viernes, 31 de diciembre de 2010

LAS PROPUESTAS MÁS INTERESANTES PARA ENERO

Aqui os presento el calendario de las propuestas más interesantes para el mes de enero. Empieza el año animadamente con el regreso de dos directores que se hacen desear mucho, James L. Brooks y Peter Weir. Brooks llevaba 6 años desaparecido tratando de olvidar ese desastre llamado "Spanglish" y que al menos sirvió para encumbrar internacionalmente a nuestra Paz Vega. Por su parte Weir llevaba apartado del mundo del cine 7 años, aunque su caso era totalmente opuesto, su último trabajo "Master & Commander" dejó la impresión tan maravillosa que suelen dejar sus films. Su impecable carrera le avala. Otra que no suele fallar es Icíar Bollaín y aunque su último trabajo "Mataharis" no gozara de tanta repercusión como otros anteriores, no se debió a su gran calidad. El británico Michael Winterbottom muda de piel con cada nuevo trabajo, aún pendiente a pesar de ser anunciado en varias ocasiones su anterior trabajo "La doctrina del shock" nos llega su debút dentro del cine independiente norteamericano con "El demonio bajo la piel", que viene además precedido por la polémica desatada por sus escenas de violencia explícita. Michel Gondry también suele sorprender, para mal en mí caso, sé que cuenta con todo un séquito de seguidores y aún así pienso que está muy sobrevalorado. El último cineasta clásico, Clint Eastwood, regresa con un film inesperado en su trayectoria que ha dividido a la crítica, su ex-guionista Paul Haggis no ha obtenido una respuesta más entusiasta precisamente con "Los próximos tres días", un entretenimiento que al menos cumple con su objetivo. En resumen, ojala todos los meses fueran como mínimo como este.

5 de enero:
- "Camino a la libertad", de Peter Weir.
- "Los próximos tres días", de Paul Haggis.
- "También la lluvia", de Icíar Bollaín.
14 de enero:
- "The green hornet", de Michel Gondry.
21 de enero:
- "Más allá de la vida", de Clint Eastwood.
- "El demonio bajo la piel", de Michael Winterbottom.
28 de enero:
- "¿Cómo sabes si...?, de James L. Brooks.

sábado, 25 de diciembre de 2010

MUCHAS NATALIES PARA 2011

Ahora que le llueven las mejores críticas de toda su carrera con "Cisne negro" de Darren Aronofsky se acaba de saber que Natalie Portman está a sus 29 años embarazada del que será su primer hijo. Este momento dulce con toda seguridad se completará con una nominación al Oscar en la categoría de actriz principal, la primera y única vez que aspiró a este premio fue hace 6 años por "Closer", aunque en aquella ocasión como actriz secundaria.

Pero a decir verdad Natalie nos tiene preparados para esta próxima temporada no uno sino varios estrenos y no todos ellos especialmente estimulantes. "Cisne negro" nos hará olvidar las indigestiones que pueden producirnos films como "The other woman", titulo con el que finalmente se conocerá a "Love and other impossible pursuits" en el mercado americano donde finalmente se estrenará en formato DVD. El film llega con un enorme retraso después de haberse estrenado en países como Rusia con escaso éxito.

También llegará "No strings attached", una comedia romantica en la línea de todas las simplezas que rueda su partenaire en el film Ashton Kutcher, quien en los 2'30 que dura el trailer aparece 2 sin camisa como acostumbra. "Your highness" que protagoniza junto a James Franco es lo nuevo del director de "Superfumados" o sea que poco cabe decir, se trata de un film ambientado en la edad media del tipo de humor de las películas de los hermanos Zucker y que no le pega nada al tipo de cine que hace - ¿o debería decir hacía? - Natalie.

Y aún hay más, porque nos queda aún dos películas de la generosa temporada que protagonizará Natalie Portman. Se trata de los film "Hesher", un film independiente que ha rodado junto al ascendente Joseph Gordon-Levitt y que ya ha podido verse en Sundance sin despertar excesivas emociones, y de su antítesis, "Thor", el film destinado a ser uno de los blockbusters del año con un presupuesto desmesurado.

Mucha Natalie por tanto pero no de la que a nosotros nos gusta.

domingo, 19 de diciembre de 2010

UN GUÍA TURÍSTICO DE PRIMER ORDEN

Para todos aquellos que quieran viajar a Nueva York y deseen planificarse una ruta cinéfila acaba de aparecer una herramienta indispensable para hacerlo. Se trata del libro "El Nueva York de las películas de Woody Allen" que han escrito al alimón María Adell y Pau Llavador, y en él recopilan hasta un total de 75 localizaciones que han ido apareciendo en la larga filmografía del cineasta neoyorquino. Se menciona el film en el que aparecía dicho escenario y se explica el modo en que llegar más fácilmente hasta él. Un modo, sin duda, muy original de visitar Nueva York y de tener delante lugares que has visto ya muchas veces antes a través de una enorme pantalla de cine.

Un regalo muy especial para todo un friki de cine y para cualquier amante de la ciudad que nunca duerme. El libro está editado por Electa a un precio muy asequible, unos 20 € aproximadamente. ¡Qué lo disfrutes!.

miércoles, 15 de diciembre de 2010

Neds (No educados y delincuentes)

La faceta de Peter Mullan como director podría haber quedado en una mera anécdota de haberse rendido por la escasa notoriedad y distribución que tuvo su primer film, “Orphans” (1997), y no hubiese dirigido la desgarradora “Las hermanas de la Magdalena” (2002) – habiendo visto el film que nos ocupa puedo afirmar que éste sigue siendo el trabajo más sólido que hasta ahora ha firmado – que se llevó el premio gordo del Festival de Venecia, beneficiándose de la promoción añadida que esto supone. Ahora nos llega su tercer trabajo, “Neds”, que vuelve a ahondar, desde un angulo distinto, en la represión sufrida por los jóvenes en la Inglaterra de hace escasas dos décadas. “Neds” viene precedida por su éxito en el Festival de San Sebastián donde se alzó con la Concha de oro y un premio interpretativo para su desconocido protagonista Conor McCarron.

Con unos precedentes así sorprende comprobar que finalmente “Neds” no es un film especialmente memorable y que este retrato de la violenta y desencantada juventud del Glasgow de 1973 no resulta ni covincente ni emocionante. Carece por completo del realismo prototípico del cine de Ken Loach – cineasta con el que incansablemente se ha asociado estilísticamente este film – con el que Mullan consiguió su interpretación más laureada. Hablo, ¿cómo no?, de “Mi nombre es Joe” (1998).

La falta de credibilidad antes mencionada se debe al hecho de que las interpretaciones por lo general dejan mucho que desear (McCarron no está mal pero tampoco tan brillante como han tratado de hacernos ver), a que la historia resulta extremista y caprichosamente efectista, y al uso innecesario de situaciones ligeramente cómicas y de personajes paródicos – como el del padre borracho del protagonista que se reserva Mullan y que al parecer está ligeramente inspirado en su padre –. En “Las hermanas de la Magdalena” Mullan también se adjudicó un papel breve y poco agradecido.

“Neds” cuenta la historia de John McGill, un joven de familia humilde con mucha capacidad para los estudios que se ve superado por el entorno circundante - un padre violento y alcohólico, un hermano mayor que forma parte de una banda de maleantes y un grupo de amigos que tampoco son un ejemplo de sensatez precisamente – alejándose del buen camino para sumarse a esa preocupante gráfica de jóvenes desempleados enrabietados con la sociedad que les ha tocado vivir. Para Mullan la falta de una formación elemental unido a un ambiente poco propicio es garantía más que suficiente para que una persona elija el camino equivocado, el de la delinquencia y la marginalidad.

Durante dos horas seremos testigos de la rebeldía e insatisfacción de toda una generación, de las brutales peleas entra bandas, de las venganzas y de las traiciones que asolan en su seno. También conoceremos la sensación de miedo e impotencia que sufren sus familiares. Todo ello culminará en un poético plano final, tan aterrador como abierto a interpretaciones, que no cambiará el hecho de que “Neds” pese a su interés inicial terminé convertida en una pequeña decepción por despertar una serie de expectativas que finalmente no cumple.

sábado, 11 de diciembre de 2010

La red social

A estas alturas no cabe duda de que David Fincher es un realizador prácticamente infalible, sabe muy bien lo que el público demanda, y lo que es mejor, sabe perfectamente como presentárselo. Desde que debutara discretamente en “Alien 3” (1992), salvo contadas ocasiones, sus films han resultado novedosos, creativos y estimulantes, no obstante a pesar de no ser demasiado prolífico ya cuenta con al menos tres clásicos en su filmografía, “Seven” (1995), “El club de la lucha” (1999) – aunque afirmarlo siempre pueda resultar algo polémico para algunos –, y “Zodiac” (2007) en la que recuperó el espíritu de las mejores películas policiacas de los 70. “La red social” quizás nunca entre en este selecto club pero es un film de lo más interesante y de lo más conseguido… a pesar de las lógicas reticencias iniciales.

Esa desconfianza se debía al hecho de que los sucesos que se narran se produjeron apenas hace 6 años y por lo tanto carecen de la perspectiva que otorga la distancia, pero el ritmo que Fincher otorga a su film, el modo en el que éste está estructurado, sumado al portentoso guión de Aaron Sorkin (cabeza pensante de la serie “El ala oeste de la Casa Blanca”) hacen que el film se revele como una autentica sorpresa, muy convincente gracias al acertado elenco protagonista. Visto lo visto el binomio Fincher-Sorkin podrían hacer apasionante hasta un biopic sobre Paris Hilton.
“La red social” explica la génesis, la concepción y el crecimiento imparable del fenómeno social – si no el más importante sí el más lucrativo – más apabullante de la primera década del siglo XXI. El relato lejos de optar por el camino de la épica o el triunfalismo se muestra más interesado en mostrar la otra cara de la moneda, el de cómo la ambición, la falta de escrupulos y el dinero están siempre por encima de la amistad y de las buenas intenciones.

Marc Zuckerberg (un Jesse Eisenberg que borda a ese genio asocial y engreído recientemente elegido personaje más influyente del año) a raíz de un desengaño con la chica de sus sueño, Erica (Rooney Mara, la hermana de Kate, quién repetirá próximamente con Fincher en su adaptación de la trilogía “Millennium”) y también con unas pequeñas dosis de ingenio prestado o robado ( que cada no piense lo que quiera porque en el film tampoco le dan a ese detalle excesiva importancia) desarrolla una red para hacer contactos entre los alumnos de Harvard. Con el apoyo moral y el asesoramiento jurídico de Eduardo Saverin (estupendo Andrew Garfield, elegido para ser el próximo “Spiderman”) y con la aportación agresiva y desalmada que aporta el que fuera el creador de Napster, Sean Parker (Justin Timberlake en su mejor interpretación hasta la fecha) un ingenuo proyecto universitario terminará convirtiéndose en una compañía llamada Facebook que en 6 años tenía un valor de más de 25.000 millones de dólares. En esa vorágine de cifras, la deslealtad, los intereses y las demandas astronómicas están a la orden del día.

Basado en el libro “Billonarios por accidente” – en el que participó de manera activa el propio Eduardo, co-creador de Facebook caído en desgracia – sí es que a poseer un 0’3% de una empresa con ese capital se le puede llamar desgracia –, el film se centra en los litigios que afronta Zuckerberg – el multimillonario más joven del mundo – para ir ensamblando a modo de flashbacks los prolegómenos del origen del brillante invento y de su consiguiente conflicto.
Parte del merito del rítmo imprimido al film y de éste se pueda seguir con facilidad – y eso que contiene numerosas conversaciones tan aceleradas como la mente pensante de quien las pronucia, la mente de Marc - les corresponde a los dos montadores del film, Kirk Baxter (“El curioso caso de Benjamin Button”) y Angus Wall (“Zodiac” y “La habitación del pánico”), acostumbrados a recomponer todo lo que Fincher rueda y me consta que es mucho. También es interesante comprobar el resultado de la colaboración de un compositor con tan poco bagaje como Atticus Ross con Trent Reznor – líder de los “Nine Inch Nails” – quien por primera vez firma un score.

Aunque analizo este film con bastante retraso y ya sabiendo que ha sido considerado para 6 Globos de oro (película de drama, director, actor de drama, actor secundario, guión y banda sonora) opino que al final al film se la magnificará más de lo necesario porque está lejos de ser el film del año como algunos han llegado a catalogarlo. En resumen un film efectivo, que no brillante, que tiene la suerte de contar con la arquitectura fina y firme del mejor Aaron Sorkin, y ese Señor da una lección de cómo contar una historia aparentemente insustancial y sí que realmente se merece recibir un Globo de Oro y hasta un Oscar si me apurais. El joven reparto – magnífico, es cierto – tendrán mucho más contra lo que competir. Muy entretenida… pero tampoco nos pasemos de la raya con ella.

viernes, 10 de diciembre de 2010

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XXIX)


SANDRA MOZAROWSKY
Tánger (Marruecos), el 17 de octubre de 1958
Madrid (España), el 14 de septiembre de 1977

De padre ruso y madre española, Sandra pasó los dos primeros años de su vida en Tánger, su ciudad natal, para después trasladarse definitivamente a Madrid. La suya es una de las historias más tristes del cine español de la transición. Fue una de las muchas musas del destape junto a Nadiuska, Barbara Rey, María José Cantudo o Agata Lys. Debutó con sólo 9 años en “El otro árbol del Guernica” (1969), aunque no sería hasta 4 años más tarde cuando se concentró en su carrera como actriz en películas como “Lo verde empieza en los Pirineos” (1973), “El mariscal del infierno” (1974), “La noche de las gaviotas” (1975), “El libro del buen amor II” (1976), “Beatriz” (1976) – quizás el título de más peso en su corta filmografía –, “El espiritista” (1976), “Call girl: La vida privada de una señorita bien” (1976), “Hasta que el matrimonio nos separe” (1977) o “Abortar en Londres” (1977). El film rodado en México “Ángel negro” (1978) fue su última aparición en pantalla. También se la pudo ver en capítulos de las series “Cuentos y leyendas” o “Curro Jiménez”.
Ganaba medio millón de pesetas de la época por película pero era terriblemente infeliz por sentirse un objeto erótico, odiaba que en todo aquel guión que le enviaban implicara el tener que desnudarse. Su tendencia a engordar la trajo serios problemas personales que culminaron cuando Buñuel la rechazó por este motivo después de mostrar interés por ella para “Ese oscuro objeto del deseo”. Después de rodar en México expresó su deseo de no volver a desnudarse, de aprender inglés y de formarse como actriz. Pocos días después en circunstancias muy extrañas se cayó desde la terraza de su casa falleciendo después de pasar 23 días en estado de coma vegetativo. En menos de un mes habría cumplido 19 años.
Se dijo que Sandra seguía un régimen brutal – sólo tomaba un té y un plátano diario – y que se mareó al regar sus macetas cayendo al vacío, algo poco probable al ver unas fotos que se hiciera en la terraza aquel mismo verano de su muerte. También se especuló que podría haberse suicidado estando embarazada. Sea como fuere Sandra tardó muy poco en conocer el lado más superficial, amargo y cruel del mundo del cine.

sábado, 4 de diciembre de 2010

Biutiful

El cuarto film de Alejandro González Iñárritu después de los éxitos críticos de “Amores perros” (2000), “21 gramos” (2003) y “Babel” (2006) presenta algunas variantes respecto a los anteriores, la ausencia del guionista Guillermo Arriaga – la lucha de egos con el cineasta mexicano le hizo emprender su propio camino dirigiendo la interesante “Lejos de la tierra quemada” (2008) –, el prescindir del esquema de las tres historias independientes que se cruzan trágicamente en un punto – en “Biutiful” se tejen varias historias que siempre tienen que ver con un personaje central, el de Uxbal –, la elección de un único enclave geográfico en el que situar las tramas – después del caos logístico que debió suponer “Babel”, su film más ambicioso hasta la fecha –, y por último el otorgar a un solo actor – un omnipresente y magistral Javier Bardem – toda la carga dramática del film, y a la vez la responsabilidad de que el proyecto no naufrage. La trabajada actuación de Bardem es en gran medida responsable de que “Biutiful” sea una experiencia tan desoladora como necesaria.

El film nos ofrece una imagen de Barcelona muy diferente a la que vemos en las postales turísticas – es un reverso de “Vicky Cristina Barcelona” y algo similar a lo que Winterbottom hizo en “Genova”, por explicarlo de algún modo –, mostrando su lado más marginal, ruidoso y sucio. La Barcelona en la que cohabitan todo tipo de etnias y en la que las mafias sacan tajada de la economía sumergida, explotando a trabajadores ilegales que soportan condiciones infrahumanas.

Uxbal (un Bardem en estado de gracia como antes he mencionado) es un superviviente de los suburbios barceloneses, ejerce de intermediaro entre la policía corrupta y las mafias, y entre éstas y los inmigrantes que trabajan hacinados en talleres clandestinos. Uxbal además parece tener un don para comunicarse con los muertos, los mensajes que obtiene de ellos reconfortan a los familiares y así él obtiene otro dinero extra. Uxbal al igual que todos se aprovecha de la grave situación socio-económica en beneficio propio.
Si la vida laboral de Uxbal es a salto de mata, la familiar no está mucho más asentada. Cuida de sus dos hijos y evita en la medida de lo posible que éstos tengan demasiado contacto con su ex-mujer, Marambra (la debutante y sorprendentemente convincente Maricel Álvarez), alcóholica y con un acusado trastorno bipolar. En una visita al médico el frágil universo de Uxbal se desmorona, padece un cáncer de próstata terminal y cuenta con muy poco tiempo para enmendar sus muchos errores y para encontrar alguien decente que cuide de sus hijos y les mantenga alejados del ambiente tan putrefacto en el que viven. Esas personas, obviamente, no pueden ser ni Marambra ni su hermano Tito (Eduard Fernández), un cocainónamo que se dedica al trapicheo.

“Biutiful” es el drama desgarrador de un hombre enfrentado repentinamente a la recta final de su vida y de cómo los lazos familiares que le atan a la misma le hacen más difícil la partida. Uxbal piensa que su mal se debe a un castigo divino y lo que más le atormenta es pensar que sus hijos aún son pequeños y le necesitan, le desengaña el personaje interpretado por Ana Wagener en una de las frases más inspiradas del largo metraje: “tú nunca has cuidado de tus hijos, es el universo quien se encarga de cuidarlos”. A pesar de lo que pueda parecer “Biutiful” termina siendo más vitalista de lo que cabría imaginar y no se prescinde de unos pequeños rayos de esperanza.
Como bien dice Iñárritu la muerte no debería de ser un tabú, al fin y al cabo forma parte de la vida y da sentido a la misma. Forma parte del contrato que firmamos al nacer. Antes he mencionado que “Biutiful” es un film necesario y verdaderamente lo pienso porque tiene la valentía de mostrar los temores más humanos y porque sin caer en sentimentalismos tiene el coraje de mirar al diablo directamente a los ojos.

Trágica, melancólica, experimental – el uso del score de Gustavo Santaolalla es muy arriesgado y creativo -, nerviosa – el montaje de Stephen Mirrione, la fotografía de Rodrigo Prieto y el sonido de José Antonio García ayudan sobremanera a sumergirnos dentro de la pesadilla – incluso molesta – algunas conversaciones se integran entre capas y capas de ruido que a veces es hasta complicado seguirlas – llega a ser “Biutiful”, un film en el que nada es aleatorio, todo está calculado milimétricamente. Acceder al universo de González Iñárritu supone siempre un duro viaje emocional al que no todo el mundo está dispuesto a prestarse pero del que casi siempre se sale enriquecido. “Biutiful”, a pesar algunas opiniones que había leído antes de juzgar por mí mismo, se encuentra perfectamente integrada en el resto de su obra y está a la altura de la misma.

martes, 30 de noviembre de 2010

LAS PROPUESTAS MÁS INTERESANTES PARA DICIEMBRE

Aqui os presento el calendario de las propuestas más interesantes para el mes de diciembre. Le emoción me invade, vuelvo a recobrar el entusiasmo y la ilusión por escribir aquí. Por primera vez en meses tengo el presentimiento de que pueda ser un mes de interés para todos los cinéfilos para así desconectar un poco de ese invento llamado Navidad. No se me ofendan, es que tengo un poco de aversión a ese ambiente tan falsamente buenrrollista, a toda esa hipocresía,...
Este mes seréis testigos del realismo social de la mano de Peter Mullan, de un thriller detectivesco de ambientación americana aunque de autoría francesa - Bertrand Tavernier -, de una historia de superación en el ámbito monárquico como es "El discurso del Rey", con un Colin Firth que sí nadie lo evita se llevará el Oscar a casa, de la actualización a todo lujo de detalles de un clásico de la ciencia ficción ochentera, "Tron" (1982), que aspira ser el "Avatar" de estas Navidades; del lado más surrealista y a la vez personal de Álex de la Iglesia en su trabajo más reconocido y premiado internacionalmente, "Balada triste de trompeta". Por último "Biutiful" nos quitará las ganas de vivir por esa costumbre que tiene Iñárritu de removernos hasta las entrañas. Un mes, por tanto, en donde elegir.

3 de diciembre:
- "Biutiful", de Alejandro González Iñárritu.
- "NEDS (No educados y delincuentes"), de Peter Mullan.
10 de diciembre:
- "When you`re strange", de Tom DiCillo.
17 de diciembre:
- "Tron: Legacy", de Joseph Kosinski.
- "En el centro de la tormenta", de Betrand Tavernier.
- "Balada triste de trompeta", de Álex de la Iglesia.
22 de diciembre:
- "El discurso del Rey", de Tom Hooper.
- "Ahora los padres son ellos", de Paul Weitz.

DÍA NEGRO PARA EL CINE

Un día muy negro para el mundo del cine. El cómico Leslie Nielsen nos dejó a los 84 años, especializado y encasillado en las últimas décadas en películas de humor absurdo. Casi nadie ya recuerda que siendo un treintañero participó en una película de culto del fantástico de la década de los 50, "Planeta prohibido" (1956). Entre infinidad de trabajos televisivos tuvo pocas oportunidades de hacer papeles más serios y de más entidad, sólo cabe recuperar su participación en el segmento de "Creepshow" (1982) para darse cuenta que podría haber sido un buen actor dramático sí la saga de "Aterriza como puedas" (1981) no se hubiese cruzado por su camino. Desde entonces los encargados de bautizar los films en nuestro país no se complicaron demasiado la vida: "Agárralo como puedas" (1988) - y sus dos secuelas "2 y medio" (1991) y "33 un tercio" (1994), "Espía como puedas" (1996), "Acampa como puedas" (1997), "Asegúrate como puedas" (1998), "2001: Despega como puedas" (2000), "Esquía como puedas" (2001). Después de subirse tardiamente al carro de la franquicia "Scary movie" - participó en la tercera y cuarta parte - cerró su filmografía indignamente con la infame "Spanish movie" (2009) haciendo tandem cómico con un cómico semi-olvidado, Chiquito de la Calzada.

Si Irvin Kershner no hubiese dirigido "El Imperio contraataca" (1980) - unanimente señalada como la mejor de las 6 partes de la epopeya galáctica surgida de la mente de un visionario como es George Lucas - probablemente no sería recordado por ni una sóla de las pocas películas que dirigió para la gran pantalla. Es curioso que uno de sus primeros trabajos, "Refugio de criminales" (1961), compitiera para la Palma de Oro de Cannes y después no hiciera nada destacable hasta "Ojos" (1978). Dirigió el Bond apócrifo "Nunca digas nunca jamás" (1983) y cerró su filmografía con la secuela de "Robocop" (1990), en la que demostró oficio aunque sin acercarse ni de lejos al original de Verhoeven. Tenía 87 años.

Fue uno de los reyes de la comedia italiana, además de un importantísimo guionista. Mario Monicelli empezó dirigiendo al alimón con Stefano Vanzina y después con Steno - 9 con el primero y 8 con el segundo -las primeras entregas de la famosa saga "Totó" y sus primeros films de relevancia como "Vida de perros" (1950). En su etapa ya en solitario se engloban los films "Rufufú" (1958), "La gran guerra" (1959) - su trabajo más reconocido que optó incluso al Oscar a la película extranjera. Después en una carrera larga e irregular que no logró cumplir todas las expectativas destacaron "Camaradas" (1963), "La armada Brancaleone" (1966), "La ragazza con la pistola" (1968) o "Mortadela" (1971). Aunque se mantuvo en activo hasta casi el final de su vida sus películas apenas traspasaban nuestra frontera. Su último film aquí estrenado data de 1988. Tenía 95 años y contra todo pronóstico no falleció de muerte natural, se suicidó en el hospital en el que se trataba de un cáncer de próstata.

jueves, 18 de noviembre de 2010

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XXVIII)


MICHAEL L. BREA
Nueva York (USA), 1979

De origen hawaino, no sé si llamarle actor, aspirante de actor o simplemente figurante, porque de su tan cacareada participación en la exitosa serie “Ugly Betty” (2006-10) – producida por Salma Hayek, durante sus 4 temporadas desfilaron Vanessa Williams, Rebecca Romijn, Lindsay Lohan, Freddie Rodríguez, Gene Simmons o Debi Mazar – y en la película “Step up 3D” (2010) en el IMDB no hay constancia de ello y eso que allí acreditan hasta al que llevó el papel higiénico al baño. La noticia por la que saltó a luz no fue por el hecho de que en un capítulo del mencionado culebrón se cruzase por la calle con el personaje de Betty, ni tampoco porque a sus 31 años aún compartiera piso con su madre en un barrio neoyorquino marginal. Brea se hizo muy popular por motivos ajenos a la actuación; un día de repente perdió la razón y le cortó la cabeza a su madre con una espada samurái. En los muslos de pollo que cocían a fuego lento en la cocina creyó ver indicios de prácticas de magia negra a la vez que una voz le pedía que matara al demonio que su madre llevaba dentro. Este macabro suceso le hizo célebre aunque no del modo que él hubiese deseado.

domingo, 14 de noviembre de 2010

ADAM SANDLER OBJETO DEL DESEO DE... ¡¡SANTIAGO SEGURA!!

En vista de que el público no acepta de buena gana sus intentonas de cambio de registro ("Embriagado de amor", "En algún lugar de la memoria" o la interesante "Hazme reír"), Adam Sandler vuelve a lo que más gusta y a lo mejor (se supone) sabe hacer, películas chorras. Con o sin la ayuda de sus amiguetes Kevin James, David Spade o Rob Schneider, Sandler se está echando a la espalda toda una larga ristra de comedias insustanciales que curiosamente después de reventar taquillas en tierras norteamericanas pasan bastante desapercibidas en casi toda nuestro continente.

Sandler con el apoyo financiero de su propia productora Happy Madison y con la complicidad del mediocre realizador y ex-actor Dennis Dugan muy experimentado también en la comedia bufa - de hecho ya se hizo cargo de las anteriores "Un papá genial", "Os declaro marido y marido", "Zohan, licencia para peinar", "Niños grandes" y la aún inédita "Just go with it" en la que Sandler se ha rodeado de Jennifer Aniston y Nicole Kidman - se ha embarcado en el rodaje de una nueva, "Jack and Jill" en la que se atreve a encarnar a una pareja de hermanos mellizos, al más puro estilo Eddie Murphy.

Se trata de una mezcla de comedia romántica y disparatada que explota las posibilidades que pueden derivar de la tradicional celebración del día de acción de gracias, cuando el hermano Jack, un hombre asentado de familia, recibe la visita de su hermana Jill, un autentico torbellino que pone patas arriba todo a su paso. Lo más interesante del proyecto viene al conocer que uno de los pretendientes de la hermana en cuestión será ni más ni menos que nuestro Santiago Segura - estandarte de la comedia casposa por excelencia - que prosigue paso a paso su carrera internacional después de sus breves apariciones en "Perdita Durango", "Blade II", "Superangente Cody Banks 2", "Manolete" o "Hellboy II: El ejército dorado".

Junto a Sandler y Segura estarán Katie Holmes, el cómico Dana Carvey, además de las breves apariciones de Shaquille O'Neal y Al Pacino, que hacen breves cameos autoparodiándose. Segura cumple así el sueño de Javier Bardem, trabajar con su idolatrado Al Pacino, aunque es poco probable que ambos compartan un sólo plano. Es, al menos, esperanzador saber que de Pacino nos esperan para el año que viene títulos muchos más interesantes realizados por Dito Montiel o James Foley.

jueves, 11 de noviembre de 2010

TERRENCE MALICK PROLÍFICO A SUS 67 AÑOS

Terrence Malick es un cineasta atípico, personal, independiente y con un ritmo de trabajo muy, muy sosegado. El rodar tan sólo 5 películas en 36 años indica lo meticuloso que es para decidir cual será su siguiente proyecto. Su breve obra le ha definido como un artista apasionado por la naturaleza, la cual recrea de manera poetica y la integra de modo natural en la historia y entre los personajes. Su primer film fue "Malas tierras" (1974), una sangrienta road movie en la que retrataba el carácter rebelde y contestario de la juventud americana inspirándose en hechos reales acontecidos en la década de los 50. Las tierras baldías a que hacía mención el título eran los paisajes áridos y accidentados de Montana, estado en el que rodaron unos jovencísimos y entonces desconocidos Martin Sheen y Sissy Spacek.

"Días del cielo" (1978) era un drama rural ambientado en el Texas de primeros del siglo XX de una belleza hipnótica que vuelve a reincidir sobre lo más desfavorecidos de la sociedad. Un film existencialista y filosófico que habla sobre la amistad, la soledad y el paso inexorable del tiempo. Después de este film que le dio sus primeros oportunidades a Richard Gere, Sam Shepard y a la hoy olvidada Brooke Adams, y que otorgó un Oscar al español Nestor Almendros por su brillante fotografía, vendrían 20 largos años de silencio.

El fílm bélico "La delgada línea roja" (1998) era un mirada reflexiva y poetica sobre los horrores de la guerra y del daño psicológico que los soldados sufren. Enmarcada en una misión suicida de la Segunda Guerra Mundial, la toma de una colina en la salomónica isla de Guadalcanal. Malick, como siempre, estaba más interesado en prestar atención a los pensamientos de los soldados y en dar relevancia a la preciosista contemplación de los fastuosos escenarios naturales. El drama no se libraba en el campo de batalla sino en el interior de cada persona. El nutrido reparto estaba formado por Jim Caviezel, Sean Penn, John Cusack, Nick Nolte, Woody Harrelson, Elias Koteas y unos desaprovechados George Clooney, Adrien Brody y John Travolta cuyos trabajos se quedaron en su mayoría en la mesa de montaje.

Su siguiente trabajo no se hizo esperar tanto, siete años, un suspiro tratándose del Sr. Malick, "El nuevo mundo" (2005) no era sino la adaptación fílmica de un mito muy arraigado en la cultura norteamericana, el de Pocahontas, la nativa americana que se enamora del británico John Smith, en medio de un escenario tan poco idílico como el de la America colonial de primeros del siglo XVII. Hermosa y preciosísta, como no podía ser de otro modo, no obtiene todo el respaldo de la crítica que no la eleva a la categoría de sus predecesoras. Sus protagistas fueron Colin Farrell, un fugaz Christian Bale, la debutante Q'orianka Kilcher y un portentoso Christopher Plummer.

Malick que aún está ultimando la post-producción de un extraño film con elevadas cotas de fantasía rodado hace más de dos años con Sean Penn y Brad Pitt, "The tree of life" y que no se verá hasta el año que viene, sorprende iniciando en Oklahoma la filmación del que será su nuevo trabajo y que aún no cuenta con título. Malick amante de los secretos tan sólo ha desvelado que se tratará de un film romántico, ambientado en el sur de Estados Unidos y que estará protagonizado por Ben Affleck - sustituyendo al inicialmente anunciado Christian Bale -, Rachel McAdams, Javier Bardem - quien ha reconocido haberse reunido con el cinesata y a pesar de ello desconocer casi por completo la naturaleza del proyecto en el que se ha embarcadao -, Rachel Weisz y la rusa Olga Kurylenko.

miércoles, 10 de noviembre de 2010

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XXVII)

BORIS SAGAL
Yekaterinoslav (Rusia), el 18 de octubre de 1917
Portland, Oregon (USA), el 22 de mayo de 1981

Director basicamente televisivo que emigró desde lo que hoy es Ucrania y que desde mediados de los 50 dirigió infinidad de capítulos para series de todo tipo como “Mike Hammer” (1959), “Mr. Lucky” (1960), “Peter Gunn” (1960), “Naked city” (1961), “Dimensión desconocida” (1961), “Los vengadores” (1961), “El Doctor Kildare” (1962) – precisamente a su protagonista Richard Chamberlain le ofrecería su primer papel cinematográfico en “A cualquier precio” (1963) - , “El agente de C.I.P.O.L” (1967), “Centro médico” (1969), “Audacia en el juego” (1970), “Colombo” (1972), “Ironside” (1974), “Hombre rico, hombre pobre” (1976) y “Ike” (1979). Su fama de solvente, económico y rápido artesano televisivo oscureció una breve y discreta carrera cinematográfica que comenzó con la desconocida “The crimebusters” (1961), después llegarían “Dime with a halo” (1963), un intento por parte de la MGM de explotar a un actor infantil mexicano de efímera carrera, Manuel Padilla; la anteriormente citada “A cualquier precio” (1963), el western “Las pistolas del diablo” (1964), “Girl happy” (1965) – uno de los muchos films que se rodaron al servicio de Elvis Presley y que tan flaco favor le hicieron - , la de sobra conocida “Cita en París” (1966), las bélicas y absolutamente prescindibles "Escuadrón Mosquito” (1969) y “La incursión de mil aviones” (1969), y su obra más conseguida y recordada “El último hombre… vivo” (1971), todo un clásico del cine post-apocalíptico que orígino un remake de éxito más de 30 años después a cargo de Will Smith. “Angela” (1978), protagonizada por Sophia Loren, puso el punto final a su corta filmografía para la gran pantalla. Charlton Heston contó en su biografía el carácter tan difícil que tenía Boris y lo complicado que se lo puso a todo al equipo de “El último hombre… vivo”, con los años este carácter colérico del director se acrecentó hasta tal punto que volviendo de rodar unos planos aéreos para la miniserie protagonizada por Rock Hudson “World War III” (1982) estaba tan concentrado discutiendo con el cámara que no se percató que al girarse se había metido directamente en el ángulo de giro de la hélice de cola del avión. El escenario de tan dantesco espectáculo fue el Hotel de montaña Timberline Lodge en Oregón - allí enmarcó Kubrick la acción de la mítica “El resplandor” - , allí los miembros presentes del equipo de rodaje vieron como le era seccionada la cabeza a Boris. Al día siguiente el rodaje se reanudaba con otro director al frente, el también televisivo David Greene (“Raíces”, “Alerta roja: Neptuno hundido”). Boris tuvo tres hijos, todos ellos relacionados con el mundillo del cine, la más conocida es Katey, la madre de pelo cardado de la sitcom “Matrimonio con hijos” (1987-97).

domingo, 7 de noviembre de 2010

VUELVE DAVID "EL MANIACO " O. RUSSELL

El realizador neoyorquino David O. Russell desde su debút en el largo "Spanking the monkey" (1994) - inédita en nuesto país y ganadora del Premio del público en Sundance, su título podría traducirse como "Zurrando al mono" - se ha caracterizado por darse ínfulas de cineasta pseudointelecual con una mirada pretendidamente existencialista que nunca ha terminado de convencer, aunque en pequeños círculos pretendan otorgarle la categoría de "director de culto" lo cierto es que su breve filmografía no tiene la consistencia para denominarle como tal. Su fama de persona meticulosa hasta extremos inimaginables no han hecho otra cosa más que engordar su leyenda negra.

"Flirteando con el desastre" (1996) el film con el que le descubrimos anticipaba ese gusto por lo esperpéntico, por lo grotesco, que sin embargo no llegaba a echar por tierra un intento lo suficientemente digno. También dejaba constancia de su poder de convocatoria para reclutar repartos plagados de estrellas (Ben Stiller, Patricia Arquette, Tea Leoni, Alan Alda, Richard Jenkins, Mary Tyler Moore, Josh Brolin, George Segal, ...). Con menos pretensiones autorales y mayores comerciales llegaba tres años después "Tres Reyes", con la guerra del Golfo como eje central de un film en el que tenían cabida el cine de acción, la comedia y hasta la crítica política.

Después llego la madre de todos los desmadres, "Extrañas coincidencias" (2004) con un reparto compuesto por el insoportable Jason Schwartzman - el cual sí cuenta con una carrera cinematográfica será por el influjo de ser sobrinísimo de Coppola, porque talento tiene 0 - Jude Law, Naomi Watts, Isabelle Huppert, Mark Wahlberg, Lily Tomlin y Dustin Hoffman, film pretencioso, excentrico, insufrible, insoportable y demencial, que únicamente se recordará por una supuesta broca - aún no tengo muy claro si no se tratará de un montaje - en la cual Russell pierde los papeles después de que Lily Tomlin se equivoque en varias ocasiones, volviéndose loco por completo (véase en Youtube).

Después de varios proyectos fallidos que se vio obligado a abandonar - "Nailed" con Jake Gyllenhaal y Jessica Biel, entre otros - próximamente nos llegará su nuevo film, "The fighter" un drama ambientado en el mundo del boxeo con Mark Wahlberg, Christian Bale y Amy Adams. Wahlberg tiene a su cargo el papel del boxeador Dickie Eklund y Bale el de su hermano y entrenador Dickie, adicto al crack y con problemas con la mafia por sus deudas. A la vista está que el film propone otra ocasión de lucimiento para Bale, quien ha perdido mucho como ya hiciera en "El maquinista", que robará más de una escena al menos talentoso Wahlberg. Lo próximo para este director tan imprevisible será la adaptación cinematográfica del videojuego "Uncharted: Drake's fortune".

* "The fighter" que se estrena el 1o de diciembre en USA aún no cuenta con fecha de lanzamiento en nuestro país.

miércoles, 3 de noviembre de 2010

LOS PRIMEROS PASOS DE...

Cuatro nombres que estarán de plena actualidad este mes de noviembre, todos ellos con mucho futuro por delante y casi todos con un buen bagaje a sus espadas, tres americanos y una británica, australiana de adopción. Denzel Washington (55), Robert Downey, Jr. (45), Naomi Watts (42) y Jeremy Renner (39). Hoy podrás conocer sus primeros pasos en el mundillo cinematográfico cuando no eran más que una pandilla de novatos.

JEREMY RENNER


Hace un año era un completo desconocido por estos lares aunque su rostro inconscientemente nos sonase sin saber muy bien de qué. Lo cierto es que la inquietante apariencia de Jeremy ya había sido utilizada para personajes claramente negativos como los de "North Country" (2005) o "Verdades ocultas" (2005), para reforzar el protagonismo de Colin Farrel en "S.W.A.T: Los hombres de Harrelson" (2003) o de Brad Pitt en "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford" (2007), para asumir el rol del héroe de la función en "28 semanas después" (2007) o para ser el invitado especial de capítulos sueltos de series tan conocidas como "C.S.I." o "House". Nada habría bastado sí Kathryn Bigelow no hubiese pensado en él para encarnar a ese sargento artificiero adicto al peligro de "En tierra hostil" (2008), el film que le ha hecho empezar a jugar en otra liga después de haber sido incluso considerado para el Oscar. Después de su efímero periplo televisivo en la maltratada "The unusuals" (2009) su rostro seguirá haciéndoselas pasar putas a los personajes protagonistas de "Ciudad de ladrones" y de "Mission: Impossible 4", esa nueva secuela de una franquicia que todos creíamos agotada. Los comienzos de Jeremy se enmarcaron dentro de la comedia juvenil teniendo como poco honroso debút una enésima continuación de aquel "Desmadre a la americana" setentero que ahora aparecía en las estanterias de los videoclubs bajo el título de "Desmadre sobre ruedas" (1995) con un jovencito Jeremy Renner que ya destacaba por su cara de cabroncete.

* Editada hace tres lustros "Desmadre sobre ruedas" resulta ahora complicada de encontrar. Visionarla por internet es la otra posibilidad que queda.

DENZEL WASHINGTON

Es el actor afroamericano por excelencia (con permiso de Morgan Freeman), ganador de 2 Oscar de la Academia y con una larga carrera a sus espaldas en la que se encuentran títulos como "Tiempos de gloria" (1989) - su primer Oscar - , "Cuanto más, mejor" (1990), "Malcolm X" (1992), "Philadelphia" (1993), "Fallen" (1998), "Huracán Carter" (1999), "Training day" (2001) - su segundo Oscar - , "El mensajero del miedo" (2004) o "American Gangster" (2007). Su fidelidad hacía el director Tony Scott, con el que ha rodado 5 films, no le está haciendo mucho bien a su carrera y ahora lucha contra un tren descontrolado en "Imparable" (2010) cuando hace poco más de un año hizo prácticamente lo mismo con un vagón de metro en "Asalto al tren Pelham 1 2 3" (2009). Aunque muchos ya le tenían más que visto a raíz de su larga participación en la serie "St. Elsewhere" (1982-88), en la cual se mantuvo durante sus seis temporadas, desconocen que Denzel tuvo su primera y olvidable oportunidad en el cine y dentro de la comedia, un género en el que ha demostrado no estar muy capacitado. El film en cuestión era "Llámame Mr. Charly" (1981) y un flacucho Washington hacía una imposible pareja cómica con el veterano George Segal.

* "Llámame Mr. Charly" se editó en 2004 en zona 1 pero en nuestro país desde su meteórico estreno en salas nunca más se supo.

ROBERT DOWNEY, JR.


Si hubiera que poner un ejemplo de pasado turbio, ese sería el suyo, pero sí de lo que hablamos es de redención, también tendríamos que citarle porque su resurreción ha sido progresiva, inesperada y en este momento imparable. En lo que llevamos de año Robert ha estrenado hasta 4 films: "Sherlock Holmes", "El solista", "Iron Man 2" y "Salidos de cuentas". Entre 1996 y 2002 su vida pasó a ser de dominio público debido a sus continuas detenciones, encarcelamientos, rehabilitaciones de las drogas y recaidas; y su merecida fama de actor problemático e irresponsable le hicieron exiliarse durante un tiempo a la pequeña pantalla en donde colaboró en la serie "Ally McBeal" de la que fue despedido después de uno de sus muchos escándalos. La carrera de Downey, Jr. no se vislumbraba tan interesante cuando pertenecía a la nómina de actores de la factoría John Hughes pero el film "Golpe al sueño americano" (1987), en la que irónicamente encarnaba a un drogadicto, hizo que se le empezara a mirar con otros ojos. Desde entonces su talento natural se ha visto reconfirmado en films como "Chaplin" (1992), "Vidas cruzadas" (1993), "Asesinos natos" (1994), "Jóvenes prodigiosos" (2000), "Kiss kiss, bang bang" (2005), "Memorias de Queens" (2006) o "Zodiac" (2007). El éxito mundial de la adaptación fílmica del cómic "Iron Man" (2008) le ha dado una segunda vida artística a alguien desde niño vinculado al mundillo del cine por la influencia de su padre, el realizador televisivo Robert Downey, quien aparte de inculcarle su pasión por los porros le dio su primer papel a los 5 años de edad en "Pound" (1970), poniendo en boca de su hijo frases tan meritorias e inspiradas como: "¿tienes pelos en los huevos?".

* El film "Pound" centrado en una perrera carece de cualquier tipo de interés y no está editado afortunadamente en ningún punto del globo terraqueo.

NAOMI WATTS


Inglesa aunque emigrada a Australia con 14 años se trata de una actriz que no necesita presentación desde que David Lynch le eligiera como protagonista de uno de sus delirios fílmicos, "Mulholland drive" (2001). Naomi, al contrario que su compañera de reparto, supo abrirse camino inteligentemente alternando títulos claramente comerciales como "La señal" (2002), "Tránsito" (2005) o "King Kong" (2005), con otros más experimentales y arriesgados como "21 gramos" (2003), "Extrañas coincidencias" (2004) o "Funny games" (2007). Sus elecciones son tan estudiadas que a pesar de juventud puede presumir de haber trabajado con David Lynch, James Ivory, Alejandro González Iñárritu, Peter Jackson, David Cronenberg, Michael Haneke, Rodrigo García, Tom Tykwer o Woody Allen. Su último estreno es "Caza a la espía" (2010) un thriller político algo manido. Naomi se pasó toda la década de los 90 tratando de hacerse un hueco en el cine australiano, la primera ocasión que tuvimos aquí de verla - aunque en formato VHS - fue gracias al cineasta John Duigan con el film "Flirting" (1991) - aquí rebautizado como "La primera experiencia" - y cuya edición poco tenía que ver con el hecho de que en su reparto estuviera Watts, se trataba en realidad de aprovechar el éxito que su protagonista Nicole Kidman acababa de obtener con dos films, "Calma total" y "Días de trueno". En "Flirting" Duigan nos descubrió algo que desconocíamos, que Naomi Watts puede dar el pego de fea, además de descubrirnos a otra futura estrella, aunque en menor medida, Thandie Newton.

* "Flirting" nunca se editó en DVD en nuestro país, únicamente puede encontrarse en zona 1.

miércoles, 27 de octubre de 2010

LAS PROPUESTAS MÁS INTERESANTES PARA NOVIEMBRE

Aqui os presento el calendario de las propuestas más "interesantes" para el mes de noviembre. En esta ocasión mis recomendaciones no son más que elucubraciones porque realmente no confio demasiado en las posibilidades de la mayoría de estrenos que aquí cito. Quiero mantener distraidos a mis fieles pero tampoco quiero que se lleven amargas sorpresas, por eso el que avisa no es traidor, si no disfrutas con las animaladas de los "Jackass" ni con el humor facilón de "Salidos de cuentas", "Cyrus" o "Los otros dos" es probable que este mes tengas que buscarte otros ocupaciones. Con un panorama así no apetece ni escribir....

5 de noviembre:
- "Caza a la espía", de Doug Liman.
- "La mosquitera", de Agustí Villa.
12 de noviembre:
- "Scott Pilgrim contra el mundo", de Edgar Wright.
- "Bon appétit", de David Pinillos.
- "En el camino", de Jasmila Zbanic.
19 de noviembre:
- "Circuit", de Xavier Ribera Perpiñá.
- "The way", de Emilio Estevez.
26 de noviembre:
- "Chloe", de Atom Egoyan.

sábado, 16 de octubre de 2010

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XXVI)


HAING S. NGOR
Samrong Young (Camboya), el 22 de marzo de 1940
Los Ángeles, California (USA), el 25 de febrero de 1996

La actuación se cruzó en la vida de Haing de la manera más casual debido a que conoció de buena mano la crueldad del Regimen de los Jemeres Rojos en su Camboya natal. Él como cirujano y ginecólogo que era tuvo que ocultar su formación académica ya que el Regimen militar hostigaba especialmente a los profesionales e intelectuale. Finalmente fue confinado en un campo de concentración en donde tuvo que soportar el presenciar la muerte de su esposa embarazada por no recibir una cesarea que él podría haberle efectuado perfectamente. De hacerlo Haing se habría delatado y habría sido asesinado junto a su esposa por ocultar su ocupación.
Ya viviendo en Estados Unidos se le presentó la oportunidad de dar a conocer al mundo los genocidios cometidos por la organización guerrillera camboyana conocida como los Jemeres Rojos entre los años 1975 y 1979 a través del film “Los gritos del silencio” (1984), que recibió 3 Oscar de la academia, uno de ellos para Haing como actor secundario por su convincente y conmovedor debút.
A partir de entonces compaginó su profesión de ginecólogo con sus intermitentes apariciones en pantalla en films generalmente de escasa entidad de los que destacan especialmente “El triangulo de acero” (1989), la hoy olvidada y estimable “Mi vida” (1993) y “El cielo y la tierra” (1993), film con el que Oliver Stone cerró su trilogía sobre la Guerra del Vietnam. En la pequeña pantalla se le pudo también ver habitualmente en series como “Corrupción en Miami”, “Hotel”, “Autopista hacia el cielo” o “Playa de China”.
En febrero de 1996 Haing fue asesinado por una pandilla de jovenes que quiso robarle y a los que se negó a darle un objeto que contenía una foto de su difunta esposa, al menos aquella fue la versión oficial porque muchos quisieron ver en esa cobarde acción un ajuste de cuentas por parte de militantes supervivientes de los Jemeres Rojos. Un final demasiado injusto para alguien que había pasado tantas penalidades en su Camboya natal y que había emigrado a los Estados Unidos con la idea de poder llevar una vida tranquila y digna.

jueves, 14 de octubre de 2010

PAUL HAGGIS SE PONE AL SERVICIO DE UN REMAKE FRANCÉS

Parece increible que el talento de un guionista como Paul Haggis al que la mayoría descubrimos a merced de sus trabajos con Clint Eastwood ("Million dollar baby" y "Banderas de nuestros padres") o por ser uno de los muchas manos que revisaron el que probablemente sea uno de los mejores Bond de todos los tiempos ("Casino Royale") desarrollara su talento en series televisivas tan dispares como "Rumbo al Sur", "La ley de Los Ángeles" o... ¡"Walker, Texas Ranger"!. Está claro que a veces se puede encontrar un lingote de oro en medio de estercolero.

Su lanzamiento a raíz, como he dicho de trabajar con Eastwood, fue meteórico ya que el mismo año ya realizaba su primer film como realizador, "Crash" (2004), una celebrada historia coral sobre el racismo y la inmigración que obtuvo el Oscar a la mejor película de su año. Tres años después llegó un film muy distinto, "En el valle de Elah", una dura crítica al grado de desgaste físico y emocional al que son expuestos los soldados americanos destinados en Iraq. Ahora con un intervalo de otros tres años llega su tercer trabajo y también éste se distancia sustancialmente de los dos precedentes.

El motivo principal porque no se trata de un guión original sino de un remake de un film francés de reciente estreno - "Pour elle" interpretado hace un par de años por Vincent Lindon y Diane Kruger e inédito en nuestras pantallas - en el cual una mujer es acusada injustamente de asesinato y su marido tratará durante 3 días de hacer todo lo q esté en su mano para demostrar la inocencia de su esposa sobre la que pesa una condena de 20 años. "Los próximos 3 días" es un acelerado thriller que cuenta como mayor aliciente la presencia de un actor tan comercial como es Russell Crowe, que se ha separado un rato de Ridley Scott para probar retos nuevos, al que secundan la cada vez más interesante Elizabeth Banks - una actriz que dará mucho que hablar y no a mucho tardar -, la bella y cada vez más cotizada Olivia Wilde, el veterano Brian Dennehy - al que verle en la gran pantalla es siempre un motivo de alegría ya que cada vez es menos frecuente - , y el ubicuo Liam Neeson - el cual tras su reciente viudedad ha reactivado su carrera y no para de trabajar, en lo que llevamos de año lleva, contando este film que llegará a nuestras pantallas el 5 de diciembre, 5 films: "Crónica de un engaño", "Cinco minutos de gloria", "Furia de titanes" y "El equipo A". Teniendo en cuenta que tiene un par de films atrasados, sería posible que no fuera el último film de Neeson que viera la luz en este fecundo 2010.
Aunque "Los próximos 3 días" a todas luces no parece un film muy personal en la carrera de Haggis es probable que sea al menos un entretenimiento digno de cara a las navidades. ¡Veremos!.

lunes, 11 de octubre de 2010

Machete

La columna vertebral de este film se ideó hace 18 años, mucho antes de que se encajara como falso trailer – para muchos mejor que el propio film al que antecedía – del segmento que Robert Rodríguez orquestó para esa sesión doble conocida como “Grindhouse” (2007) y que en nuestro país llegó desmembrada debido al inesperado pinchazo en el mercado USA, con la intención así de hacer doble caja con este homenaje a la serie B de los años 70 y con el ligeramente superior que rodó Quentin Tarantino.

Mucho antes de que una película de exiguo presupuesto como “El mariachi” (1992) – que costó unos 7.000 dólares de la época – le convirtiera en un reconocido – más por el público que por la crítica – cineasta surgido de tierras mexicanas, ya estaba en la mente de Rodríguez el generar una corriente similar al “blackexplotation”, un cine meramente afroamericano en el que entremezclaban un cine policíaco con dósis de sexo gratuito y que tuvo su propio mercado a primeros de los 70. “Machete” es – como en su día fuera “Las noches rojas de Harlem” (1971) – la punta de lanza de ese intento por internacionalizar la cultura tex-mex y de instaurar un héroe de acción mexicano representado por ese taciturno, musculado, tatuado y bigotudo que incorpora el veterano Danny Trejo, en su primer papel protagónico.

Si “Planet terror” ya era un festival de referencias al cine fantástico de bajo presupuesto y un delirio desmesurado donde los haya, “Machete” va aún más allá recuperando al Rodríguez más incorrecto, salvaje y sangriento. Detrás de los litros de hemoglobina y de los kilos de casquería el film cuenta con una crítica implacable al gobierno americano y a sus leyes de anti-inmigración. Resulta increible que al público americano pudiera divertirle la imagen de que ellos se da en “Machete”, de hecho no debió hacerles demasiada gracia porque las recaudaciones allí obtenidas no han cumplido en absoluto con las expectativas.

Machete (el omnipresente Danny Trejo), es un agente federal que trata de acorralar a un importante capo de la mafia, Torrez (un Steven Seagal con un sobrepeso preocupante y con el mismo rostro mimético de siempre) quien para dejar las cosas claras de quien es el que verdaderamente manda, mata a su mujer y su hija delante de él. Años después Machete trata de vengarse de Torrez en medio de un ambiente muy crispado por la campaña política del Senador McLaughlin (un Robert de Niro muy fuera de lugar) en contra de los mexicanos a los cuales considera poco menos que cucarachas, y por los sangrientos metodos de frenar a los espaldas mojadas por parte del Sheriff Stillman (un recuperado Don Johnson).
Mientras tanto la agente Sartana (Jessica Alba, una habitual ya del cine de Rodríguez), trata de destapar una red ilegal de inmigración liderada por Luz (encarnada por la machuna pero bellísima Michelle Rodríguez). Machete recibe un lucrativo encargo por parte de un importante empresario (Jeff Fahey, que también aparecía en el trailer primigenio): asesinar al Senador McLaughlin. Pero cuando descubra que se trata todo de una trampa a Machete no se le ocurrirá otra cosa que seducir a la mujer (Alicia Rachel Marek) y la hija (una Lindsay Lohan que se ríe de su imagen díscola disfrazándose de monja) del empresario como venganza, porque a Machete en artes amatorias no hay quien le haga sombra.

Si algo hay que alabarle a “Machete” es la capacidad que tienen los actores para reírse de sí mismos, los ya citados más Cheech Marin – que interpreta a un cura muy atípico – y el maquillador Tom Savini, quien ya hizo una impagable aparición en “Planet terror”. El film tiene también la osadía de meter la barbarie suficiente como para hacer que muchos espectadores salgan indignados de las salas si no saben muy bien lo que han ido a ver; y de incluir diálogos que en muchas ocasiones rozan lo risible, pero es que “Machete” no está hecha para que nos la tomaramos en serio, es puro divertimento hiperviolento como en su día lo fuera “Kill Bill”, otra historia de venganza al fin y al cabo, aunque el poso que dejaba aquella no lo deja el film que nos ocupa. Creo que acerté cuando comenté a un amigo que “Machete” me divirtió aunque habría podido sobrevivir perfectamente a no verla, porque aún con esa crítica implícita, la realidad es que el film es totalmente intrascendente.

sábado, 9 de octubre de 2010

LOS ACTORES MÁS STONIANOS

Oliver Stone sorprendió a propios y extraños decidiendo hacer una secuela de "Wall Street" 23 años después de aquella y aprovechando la negativa y prolongada situación económica mundial. Ahora que el film ha llegado a nuestras pantallas sin levantar demasiada polvareda es buen momento para recuperar las caras más habituales que hemos podido ver a lo largo y ancho de la obra de tan polémico y discutible cineasta. Aunque lo cierto es que Stone nunca ha tenido ningún actor fetiche claramente identificable con su persona, quizás el problema es que los actores una vez concluido el rodaje juran y perjuran no volver a trabajar con un director con tanta fama de tirano como los dictadores que tanto venera. Por cierto, que gran suerte que Charlie Sheen esté atado y bien atado a la pequeña pantalla así no se encargará de malograr más películas del cada vez más melenudo Stone (¿No me digáis que no os habíais dado cuenta que sus claridades habían desaparecido por arte de magia?).

3 VECES:
- Charlie Sheen
("Platoon", "Wall Street" y "Wall Street: El dinero nunca duerme").
3 VECES:
- Tommy Lee Jones
("JFK", "El cielo y la tierra" y "Asesinos natos").
3 VECES:
- James Woods
("Salvador", "Nixon" y "Un domingo cualquiera").
2 VECES:
- Michael Douglas
("Wall Street" y "Wall Street: El dinero nunca duerme").
2 VECES:
- Willem Dafoe
("Platoon" y "Nacido el 4 de julio").
2 VECES:
- Tom Berenger
("Platoon" y "Nacido el 4 de julio").
2 VECES:
- Anthony Hopkins
("Nixon" y "Alejandro Magno").
2 VECES:
- Val Kilmer
("The Doors" y "Alejandro Magno").
2 VECES:
- Bruce McGill
("La mano" y "W.").
2 VECES:
- Kevin Dillon
("Platoon" y "The Doors").
2 VECES:
- Frank Whaley
("The Doors" y "World Trade Center").
2 VECES:
- Josh Brolin
("W." y "Wall Street: El dinero nunca duerme").
2 VECES:
- Powers Boothe
("Nixon" y "Giro al infierno").

miércoles, 6 de octubre de 2010

Buried (Enterrado)

El anterior film del orensano Rodrigo Cortés, “Concursante” (2007), además de suponer su debút en el largo fue un visto y no visto en las cartelera española, a pesar de que la crítica no tuvo más que buenas palabras para ella. Tres años después Cortés regresa con una película que ha supuesto un autentico desafío técnico y creativo, su guión llevaba bastante tiempo dando vueltas, a todo el mundo le gustaba pero nadie consideraba que pudiera realizarse. La cuestión era: “¿cómo hacer emocionante y ágil una película que durante 90 minutos cuenta con un solo personaje en una única localización?”. A la vista de los resultados “Buried (Enterrado)” ha superado con éxito el reto al que solamente se habría expuesto un director que como Cortés ande sobrado de ambición y de seguridad en sí mismo.

El que fuera denominado como “el guión más barato de la historia” – aunque a la hora de la verdad el film ha contado con un presupuesto más que aceptable de 3 millones de euros – se rodó finalmente en un polígono industrial de Cornellá en 11 días en julio del pasado año, y sí el rodaje fue acelerado, el montaje no lo fue menos. Nada hace pensar viendo “Buried (Enterrado)” que tenga un acabado casual o precipitado, sí por algo brilla el film es por el cuidado con el que se han tratado aspectos como la iluminación y el montaje, y por un uso magistral, arriesgado y reinventivo de la cámara. Por no hablar, claro, de una sorprendente actuación por parte de un actor del que no se esperaba demasiado y de un guión que aunque sobradamente comercial no deja de lanzar punteros dardos críticos.
Paul Conroy (un como ya he mencionado sorprendente Ryan Reynolds) es un transportista americano que trabaja en Iraq y que es atacado por unos insurgentes, cuando despierta descubre que ha sido enterrado en un ataúd de 3 x 1 m para forzar así que el gobierno americano pague 5 millones de dólares por su rescate. Paul cuenta con un mechero zippo, un móvil con poca batería y un lápiz como únicos instrumentos con los que aferrarse a la esperanza de ser liberado.

Un personaje tan estático requería de un actor capaz de transmitir una amplia gama de emociones, y ese actor contra todo pronóstico ha resultado ser Ryan Reynolds, muy experimentado en comedias y en films de acción física pero con poco rodaje como actor dramático. Su actuación es impecable, matizada y sin caer en la sobreactuación. Probablemente con este trabajo deje de ser para muchos tan sólo el marido de Scarlett Johansson.

“Buried (Enterrado)” es un alarde de virtuosísmo técnico que aprovecha al máximo su escasa libertad de movimiento, encontrando el camino más certero posible entre las limitaciones. Sin renunciar a ser un espectáculo visual supone también una experiencia demoledora; el film es verdadero mazazo que no recurre a tomar atajos cobardes ni complacientes con la audiencia. Las voces que salen del teléfono de Paul – muy variadas entre las que se encuentran las de Samantha Mathis, José Luis García Pérez o Stephen Tobolowsky entre otros – van creando el creciente suspense además de otorgarnos la información vital para entender todo el alcance de una historia que no deja de ser la lucha de David contra Goliath, es decir el individuo contra el sistema.

¿Es un film comercial o intimista?. En realidad es una mezcla de ambos, la parte comercial la ponen la aparición de una amenazadora serpiente, la arena entrando dentro del ataúd, un revelador video enviado al movil de Paul, etc; la nota introspectiva la pone la soledad, el abandono y la indefensión que siente el protagonista cuando empieza a perder la esperanza por poner su vida en manos de una burocracia torpe, lenta y caprichosa.
En resumidas cuentas se trata de un film que abruma y conmueve a partes iguales, es difícil pensar en ponerse al servicio de la historia una segunda vez – aunque a decir verdad su virtuoso montaje será el centro de muchos estudios – aunque todo parece indicar que el film será todo un éxito, su estreno se hará simultaneamente en 5.000 salas de todo el mundo, el mayor despliege mediático que ha tenido nunca un film español. Ya sea por su faceta como director o montador ¡vamos a tener Rodrigo Cortés para rato!.

lunes, 4 de octubre de 2010

El americano

Resulta curioso, y hasta cierto punto sorprendente, encontrar detrás de este atípico thriller al afamado fotógrafo holandés Anton Corbijn, porque en este su segundo largometraje – después de deslumbrar hace tres años con “Control” – abandona su hábitat natural (el mundo musical) y su particular modo de retratarlo (con un sobreexpuesto blanco y negro). “El americano” no es un film tan personal como fuera el biopic sobre el cantante de Joy Division, se trata de una obra de encargo de la productora que poseen George Clooney y Grant Heslov, quienes quizás buscaban darle un enfoque europeo a esta producción tan diametralmente opuesta a los thrillers financiados con capital americano.

“El americano” es una película muy estetica, reposada y contemplativa, cuyo mínimo argumento – un guión de Rowan Joffe basado en la novela de Martin Booth – perfectamente podría haberse narrado en un cortometraje. Corbijn ha convertido la salvaje región italiana de Abruzzo – se rodó poco tiempo después del terremoto de 2009 – en un personaje más del film, con el cual rellenar innumerables planos, las rutinas y del devenir del personaje protagonista. Además de los detalles paisajísticos, el film está repleto de miradas, de silencios y de pequeños detalles. “El americano” es un film atemporal que estilísticamente se acerca al tipo de film policiaco rodado en Francia durante la década de los 70 con actores como Lino Ventura, Alain Delon, Yves Montand o Jean-Paul Belmondo como protagonistas.

También es posible encontrar reminiscencias – y eso no lo ha ocultado ni su realizador – de los spaguetti-westerns italianos con un obligado homenaje al más grande de sus artífices, Sergio Leone y a una de sus secuencias más míticas, el ralentizado tiroteo de “Hasta que llegó su hora” con la impagable mirada azulada de Henry Fonda. El argumento de “El americano” parece una actualización de cualquiera de aquellos films rodados en el almeriense desierto de Tabernas. Su esquema básico es ciertamente muy similar: Un hombre misterioso del que nunca llegamos a saber su nombre llega a una pequeña comunidad huyendo de algo; allí se ocultará hasta el momento en el que sea inevitable el librar un duelo final.

El americano (un esforzado George Clooney en el cual la cámara de Corbijn se recrea) es un asesino a sueldo cuyo último encargo no terminó como se esperaba, en espera de que las cosas se apacigüen es enviado a un pequeño pueblo al sur de Italia con la idea de pasar desapercibido. Allí se hará cargo de un trabajo sencillo, suministrar una preciso fusil a una misteriosa mujer (interpretada por la sueca Irina Björklund), mientras establece una extaña relación con el cura del pueblo (el veterano actor romano Paolo Bonacelli) y comienza un romance con una joven prostituta (encarnada por la guapa Violante Placido, hija del célebre actor Michele Placido). Los planes de jubilación para alguien que ha vivido del crimen no resultan fáciles.

Preciosista y milimétrica para unos, exasperante y mínima para otros, “El americano” no tiene nada en común con el modelo de films tipo “El caso Bourne” o “The international”. Las escenas de acción (que son escasas) no brillan precisamente por su virtuosismo, “El americano” se emplea más en crear una tensión sostenida y en cuidar al máximo los marcos, los encuadres, los planos, etc. Su inesperado éxito se debe al tirón comercial de su protagonista porque desde luego este film no se creó con la voluntad de dejar al público sin aliento. Se trata por tanto de un interesante e interiorizado film que ahonda en la mente de un atormentado asesino y que nos insinua que en algunos casos el destino ya está más que escrito.

jueves, 30 de septiembre de 2010

LAS PROPUESTAS MÁS INTERESANTES PARA OCTUBRE

Aqui os presento el calendario de las propuestas más interesantes para el mes de octubre. ¿Qué duda cabe de que el terror psicológico es un verdadero filón?. Siempre arrastra a un numeroso público joven hasta las salas. Este mes hay varios exponentes de este rentable género (y eso que he incluido el remake americano de "Déjame entrar" porque lo considero innecesario sí se ha visto el original), además dirigidos todos ellos por españoles, dos de ellos ya integrados en la industria Hollywood (Rodrigo Cortés y Luis Bermejo) y el otro no tardará en estarlo (Guillem Morales). El poco espacio que dejan las cintas de terror se reserva a la crítica social (de la mano del combativo y coherente León de Aranoa), para el análisis de la situación económica actual (de la mano del polémico e incoherente Oliver Stone), para el drama carcelario ("Stone") y para el retrato de los nuevos y fríos modelos de sociabilización ("La red social"). Robert Rodríguez como siempre a su puta bola se encarga de rendir homenaje al cine más olvidable y casposo ("Machete").

1 de octubre:
- "Enterrado", de Rodrigo Cortés.
- "Machete", de Robert Rodríguez y Ethan Maniquis.
8 de octubre:
- "Amador", de Fernando León de Aranoa.
- "Wall Street: El dinero nunca duerme", de Oliver Stone.
15 de octubre:
- "La otra hija", de Luis Berdejo.
- "La red social", de David Fincher.
22 de octubre:
- "Stone", de John Curran.
29 de octubre:
- "Los ojos de Julia", de Guillem Morales.

viernes, 24 de septiembre de 2010

ESPECIAL Nº. 500

¡¡500 entradas!!. 500 entradas en poco más de 2 años y medio. Nunca imaginé que mantendría el interés y la ilusión suficientes como para llegar a esta cifra, pero hasta aquí he llegado y mientras siga encontrando cosas interesantes que contar y que decir (¡aunque cada vez me cuesta más encontrarlas!) aquí seguiré. Empecé un enero de 2008 con ayuda (¡poca, todo hay que decirlo!) y con mucha ambición, quería abarcarlo todo: hablar de cine, de música, de televisión, de literatura, de pintura, de cocina, de temas de actualidad, .... y durante un tiempo lo hice, hasta que comprendí que debía ser honesto y asumir que el asunto se me quedaba grande, fue entonces cuando preferí centrarme en lo que realmente creo entender y amar: el mundo del cine.

No están todos los que son pero... durante estos dos años y medio he hablado de cineastas tan interesantes como Paul Haggis, los Hermanos Coen, David Cronenberg, Ken Loach, Sidney Lumet, Terry Gilliam, Milos Forman, Michel Gondry, Suzanne Bier, James Gray, Noah Baumbach, Roger Corman, Steven Spielberg, M. Night Shyamalan, Michael Haneke, Woody Allen, Michael Cimino, Oliver Stone, Ridley Scott, Michael Winterbottom, Baz Luhrmann, Darren Aronofsky, Mike Leigh, Quentin Tarantino, Alejandro González Iñárritu, Steven Soderbergh, Wong Kar Wai, Clint Eastwood, Guy Ritchie, Stanley Kubrick, Bryan Singer, Laurent Cantet, Sam Mendes, Alfred Hitchcock, Robert Altman, David Fincher, Danny Boyle, Tony Scott, Zack Snyder, Sam Raimi, Fernando Meirelles, Anton Corbijn, Lars von Trier, Paul Schrader, Hal Ashby, Martin Scorsese, Bruce Robinson, John Cameron Mitchell, John Dahl, Jason Reitman, Robert Rodríguez, Jane Campion, Isabel Coixet, Pedro Almodóvar, Alejandro Amenábar, Todd Sollondz, Michael Mann, Roman Polanski, Alan Rudolph, Daniel Sánchez Arévalo, Michael Radford, Paul Thomas Anderson, Gus Van Sant, Julio Medem, Kevin Smith, Peter Weir, Kathryn Bigelow, Terrence Malick, Werner Herzog, Andrea Arnold, Wayne Wang, Lukas Moodyson, Rodrigo García, Christopher Nolan, Peter Mullan,...

No están todos los que son pero... durante estos dos años y medio he hablado de actores y actrices tan carismáticos como Daniel Day Lewis, Javier Bardem, Philip Seymour Hoffman, Maria Bello, Ryan Gosling, Jeff Bridges, Tim Roth, Julianne Moore, Jeff Goldblum, Jennifer Jason Leigh, Robert de Niro, Al Pacino, Julia Ormond, Liam Neeson, Donald Sutherland, Ralph Fiennes, Meryl Streep, Brian Dennehy, William Hurt, Joaquin Phoenix, Ed Harris, Matthew Broderick, Kate Winslet, Mark Strong, Jackie Earle Haley, Michael Douglas, Richard Jenkins, Clive Owen, Johnny Depp, Robert Downey, Jr., Russell Crowe, Kevin Spacey, Virginia Madsen, Linda Fiorentino, Willem Dafoe, George Clooney, Melissa Leo, Debra Winger, Jack Nicholson, Sean Penn, Viggo Mortensen, Leonardo DiCaprio, Ryan Reynolds, Sam Rockwell, Dustin Hoffman, Natalie Portman,...

Por desgracia por el camino se quedaron otros muchos... Heath Ledger, Brad Renfro, Anthony Minghella, Rafael Azcona, Charlton Heston, Sydney Pollack, Paul Newman, Natasha Richardson, Ron Silver, Patrick Swayze, Farrah Fawcett, Michael Jackson, José Luis López Vázquez, Dennis Hopper, Tony Curtis,...

Y aunque ahora me lo tomo con más calma porque mis prioridades han cambiado, espero seguir dando mucha guerra desde estas páginas. Un fuerte abrazo a los muchos frikis (a los que admiro profundamente, ya he dicho en repetidas ocasiones que tipo de friki me considero yo) amantes del buen cine que han entrado aunque fuera una única vez y por casualidad a esta su humilde casa.

Les saluda un servidor.

KASKER.
PD: ¡¡¡A por las 1.000!!!.