lejos y aunque haya demostrado solvencia suficiente para dar la talla en papeles oscuros como los de "Retratos de una obsesión" (2002), "Insomnio" (2002) o "La memoria de los muertos" (2004), últimamente sólo se acuerdan de él para insulsas comedias. La televisión fue también su pista de despegue, su celebrada encarnación de un extraterrestre en la serie "Happy days" (1978-79) le hizo ser el protagonista de la spin-off "Mork & Mindy" (1978-82), superando holgadamente el éxito de la serie madre.

* La totalidad de "Mork & Mindy" está editada pero sólo en Zona 1. Fue otra de esas series que en su tiempo se quedó en el tintero.

RICHARD GERE

Sus últimos tres films no han podido ser más edulcorados: "Noches de tormenta", "Siempre a tu lado: Hachiko" y "Amelia", pero Gere guarda en la manga un par de ases, "Brooklyn's finest" - lo último del interesante Antoine Fuqua - y "I'm not there" - si es que algún día llega a nuestras pantallas -. Nunca ha tenido un gran registro interpretativo pero es un tipo que cae bien, que tiene un público fiel y que ha sabido remontar los muchos baches por los que ha pasado su carrera. Antes de "American gigolo" (1980) u "Oficial y caballero" (1982), antes incluso de la crepuscular "Días del cielo" (1978) su rostro ya había aparecido en la pequeña pantalla en telefilmes como "Strike force" (1975), el cual no es difícil encontrarse editado por alguna compañía del tres al cuarto con una calidad que deja bastante que desear.

* "Strike force" se encuentra en estos momentos descatalogada, aunque los amantes de las rarezas si se ponen la encontrarán.

ROBERT DE NIRO

Creo que recientemente dejé bastante claro los motivos por los que estoy mosqueado con de Niro, este año nos ha traído "Algo pasa en Hollywood" y su sospechoso retraso no dejaba lugar a dudas, se trataba de una un discreta comedia muy poco divertida. Muy a primeros de 2010 llegará "Todos están bien" y tampoco se trata del film que todos esperamos. Solo queda pensar que la alianza con Scorsese no está terminada y que tendrá próximas entregas. Sin embargo no es a Scorsese a quien de Niro le debe sus primeras oportunidades, sino a Brian de Palma con el que rodó casi simultaneamente tres films: "Greetings" (1968) - foto -, "The wedding party" (1969) y "Hi, mom!" (1970). Muchos años después volverían a colaborar en "Los intocables de Eliot Ness" (1987).

* "Greetings" está editada en España por JRB.

MERYL STREEP

En el fondo es a la que mejor le va y poco importa que sus últimas apariciones hayan sido en films para marujonas - con todo mi respeto - tipo "Mamma mia!", "Julie y Julia" o "No es fácil", porque una interpretación como la de "La duda" sirve para callar bocas durante bastante tiempo. Es una de las pocas actrices americanas - por no decir la única - que no ha sufrido la sequía de trabajo tan típica de su edad y batir su record de nominaciones al Oscar va a estar muy complicado. Meryl antes de beneficiarse del enorme éxito de la miniserie "Holocausto" (1978) había debutado en el cine en un pequeño papel en "Julia" (1977), en el cual tenía que dar la réplica a dos divas de la talla de Vanessa Redgrave y Jane Fonda.

* "Julia" acaba de editarse en Zona 2.

GOLDEN GLOBES: CAMINO A LOS OSCAR

Ya se han hecho oficiales las candidaturas para los Globos de Oro, estos premios siempre despejan muchas dudas de cara a los Oscar, aunque al tener las dos vertientes - comedia y drama - muchos se quedan fuera de los elegidos para pelear por la preciada estatuilla, normalmente los aspirantes a comedia son los que cuentan con menos posibilidades para entrar en la terna final.

En el apartado de películas de drama nos encontramos con: "Avatar" - que cuenta con un total de 4 candidaturas una de ellas para James Cameron - , "The hurt locker" - tiene 3 nominaciones, una de ellas para Kathryn Bigelow y podría ser la gran sorpresa - , "Malditos bastardos" - Tarantino también compite por el premio y Christoph Waltz lo tiene practicamente ganado - , "Precious" - su secundaria Mo' Nique es también considerada desde ya como la favorita - , y "Up in the air" - la que aspira a más premios, 6 nada menos, el nuevo éxito del joven director de "Juno" -.

En el apartado de películas enmarcadas en comedia o musical se encuentran: "(500) días juntos" - la película sorpresa del Festival de Sundance aspira a 2 premios - , "Resacón en Las Vegas" - sleeper del verano que aspira a ser también la comedia del año - , "No es tan fácil" - comedia para público adulto con Meryl Streep - , "Julie & Julia" - otra comedia para público adulto con Meryl Streep - , y "Nine" - la segunda mejor posicionada, aspira a 5 premios, uno de ellos para Penélope Cruz -.

Fuera de este cupo se quedó sorprendentemente "Invictus", aunque Clint Eastwood (mejor director), Morgan Freeman (mejor actor de drama) y Matt Damon (mejor actor secundario) cuentan con muchas posibilidades. No obstante el 17 de enero de 2010 se despejará cualquier duda.

KATHRYN BIGELOW RENACE DE SUS CENIZAS

Kathryn Bigelow ha renacido de sus cenizas como el Ave Fénix, la directora se caracterizó por encargarse de films por decirlo de algún modo muy poco femeninos, no se amilanó a la hora de resolver muy efectivamente films tan acelarados como "Acero azul" (1989), "Le llaman Bodhi" (1991) y "Días extraños" (1995), obra clave de la década de los 90 y de su propia filmografía.

Su intento por hacer un cine más sosegado e intimista fue muy mal recibido, "El peso del agua" (2000) en el que se narraban paralelamente dos historias que aunque relacionadas tenían un siglo entre medias de separación. El resultado además de inviable pecó de soporífero. En su siguiente y hasta ahora último film, "K-19: The windowmaker" (2002) volvía a retomar el pulso a una película más dinámica que sin ser nada del otro mundo superaba la tristeza que provocó su anterior trabajo. Pese al esfuerzo las críticas fueron unanimamente desfavorable y el film se saldó con un descalabro antológico.

Con una década así nadia apostaba ya nada por la atrevida - y en sus tiempos mozos atractiva - directora, de hecho su último film "The hurt locker" (2008) pese a tener un buen recibimiento en el Festival de Venecia - de 2008 - nadie se había atrevida a estrenarlo ya que se trata de una duro alegato antibelicista que fija sus miras en la intervención de los soldados artificieros en la Guerra de Iraq, además de contar con un heterogéneo reparto integrado por Jeremy Renner - que podría ser nominado al Oscar por su excelente trabajo -, Evangeline Lilly, David Morse, Ralph Fiennes y Guy Pearce.

Esta semana ha pasado de golpe de ser aspirante a película maldita a favorita para los Globos de Oro y probablemente también para los Oscar, ya que la crítica de Nueva York, Los Ángeles y Boston le han otorgado sus premios a Bigelow como directora, Los Angeles y Boston también la consideraban como mejor película, mientras que Nueva York discrepaba designando a "Avatar" como merecedora de ese honor.

* "The hurt locker" se estrenó en octubre en el Festival de Sitges y aún no cuenta con fecha de estreno en nuestro país.

LO NUEVO DE LOS NUEVOS HERMANOS WACHOWSKI

Cuando debutaron con "Lazos ardiente" (1996) nadie les prestó excesiva atención, se trataba de un interesante y estilizado thriller con alta carga erótica que les puso simplemente en el panorama pero que no hacía sospechar que tan sólo tres años después revolucionarian el cine del modo que lo hicieron con "Matrix" (1999), un clásico inmediato indiscutible del cine de ciencia ficción cuyas posteriores secuelas, "Matrix reloaded" (2003) y "Matrix revolutions" (2003) se encargaron de desvirtuar.

Los hermanos Andy y Larry Wachowski parecían estar tocados por un aura divino capaz de convertir en éxito todo lo que tocaban, su incursión en la producción con "V de Vendetta" (2005) se convirtió en otra instantanea obra de culto. Pero todo cambió con "Speed racer" (2008), una imposible adaptación de una serie de dibujos japonesa, que no consiguió recuperar ni un tercio de su enorme inversión.

Ahora empiezan a trascender detalles del que podría ser su nuevo proyecto, se trata de la adaptación del libro de David Mitchell, "Clouds Atlas" - del que anteriormente se desvinculó Tom Twyker - y no se trata de un proyecto sencillo ni económico pues en el libro se narran seis historias encadenadas enmarcadas entre el siglo XIX y un futuro post-apocalíptico. Lo más curioso es que ahora aunque el film lo firmen The Wachowski Brothers ya no son los mismos hermanos que conocimos, Andy y Larry, ahora se trata de Andy y Lara. Bajo estas líneas la foto que confirma el muy rumoreado cambio de sexo del mayor de los Wachowski, acompañados - situada en medio de ambos -por la periodista Ariana Huffington que recientemente los entrevistó.

ÉXITO A CUALQUIER PRECIO

En relación a la "supuesta" retirada de Alec Baldwin y con el pretexto del estreno en España de la despiadada y feroz obra de David Mamet, "Glengarry Glen Ross", voy a hablar del, por muchos, señalado como su mejor trabajo. "Glengarry Glen Ross" se estrenó en Londres en 1983, ganando el Pulitzer un año después. En Estados Unidos debutaría en 1984 en Chicago para poco después trasladarse a Broadway con un éxito arrollador que coincidía en cartel con otro gran triunfo de Mamet, "American buffalo".

La versión fílmica de "Glengarry Glen Ross" (1992) fue un éxito más crítico que comercial que respetó la estructura teatral de la obra sin tomarse excesivas libertades a la hora de hacerla más cinematográfica o para asegurar su comercialidad. Su director James Foley - cuya última incursión en la dirección fue con la prescindible "Seduciendo a un extraño" (2007) - consiguió reunir un casting irrepetible formado por actores pertenecientes a varias generaciones: Al Pacino, Jack Lemmon, Ed Harris, Alan Arkin, Jonathan Pryce, Kevin Spacey y el ya mencionado Alec Baldwin, en una única aunque impagable escena de apenas 7 minutos. La jazzística banda sonora se encomendó al prolífico e irregular James Newton Howard.

"Glengarry Glen Ross" está más de actualidad que nunca ahora por el montaje que desde el día 2 de diciembre y hasta el 17 de enero de 2010 se representa en el Teatro Español con un reparto francamente interesante: Carlos Hipólito, Ginés García Millán, Alberto Jimenez, Andrés Herrara, Gonzalo de Castro, Jorge Bosch y Alberto Iglesias. Sí han conseguido trasladar todo el espíritu de su obra será uno de los éxitos de la temporada.

Y ahora pasemos a la más impactante escena de la película que tiene como he dicho antes a Baldwin como protagonista, su siniestro personaje llega a la empresa inmobiliaria donde transcurre gran parte del film para motivar a sus empleados de un modo que me consta han tomado buena nota en muchas empresas, aunque debería haber sido un ejemplo de todo lo contrario, de hasta donde nunca se debería llegar. En España el film se estrenó con un subtítulo: "Éxito a cualquier precio".

Always Be Closing (Siempre Estar Vendiendo).

¿CUANDO DEJÓ DE NIRO DE AMAR EL CINE?

Se que no haré precisamente amigos afirmando esto, es lo que tiene criticar a un intocable, pero tengo constancia de no ser el único que desde hace mucho tiempo piensa que Robert de Niro ya no es ni la sombra de lo que es. La prueba de ello es que hay que remontarse al menos 10 años para encontrar una película de de Niro que esté a su altura. Yo diría incluso que "Casino" (1995) fue su última gran interpretación, desde entonces se ha diversificado en multitud de películas que salvo puntuales excepciones ("Heat", "Jackie Brown", "Ronin" o "Un golpe maestro") han sido decepcionantes e incluso en ocasiones sonrojantes.

¿Por qué un actor que durante su primera etapa se caracterizó por un selectivo criterio de elección y que encadenó obras maestras de la talla de "Malas calles", "El padrino, 2ª parte", "Taxi driver", "El cazador", "Toro salvaje", "Erase una vez en América", "La misión" o "Uno de los nuestros" decidió demoler el mito que con tesón había forjado a golpe de interpretaciones indiscriminadas basadas únicamente en el número de ceros de cheque?. Yo tengo una teoría, de Niro por algún motivo se desencantó del cine, dejó de amarlo.

Sus incursiones en la comedia han logrado grandes beneficios en taquilla ("Una terapia peligrosa", "Los padres de ella" o "Los padres de él"), pero lo único que exigían de de Niro era su sempiterna cara de amargado y revenido, al cual no parece importarle la baja exigencia de estos registros, pues en su chistera de "nuevo comediante" ya esperan dos muestras más de este cambio de rumbo.

Después de saber de lo que es capaz, lo siento, pero no puedo conformarme con films simplemente pasables como "Hombres de honor", "15 minutos", "Condenado" o "Stardust", ni con incursiones en el cine de terror tan bochornosas como "El enviado" o "El escondite", ni con películas que como "Nadie es perfecto", "Las aventuras de Rocky & Bullwinkle", "Showtime", "Otra terapia peligrosa, ¡recaída total!", "Los puentes de San Luis Rey" o "Asesinato justo" nunca debieron rodarse.

Este diciembre nos llegan no 1, sino 2 de sus nuevos films, "Algo pasa en Hollywood" precedida de un prolongado y sospechoso retraso, y "Todos están bien", otra comedia familiar estratégicamente estrenada en navidades. En el 2010 llegará la tercera parte de "Los padres de..." y su participación como secundario en "Machete". Estos proyectos acrecientan mis peores temores de que de Niro no tiene ya solución, ni volverá a ser el que era, ni pretende serlo, ni le importa. Trazando paralelismos es de justicia reconocer un envejecimiento algo más digno en contemporaneos suyos como Al Pacino, Jack Nicholson o Dustin Hoffman.

THOMAS ANDERSON Y SEYMOUR HOFFMAN UNEN FUERZAS (POR 5ª VEZ)

Con sólo 5 films Paul Thomas Anderson se ha convertido en uno de los directores de la nueva hornada más importantes del mundo. Debutó con modestia con un estilizado thriller sobre partidas de cartas, deudas, traiciones y asesinato; se titulaba "Sidney" (1996) y dejó un agradable regusto a su paso - fuera de concurso - por Cannes. No prestarle atención a "Boogie nights" (1997) era difícil, este drama que muestra los entresijos sobre la industria del porno con un personaje principal inspirado en John Holmes -actor pornográfico cuya leyenda se sostenía principalmente en los 27 cm que medía su miembro viril y en su implicación en los asesinatos de Wonderland del que salió airoso por falta de pruebas que le incrimaran - pues vino avalado por un gran lanzamiento mediático y por el aliciente añadido de las tres candidaturas al Oscar que obtuvo, una de ellas para un sorprendente Burt Reynolds que se quedó tanto o más sorprendido cuando la estatuilla fue a parar a manos de Robin Williams por "El indomable Will Hunting".

"Magnolia" (1999) fue un alarde de desmesura y genialidad, un apasionante críptico de 3 horas de duración para el que Tom Cruise tuvo que tragarse su ego y rebajar su caché para ofrecer el que probablemente sea su mejor y más atípico personaje. Cruise llegó tan favorito como Reynolds a la terna final por un Oscar que recayó en la persona de Michael Caine, un veterano actor que imprime dignidad a casi cualquier - "Austin Powers" aparte - papel que toca.

"Embriagado de amor" (2002), su siguiente y esperado trabajo, no consiguió convencer a todo el mundo, despertando tantas pasiones como odios. Esta extrañísima tragicomedia romántica contaba con una pareja imposible formada por Adam Sandler y la entonces imparable y hoy algo infravalorada Emily Watson.

"Pozos de ambición" (2007) sí que fue uno de los films más impactantes de su año, de la ambición sin límites del magnate del petroleo encarnado genialmente con Daniel Day Lewis - él sí que ganó un Oscar por su colaboración con Thomas Anderson - y de su lucha contra un joven predicador aún no nos hemos repuesto... y es el que desde el mismo título del film - original - ya se nos avisaba.

Ahora Thomas Anderson ultima lo que será su próximo proyecto, "The master", que cuenta ya con el protagonismo del enorme Philip Seymour Hoffman - en su quinta colaboración con el director, aunque está será la primera en la que sea el absoluto protagonista - . En "The master" el influjo de la religión vuelve a tener importancia en una historia enmarcada en la década de los 50 en la que Seymour Hoffman encarna al fundador de una organización religiosa cuyos adeptos van sumándose con rapidez, y que adopta a un joven vagabundo como su protegido. A medida que la figura de "El Maestro" empiece a acrecentarse imparablemente surgiran las dudas de fé en el joven.

Yo claramente veo una plataforma perfecta para que Seymour Hoffman vuelva a ser nominado al Oscar y para que recibe su segunda estatuilla. Hoy por hoy es uno de los actores más convincentes y completos - a pesar de un físico muy marcado - de la actualidad.

* "The master" cuenta con un presupuesto de 35 millones de dólares y será una de las apuestas fuertes para finales de 2010 o primeros de 2011.

ALEC BALDWIN: AYER Y HOY

No soy muy amigo de la familia Baldwin, no me gusta William ("Llamaradas"), ni Stephen ("Sospechosos habituales"), ni Daniel ("Trees lounge"), ni tampoco Alec, aunque sea el único que haya sabido mantenerse a flote. Sin ir más lejos Alec lleva tres temporadas reinando en la pequeña pantalla con "Rockefeller Plaza", un invento de Tina Fey del que él se ha beneficiado llevándose a casa 2 Emmys y 2 Globos de oro.

A pesar de todo esto, Alec ha anunciado esta misma semana su retirada para el 2012 decepcionado de una carrera que no ha colmado sus expectativas comerciales ni críticas.

Ayer: Debutó en culebrones televisivos pero su físico de machote de pelo en pecho le facilitó conseguir pequeños papeles en cine, fue el marido infiel de Melanie Griffith en "Armas de mujer" (1988), y el marido de Michelle Pfeiffer en "Casada con todos" (1988), al que la Mafia se ventilaba en un abrir y cerrar de ojos. Participó en "Bitelchus" (1988) y en un breve papel en "Gran bola de fuego" (1989), antes de convertirse en el envidiado marido de Kim Basinger y de sufrir el acoso de la prensa amarilla. Los 90 fueron sin lugar a dudas su mejor década: "La caza del Octubre rojo" (1990), "Miami Blues" (1990), "Malicia" (1993), "La huida" (1994) o "Prisioneros del cielo" (1996). Su mejor interpretación la hizo en "Glengarry Glen Ross" (1992) - aunque su aparición se reducía a 10 minutos - en donde les echaba un inolvidable rapapolvo a los agobiados agentes inmobiliarios.

Hoy: Se ha ganado fama de actor problemático a raíz de su participación en "El desafío" (1997) - los ataques de ansiedad que le hizo sufrir a su productor le dio suficiente material como para escribir un libro que se ha adaptado libremente a la gran pantalla con el título "Algo pasa en Hollywood" - , se ha separado de la Basinger, desde "Visto para sentencia" (1999) sus papeles empezaron a ser más secundarios a la par que su peso empezó a dispararse. A esta época pertenece el papel por el que ha recibido más elogios, "The cooler" (2003) por la que sería nominado como secundario al Oscar de la Academia. Sus apariciones episódicas en "Pearl Harbor" (2001), "Y entonces llegó ella" (2003), "El aviador" (2006) o "El buen pastor" (2006) fueron también trasladándose a la pequeña pantalla, "Nip/Tuck" (2004), "Las Vegas" (2004) o "Will y Grace" (2005). En 2006 firma con la serie "Rockefeller Plaza" para hacerse un plan de jubilación y el resultado es mucho mejor del esperado... al menos en apariencia porque aunque muchos matarían por tener una carrera como la suya parece que Alec había imaginado vivir una madurez mucho más gloriosa a tenor de sus declaraciones.

LAS PROPUESTAS MÁS INTERESANTES PARA DICIEMBRE

Aqui os presento el calendario de las propuestas más interesantes para el mes de diciembre. En un mes de nulo recogimiento místico y de inexistente espíritu navideño, el cine os dará una tregua para disfrutar de vuestras obligadas reuniones familiares, de vuestras incomodas cenas de empresa y demás compromisos. Ni siquiera "Avatar", con todo ese rollo de que será un punto y aparte en el cine, hará que vayamos al cine con la esperanza de encontrarnos con un peliculón, al menos no en mi caso que no espero nada de este mes, cinematográficamente hablando, claro.

4 de diciembre:

- "In the loop", de Armando Iannucci.

11 de diciembre:

- "Algo pasa en Hollywood", de Barry Levinson.

- "Blindado", de Nimród Antal.

18 de diciembre:

- "Donde viven los monstruos", de Spike Jonze.

- "Avatar", de James Cameron.

- "Toda la culpa es de mi madre", de Cécile Telerman.

23 de diciembre:

- "Bienvenidos a Zombieland", de Ruben Fleischer.

Celda 211

Finalizada su etapa como crítico de cine - en programas televisivos como "Días de cine" o revistas como "Fotogramas" - el mallorquín Daniel Monzón ha consolidado una carrera en la que ha bebido de variadas fuentes, el cine de espada y brujería tipo "Conan el bárbaro" para la estimable "El corazón del guerrero" (2000), la spuff comedy para "El robo más grande jamás contado" (2002) con resultados aberrantes, y el thriller de corte americano para "La caja Kovak" (2006), otorgándole además a Timothy Hutton el papel principal para conferir al film más salida a otros mercados. El resultado, una vez más, por encima de lo esperado.
Su cuarto film, "Celda 211" (2009) incide en el género carcelario con una factura de sorprendente solidez para tratarse de un film español. Monzón ha tomado de referencia una discreta novela de Francisco Pérez Gandul y su amplio conocimiento de cine ha hecho el resto: una estupenda selección de planos, un buen ritmo narrativo - interrumpido ocasionalmente por innecesarios flashbacks -, un elenco magníficamente reclutado y aún mejor dirigido, del que - como mil veces se ha dicho - sobresale un Luis Tosar que aporta muchos recursos de su cosecha propia a un personaje tan agradecido como el de "Malamadre". Su recital interpretativo merece todos los premios habidos y por haber.

"Un funcionario de prisiones acude a conocer su nuevo destino - una cárcel de Zamora - un día antes de incorporarse al mismo, para así ir familiarizándose con el entorno, con sus compañeros y con los reclusos. Su llegada coincide con un motín de los presos que termina por dejarle aislado fuera de la zona de seguridad, entonces comprenderá que el único modo de sobrevivir será haciéndose pasar por un preso más". Con esta original premisa se abre "Celda 211", justo después de un sobrecogedor prólogo en el que se muestra con enorme crudeza como un reo - el de la celda 211 precisamente - se corta las venas con una cuchilla y sumerge sus brazos dentro de una pila de agua, que con rapidez se tiñe de color rojo. El prólogo parece indicar que el único modo de escapar de los barrotes es por medio de la muerte.

"Celda 211" no se limita a narrar el típico preparativo de una fuga, sus aspiraciones van mucho más lejos, trata de denunciar la corrupción imperante en el sistema carcelario y el trato vejatorio y deshumanizado que se le da a los presos. "Malasangre" es el cabecilla, el hombre al que todos temen y obedecen, el hombre que lucha para lograr mejoras en el Centro penitenciario presionando con dar muerte a tres presos de ETA si no se acatan sus reivindicaciones. Este hecho destapa muchos intereses ocultos y muchas tramas de corrupción dentro y fuera de la propia cárcel.

Lo único que empaña un poco el conjunto es el personaje de Marta Etura - la mujer embarazada del nuevo funcionario de prisiones - insertado casi siempre por medio de flashbacks, con la única finalidad de aportar un mayor dramatismo a una historia angustiosa ya de por sí. El personaje de Etura es el único que nos saca de la asfixiante cárcel y también de la historia a la que le resta credibilidad. En cualqueir caso son daños menores.

A pesar de la fuerza de la naturaleza que es Luis Tosar, el casi debutante Alberto Ammann aguanta el tipo representando fidedignamente el pánico, el respeto y el posterior hermanamiento de su personaje hacía el de "Malamadre". Será la gran revelación del film.

Carlos Bardem también cumple como preso colombiano del que no conviene fiarse, confirmando de este modo su especialización - por no decir encasillamiento - en papeles de villano, narcotraficante, matón, etc.

Del lado de la ley, aunque con un lado oscuro tan acentuado como los propios presos, están los personajes de Manuel Morón como el negociador y el de Antonio Resines como el cruel Utrilla, un papel muy alejado de sus acomodados registros.

"Celda 211" es por tanto un film muy destacable, crudo, incisivo, con una importante carga crítica y que, aunque tenía mis reservas, hace honor a la mención dada antes incluso de su estreno. Se trata - posiblemente - del mejor título español del año.

SEGUNDAS OPORTUNIDADES

JIM SHERIDAN

Cineasta irlandés creador de una trilogía en la que denunció el sangriento itinerario trazado por el IRA, "En el nombre del padre" (1993), "The boxer" (1997) y "En el nombre del hijo" (1996), esta última sólo como productor. También supo hacer certeros retratos de la salvaje belleza de su Irlanda natal, "El prado" (1990), y de sus barrios más miserables y sucios, "Mi pie izquierdo" (1989). Finalizado su féliz alianza con Daniel Day Lewis se autoexilió en Hollywood plasmando su visión como emigrante de la "tierra de las oportunidades", "En América" (2002). Una vez instalado en la industria decidió, como ya hiciera Curtis Hanson, ponerse en manos de un rappero, 50 Cent, para firmar su sentencia de muerte. Después del descrédito que supuso "Get rich or die tryin'" (2005) regresa en calidad de artesano al servicio de un remake americano, "Brothers" (2009), del éxito internacional de la danesa Susanne Bier. Natalie Portman, Tobey Maguire y Jake Gyllenhaal - estos dos ejerciendo de hermanos como era inevitable dado su evidente parecido físico - son el trío protagonista que ejerce como reclamo de un film orientado al público americano que no disfrutara del original y excelente film de Bier.

DARREN ARONOFSKY

Pasó de golpe de ser el niño mimado del cine indie americano con "Pi" (1998) y "Réquiem por un sueño" (2000), a ser vapuleado sin piedad y merecidamente con "La fuente de la vida" (2006), un film decididamente fallido, frustrado por sus megalómanas ambiciones y cuya semilla argumental habría requerido de mucha más humildad e intimismo. La historia de base podría haber dado de sí un film de entrañable sensibilidad, pero el empeño por parte de Aronofsky de recargarlo y de pasar del barroquismo a lo ininteligible arruinó sin remedio la función. Lo mejor que sacó de ese proyecto fue conocer a Rachel Weisz - que ya es mucho -. El público ha agradecido su baño de humildad regresando a un cine menos autoral, "El luchador" (2008), una nueva variante al subgénero del cine de "losers" en busca de la redención, algo a lo que también aspiraba el propio Aronofsky. Ahora regresa por los mismos derroteros, poniéndose al servicio de la historia y no al revés, con "Black swan" (2010), un thriller que gira entorno al ballet y que está protagonizado por Natalie Portman, Winona Ryder, Barbara Hershey y Vincent Cassel.

SOFIA COPPOLA

Después de las críticas despiadadas que recibió por "El padrino 3" se le quitaron las ganas de ser actriz, encontró en la dirección su segunda oportunidad con un prometedor debút, "Las vírgenes suicidas" (1999) y la confirmación con un film rodado por completo en Japón en el que exorcizaba los fantasmas de su relación con el también realizador Spike Jonze, "Lost in translation" (2003). Después de recibir un Oscar por el guión de su obra más inspirada se decantó por un proyecto diametralmente opuesto, un film de época enmarcado en la Francia del siglo XVIII, "María Antonieta" (2006) que más que el retrato de una joven Reina parecía la biografía de una rebelde estilo Paris Hilton o Nicole Ritchie. El batacazo fue monumental y para su vuelta a la dirección Sofia ha hecho examen de conciencia, ha dejado de darse tanta pompa y ha vuelto a fijar sus miras en el cine intimista con "Somewhere" (2010) en el que retrata la vida de un actor caído en desgracia, interpretado por otro actor en horas bajas, Stephen Dorff, le secundan Elle Fanning, Michelle Monaghan y Benicio del Toro.

DITO MONTIEL

Llamarle cineasta es muy precipitado por mucho oficio que demostrara con su primer film, "Memorias de Queens" (2006), basado libremente en los recuerdos de su infancia en el marginal barrio neoyorquino. Ese film relevó a Shia LaBeouf y recuperó a Robert Downey, Jr. antes del boom de "Iron Man". Su segundo proyecto, "Puños de asfalto" (2009), pasó merecidamente desapercibida, se trataba de un vehículo puramente comercial para un público poco exigente. Ahora le toca consolidar su posición o por el contrario confirmar que su talento como realizador se debió a la mayor de las casualidades. En su tercer trabajo, "Son of no one" (2010) recupera a sus actores fetiche, Channing Tatum - que participó en sus dos films precedentes - y Terrence Howard - que estuvo sólo en el fallido "Puños de asfalto" -, a los que secundan dos pesos pesados de la interpretación, Robert de Niro - recién salido de la tercera parte de "Los padres de..." - y James Gandolfini - en plena y fecunda etapa post-Soprano -.

JANE CAMPION

La directora neozelandesa logró sus mejores trabajos con "Sweetie" (1988), "Un ángel en mi mesa" (1990) y sobre todo "El piano" (1993), su film más reconocido y premiado. Su regreso al cine de época con "Retrato de una dama" (1996) resultó soporífero y sus posteriores trabajos fueron ninguneados a pesar de querer distanciarse del tipo de cine que la hizo popular, "Holy smoke" (1999) presentaba la lucha de poderes entre un desprogramador y una chica abducida por el influjo de una secta hinduista como línea argumental y su tensión sexual alcanzaba altas cotas de exhibicionismo. Lo mismo ocurría en "En carne viva" (2003), un thriller sórdido con reminiscencias a "Fuego en el cuerpo" que brindó a Meg Ryan su papel más exigente y atrevido. Ahora ha decidido regresar al cine de época - en esta ocasión con el beneplácito de la crítica - con "Bright star" (2009), film que podría suponer el espaldarazo definitivo para la carrera de la australiana Abbie Cornish, ya admirable en films como "Somersault", "Candy" o "Un buen año".

* "Brothers", "Black swan", "Somewhere" y "Bright star" se estrenarán a lo largo de 2010; "Son of no one" posiblemente lo haga en el 2011.

OTRO PASO EN LA INTERESANTE TRAYECTORIA DE NOAH BAUMBACH

Noah Baumbach es un cineasta independiente neoyorquino que cuando contaba con tan solo 26 años dirigió su primer guión, "Kicking and screaming" (1995) - inédito en nuestro país -, en el que desgranaba las esperanzas, miedos y confusiones de un grupo universitarios que tras graduarse se encontraban en la disyuntiva de decidir hacía donde encaminar sus pasos.

Su siguiente trabajo, "Mr. Celos" (1997), contaba con una mayor carga incisiva en sus ingeniosos dialogos con la excusa de contarnos la historia de un profesor de literatura enfermizamente celoso que se somete a una terapia con el ex-novio de su última pareja para así conocer la clase de relación que ambos tuvieron. Eric Stoltz y Annabella Sciorra era su pareja protagonista, secundados por el habitualmente director Peter Bogdanovich y la hoy retirada Bridget Fonda en un breve papel aprovechando que por aquel entonces era la novia de Stoltz.

La enriquecedora experiencia que supuso "Mr. Celos" hizo que su equipo se lanzara a rodar en tan sólo 6 días un film muy improvisado, "Highball" (1997), un el cual las fiestas de la alta sociedad de Brooklyn eran el escenario para la evolución de una joven pareja de recién casados. A pesar de contar con Stoltz, Sciorra, Bogdanovich, a los que se sumaron Justine Bateman, Ally Sheedy, Rae Dawn Chong y el propio Baumbach que se reservó un papel bastante estelar, el proceso fue un autentico calvario del que su realizador terminó por desvincularse antes incluso de proceder a su montaje. De este modo "Highball" se convirtió en una "rara avis" firmada por por un tal Ernie Fusco y cuyo guión lleva la impronta de un tal Jesse Carter, esos dos desconocidos artesanos ocultaban a un Noah Baumbach que no quería que se le asociara a un film que había nacido con la intención de ser un experimento ligero y que terminó por convertirse en una pesadilla.

Después del un largo silencio y tras el crédito obtenido por firmar junto a Wes Anderson el guión de "Life aquatic" (2004) se abre la etapa más reconocible y destacada del director en la que el componente autobiográfico está asociado indisimuladamente a la historia que se narra. En "Una historia de Brooklyn" (2005) - título muy libre para el original "The squid and the whale" (El calamar y la ballena) - el anuncio del divorcio entre un escritor y una profesora de mediana edad - unos magníficos Jeff Daniels y Laura Linney -provoca una situación desestabilizadora en sus dos hijos que tomarán parte cada uno en bando. Un film que en apenas 80 minutos evidencia tanta sinceridad como atrevimiento, no obstante su guión fue lo único de film que fue tenido en cuenta para los Premios de la Academia.

"Margot y la boda" (2007) es un drama intimista de corte más clásico en el que los preparativos para una boda enfrentarán a dos hermanas ya de por sí bastante distanciadas. El film se sostiene el estupendo trabajo de su trío de interpretes, Nicole Kidman, una recuperada Jennifer Jason Leigh - mujer de Baumbach en la vida real - y un Jack Black que cuando logra escaparse del encasillamiento demuestra solvencia en el drama, un terreno para él poco transitado.

Después estos dos últimos y estimulantes trabajos llega su nueva propuesta, "Greenberg" (2010), una comedia en la que no está exenta cierta carga de amargura y cuya pareja protagonista la integran Ben Stiller y la desconocida para los ajenos al cine muy, muy independiente Greta Gerwig - en sustitución ambos de los inicialmente previstos Mark Ruffalo y Amy Adams - , el reparto se completa con Rhys Ifans, Chris Messina, Juno Temple, Mark Duplass y Jennifer Jason Leigh, autora además del guión junto a su marido.

"Greenberg" - por cierto, maravilloso póster promocional con ese enorme bocadillo sobre la cabeza de Stiller que reza: "Él tiene muchas cosas en mente" - es el apellido del personaje al que da vida Stiller, el cual se encuentra sumido en plena crisis existencial de los 40, en su inestable vida no hay nada que invite a la comodidad y el sosiego, hasta que un día conoce a Florence - papel del que se encarga Greta Gerwig - alguién que por primera vez le respeta y le acepta tal cual es.

Un paso más en la interesantísima carrera que está cimentando Noah Baumbach. Dos pruebas de su versatilidad es la co-escritura nuevamente junto a Wes Anderson del guión adaptado de "Fantastic Mr. Fox" (2009), su primera película de animación que usa la vieja técnica del "stop motion" y que se basa, a su vez, en un cuento de Roald Dahl; y la adaptación de la novela de Claire Messud, "The Emperor's children", que ha finalizado recientemente y de la que se encargará de llevar a la pantalla el oscarizado Ron Howard.

FILMOGRAFÍA:

1995. "Kicking and screaming". (Inédita, disponible sólo en Zona 1).

1997. "Mr. Celos". (Se editó en España en el sello Sherlock Media pero actualmente está descatalogada).

1997. "Highball". (Inédita).

2005. "Una historia de Brooklyn". (Editada por Sony).

2007. "Margot y la boda". (Editada por Paramount).

2010. "Greenberg". (Se estrena en USA el 12 de marzo de 2010).

"NINE" SIN BARDEM, PERO CON DAY LEWIS (¿Alguién puede pedir más?)

En este blog me aventuré a anunciar la participación de Javier Bardem en la secuela de "Wall Street", que reune después de 20 años al director Oliver Stone y a los actores Michael Douglas y Charlie Sheen - Shia LaBeouf, Josh Brolin, Frank Langella y Susan Sarandon son las nuevas adquisiciones con que cuenta esta secuela que ya nadie esperaba -, pero lo cierto es que Javier finalmente no le veremos en este film porque ha declinado la oferta para intervenir en un film junto a Julia Roberts, "Eat, pray, love", que propone el viaje iniciático - geográfico e interno - que emprende una mujer para encontrarse a sí misma.

Decir "No" es sencillo cuando se está en un status como el suyo - no tuvo ningún problema a la hora de rechazar films que venían firmados por cineastas como Steven Spielberg ("Minority report"), Francis Ford Coppola ("Tetro") o Rob Marshall ("Nine") -. "Nine" es un musical inspirado en el "8 y 1/2" de Fellini cuyo montaje en Broadway fue un sonado éxito personal hace varias temporadas para el malagueño Antonio Banderas, cuando se plantearon adaptarlo a la gran pantalla ni siquiera pensaron en él, pero sí en Bardem que vivía su momento más dulce tras recibir un Oscar por su portentosa actuación en "No es país para viejos".

Bardem dijo "No" a "Nine" para poder rodar "Biutiful", de Alejandro González Iñárritu e ironías de la vida el papel fue a parar a manos de Daniel Day Lewis el "actor más grande vivo", según le definió Bardem. Daniel rompe así uno de esos prolongados silencios a los que nos tiene castigados - "Pozos de ambición" fue su última aparición en pantalla - y se coloca en un lugar ventajoso para ser nuevamente nominado al Oscar - los nombres de George Clooney y Jeff Bridges también resuenan con fuerza - . Otro aliciente con el que cuenta "Nine" es el muestrario de feminas que rodean a Day Lewis, no tiene desperdicio: Nicole Kidman, Penélope Cruz, Marion Cotillard, Kate Hudson, Fergie - la cantante de los "Black Eyed Peas" - y las veteranas Judie Dench y Sophia Loren. Como nota nostálgica señalar que el encargado de adaptarlo a la gran pantalla fue el finado Anthony Minghella, tristemente desaparecido el pasado año. No siento devoción por los musicales pero "Nine" cuenta con muchas posibilidades para despertar mi interés.

* "Nine" se estrena el 22 de enero de 2010.

QUIÉN TIENE UN AMIGO TIENE UN TESORO

Una película muy pequeñita se ha estrenado esta semana sin hacer apenas ruido - unos vampiros adolescentes han bastado para silenciarles por completo - ni siquiera ha alcanzado uno de los 10 primeros puestos del box office nacional. Se trata de un thriller australiano de bajo presupuesto titulado "Tenderness", que cuenta con un protagonista, Russell Crowe, poco acostumbrado a frecuentar films tan modestos como éste.

Su presencia en el film tiene un por qué digno de elogio, la amistad que Crowe mantiene desde hace muchos años con John Polson - actor australiano reconvertido recientemente en director con el que compartió planos en dos de sus primeros films, "Juramento de sangre" (1990) y "Nosotros dos" (1994) - , aceptó un salario muy por debajo de su valor real en el mercado y rodó todo sus escenas en 9 días, y todo ello para asegurar con su presencia un reclamo suficiente para estrenar el film en todo el mundo y así de paso relanzar la carrera de su amigo - que aparcó su carrera como interprete tras aparecer en "Misión imposible 2" (2000) - cuyas primeras incursiones en la dirección, "Fanática" (2002) y "El escondite" (2005), dejaron bastante que desear.

"Tenderness" llega con retraso a nuestras pantallas - se rodó en mayo de 2006, desde entonces Crowe ha estrenado hasta cuatro films rodados con posterioridad - coincidiendo además con pesos pesados de la temporada otoñal - "2012" o "Luna nueva" -, con una casi inexistente campaña publicitaria y con un flaco favor que le han hecho las frías críticas recibidas. Russell Crowe aparece en el cartel acreditado con su nombre del mismo tamaño que el de los verdaderos protagonistas del film - Jon Foster y Sophie Traub - aunque rotulado en color negro para destacarlo del resto.

El film pasará a la posteridad como uno de los films más desconocidos en la filmografía de Russell Crowe y como otro intento nulo por parte de John Polson de que sabe narrar una historia con brillantez. El acto de lealtad y de generosidad por parte de Russell de momento sólo le ha conseguido a John trabajos en televisión, ya ha dirigido varios capítulos de las series "Sin rastro" y "El mentalista". Abrirse futuro en el cine lo va a tener más difícil.

"EL EQUIPO A" RENUEVA SUS CARAS

Aquí tenéis la imagen, estos son "El equipo A" del nuevo siglo. Después de ver el resultado de otras adaptaciones - en su mayoría insatisfactorias - de teleseries a la gran pantalla como "Misión: Imposible", "Los ángeles de Charlie", "Los hombres de Harrelson", "Starsky & Hutch", "Los Vengadores", "Corrupción en Miami" o "El fugitivo", da miedo pensar que habrán hecho con una serie que formó parte esencial de nuestra infancia y por la que guardamos una especial cariño. El osado director que se ha hecho responsable del encargo ha sido Joe Carnahan, el cual dio toda una lección de estilo con el film policiaco "Narc" (2002) para decepcionarnos ligeramente con su siguiente trabajo, "Ases calientes" (2006).

"EL EQUIPO A" YA TIENE CASTING CONFIRMADO:

LIAM NEESON es Hannibal Smith
personaje que en la serie interpretó GEORGE PEPPARD
El omnipresente BRADLEY COOPER es Fénix

personaje que en la serie interpretó DIRK BENEDICT

El casi debutante SHARLTO COPLEY es Murdock

personaje que en la serie interpretó DWIGHT SCHULTZ

El campeón de artes marciales mixtas QUINTO "RAMPAGE" JACKSON
es M.A. Barracus

personaje que en la serie interpretó MR. T

... Y La nota femenina la pone JESSICA BIEL interpretando el papel que en la serie se repartieron MELINDA CULEA y MARLA HEASLEY