miércoles, 30 de julio de 2008

LAS 20 PELÍCULAS MÁS TAQUILLERAS DE LA HISTORIA DEL CINE

¿Te has preguntado cuales son las películas más taquilleras de la historia?. Quizás sepas que "Titanic" y "E.T" son de las que más dinero hicieron ganar a sus respectivos estudios. La lista está en continuo movimiento (con el estreno de "El caballero oscuro" va a haber modificaciones) pero a día de hoy estas son las 20 películas más taquilleras de la historia del cine:

1. Titanic (600 millones de dólares).
2. La guerra de las galaxias (460 millones de dólares).
3. Shrek 2 (441 millones de dólares).
4. E.T. (435 millones de dólares).
5. La guerra de las galaxias, Episodio I - La amenaza fantasma (431 millones de dólares).
6. Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto (423 millones de dólares).
7. Spider-Man (403 millones de dólares).
8. La guerra de las galaxias, Episodio III - La venganza de los Sith (380 millones de dólares).
9. El señor de los anillos - El retorno del Rey (377 millones de dólares).
10. Spider-Man 2 (373 millones de dólares).
11. La pasión de Cristo (370 millones de dólares).
12. Parque Jurásico (357 millones de dólares).
13. El señor de los anillos - Las dos torres (341 millones de dólares).
14. Buscando a Nemo (339 millones de dólares).
15. Spider-Man 3 (336 millones de dólares).
16. El caballero oscuro (333 millones de dólares).
17. Forrest Gump (329 millones de dólares).
18. El Rey león (328 millones de dólares).
19. Shrek Tercero (322 millones de dólares).
20. Transformers (320 millones de dólares).

domingo, 27 de julio de 2008

Factótum

Ayer recuperé una película que hace tres años me quedé con ganas de ver: “Factótum”.

“Factótum”, es una novela autobiográfica de Charles Bukowski protagonizada por Henry Chinaski (el alter ego del propio Bukowski), un personaje que está muy alejado de la perfección: alcohólico, misántropo, mujeriego, parásito social, etc. Chinaski se define como un escritor aún incapaz de escribir una novela, mientras tanto se entretiene escribiendo relatos y ensayos que son rechazados reiteradamente por periódicos y revistas, acostándose con mujeres que veneran el alcohol tanto como él, saltando de un trabajo a otro y buscando inspiración en los ambientes más sórdidos de la ciudad. Con esta materia prima tan rica lo raro sería no tratar de adaptarlo a la gran pantalla, pero al parecer el empeño no cayó en las manos adecuadas. El noruego Bent Hamer se ha encargado de dirigirla y adaptarla tras haberse encargado antes de “Huevos” (1995), “Un día bajo el sol” (1998) - rodada en España con Ingrid Rubio, Paco Rabal y Pilar Bardem, ¡toma ya! - y “Kitchen stories” (2003). Muy poca pasión pone el noruego y muy poco acierto en su casting y en su dirección de actores: Matt Dillon es un buen actor, demasiado apuesto para resultar convincente en la piel del destartalado Chinaski, Lily Taylor es una elección mucho más acertada (por cierto, ¿dónde se había metido esta ex musa indie?), Marisa Tomei, muy guapa, muy sosa, muy breve, y unos aún más fugaces Fisher Stevens (cuyo mayor logro fue ser novio de Michelle Pfeiffer), Karen Young (¡como me gustaba en la época de “Nueve semanas y media” y “El niño que gritó puta”!... y nadie la recuerda ya) y la tristemente desaparecida Adrienne Shelly (la directora de “La camarera” asesinada por protestar por el ruido de una obra de su vecino, ¡increíble pero cierto!).
Un intento desangelado de hacer una película de calado psicológico que termina por no cumplir con los objetivos que hacían esperar tal interesante premisa del autor de relatos de títulos tan impagables: “Arder en el agua, ahogarse en el fuego”, “Hijo de Satanás”, “La máquina de follar”, “La senda del perdedor”, “El amor es un perro infernal” o “Erecciones, eyaculaciones, exhibiciones”. El montaje la dejó muy debilitada, incluso escenas incluidas en el trailer no aparecen en el film y los personajes de Marisa Tomei y Didier Flamand son los que peor parados salen de esta decisión.

NOTA:
Ya hubo otro vano intento de adaptar el universo de Charles Bukowski, “El borracho” (1987), aquella olvidada película de Barbet Schroeder en la que Mickey Rourke se encargaba de encarnar a Henry Chinaski.

jueves, 24 de julio de 2008

Tropa de élite


El film que nos ocupa hoy viene precedido por el éxito y por la polémica. El éxito y la proyección internacional que supone ganar el Oso de Oro en un festival tan prestigioso como el de Berlín, premio otorgado por el jurado que presidía el sangrante Costa-Gavras. La polémica viene dada por el tema tan espinoso que narra, la violencia y el salvajismo del BOPE (Batallón de Operaciones Policiales Especiales) ante su incorruptible lucha contra el narcotráfico en las favelas de Río de Janeiro. Los casos que la policía normal no puede resolver se encargan a la BOPE, cuerpo especializado en asaltos, tiros de precisión, obtener información, torturar y matar a todo aquel que se encuentra en el lugar equivocado.

El film ambientado en el año 1997 con la visita del Papa Juan Pablo II a Río de Janeiro como excusa, narra como al BOPE se le encomienda tomar el control de las favelas durante la visita del Santo Padre, dándoles carta blanca. El Capitán Nascimento es el encargado de llevar a cabo la misión sin estar muy conforme, pero las órdenes se cumplen sin cuestionarlas, su mujer está a punto de darle su primer hijo y quiere cambiar de vida, pero antes deberá encontrar un sustituto digno. Matias y Neto son dos de los policías que supera el brutal adiestramiento a que somete el BOPE, y que cuentan con la confianza del Capitán Nascimento para reemplazarlo. Matias vive una difícil historia de amor con una colaboradora de una ONG, descubriendo con estupor que estas Organizaciones Humanitarias solo se instalan allí con el apoyo de los propios Narcos.

José Padilha, hasta ahora documentalista, se ha convertido por casualidad en el director, co-escritor y co-productor del film más taquillero brasileño, y digo por casualidad porque este film nació con la intención de ser otro documental, teniendo que reorientarlo al no conseguir que ningún miembro del BOPE diera su testimonio. Se rodó en las autenticas favelas con muchas complicaciones, robos y secuestros incluidos, y antes incluso de su estreno ya había en las calles 11 millones de copias ilegales, este incomodo incidente no impidió que 20 millones de espectadores se acercaran a las salas a verla, a pesar de las críticas incendiarias que tacharon el film de fascista.

El estilo documental permanece implícito en este violento, atrevido e informativo film que es “Tropa de élite”, que narra la otra cara de la moneda de “Ciudad de Dios”, en esta ocasión la versión oficial es la de la policía. Es un film que no da un respiro al espectador, para estómagos fuertes, que provocará muchos debates y muchas controversias y que impedirá a sus artífices el poder tener una vida tranquila a partir de ahora por la osadía de contar una verdad callada.

miércoles, 23 de julio de 2008

La familia Savages

Siempre es una grata sorpresa descubrir que un film aparentemente pequeño puede aguantar en cartelera casi 4 meses después de su estreno debido a sus excelentes críticas y a ser considerada por muchos como una de las películas americanas del año. Después de quedarme con las ganas he podido ver “La familia Savages” en la única sala en que se proyecta en todo Madrid (y aún con bastante éxito).
La casi debutante Tamara Jenkins (con solo un largo en su haber, la aquí inédita “Slums of Beverly Hills”, que estrenó hace ahora una década) ha conseguido que este modesto film se convierta en una maravillosa sorpresa. La pregunta es ¿a que se ha dedicado Tamara en estos diez años?, pues ha hecho un corto, pequeñas figuraciones como actriz, ha cuidado a sus ancianos padres, ha observado las rutinas de su existencia y ha madurado lentamente un maravilloso guión que tiene mucho de autobiográfico.

El personaje de Laura Linney podría ser un vivo reflejo de su directora y guionista, Laura es Wendy es una fracasada dramaturga que no ha conseguido ser publicada ni obtener financiación para ningún montaje, se mantiene trabajando en una gris oficina y malgastando su ya no tan joven vida en una relación sin ningún futuro con un hombre casado, del que por miedo o dependencia no puede desprenderse. Su hermano mayor Jon es un profesor cada día más desencantado que tiene una vida sentimental no mucho mejor que la de su hermana, tiene aversión al compromiso, comparte su vida con una mujer polaca a la que le expira el visado y Jon no tiene muy claro que quiera casarse para arreglar esta situación. Los dos hermanos, algo distanciados en los últimos tiempos vivieron una infancia traumática, y ahora se ven condenados a convivir y a entenderse cuando tienen que responsabilizarse de su progenitor Lenny, el padre con el que nunca contaron, cuando este sufre demencia y tienen que acompañarle en sus últimos momentos. Jon y Wendy a pesar de no sentir ningún apego ni sentimiento hacia su anciano padre deciden no escurrir el bulto.

Maravilloso film cargado de amargura y de realismo en el que se recapacita sobre lo que supone envejecer y sobre vivir una vida alejada de la perfección, la directora parecer decirnos que cualquier vida merece ser vivida por muy gris que parezca porque siempre, en cualquier momento, se puede abrir una puerta o una ventana. Se presta especial atención a los detalles, a la excelente definición de sus personajes, en un guión ajeno a lugares comunes y situaciones forzadas metidas con calzador. Laura Linney y Philip Seymour Hoffman se consolidan como los mejores actores del cine indie americano, a ellos se les une el veterano Philip Bosco como el demenciado padre de los hermanos. El film viene producido por Alexander Payne y el tono del mismo no es muy distinto a trabajos suyos como “A propósito de Schimdt” o su segmento para “Paris je t’aime”, con esa amarga mezcla de melancolía y soledad.

martes, 22 de julio de 2008

"EL CABALLERO OSCURO" HACE HISTORIA



El estreno de "El caballero oscuro" ha batido todos los records habidos y por haber, se consolida como el estreno más taquillero en su primer fin de semana de toda la historia además de lograr el beneplácito de la crítica. Que duda cabe que la muerte de Heath Ledger y el morbo por ver uno de sus últimos trabajos ha hecho que se disparen todas las previsiones. Nosotros tendremos aún que esperar unos días para poder ver la segunda aventura de Batman por obra y gracia del maestro Christopher Nolan.

Estos son los 20 fines de semana más taquilleros de la historia:

1º) El caballero oscuro (158 millones de dólares).
2º) Spider-Man 3 (151 ").
3º) Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto (135 ").
4º) Shrek Tercero (121 ").
5º) Spider-Man (114 ").
6º) Piratas del Caribe: Hasta el fin del mundo (114 ").
7º) La guerra de las galixias, Episodio III: La venganza de los Sith (108 ").
8º) Shrek 2 (108 ").
9º) X-Men: La decisión final (102 ").
10º) Harry Potter y el cáliz de fuego (102 ").
11º) Indiana Jones y el Reino de la calavera de cristal (100 ").
12º) Iron Man (98 ").
13º) Harry Potter y el prisionero de Azkaban (93 ").
14º) Matrix reloaded (91 ").
15º) Harry Potter y la piedra filosofal (90 ").
16º) Harry Potter y la cámara secreta (88 ").
17º) Spider-Man 2 (88 "):
18º) X-Men 2 (85 ").
19º) La pasión de Cristo (83 ").
20º) La guerra de las galaxias, Episodio II: El ataque de los clones (80 ").

viernes, 18 de julio de 2008

"LIFT ME UP" (ELÉVAME)


He leído las maravillosas crónicas del concierto que ayer dio Bruce Springsteen en el Estadio Santiago Bernabeu ante 60.000 personas. Javier Bardem fue el presentador sorpresa de un concierto de 3 horas de duración ("El Jefe" sigue aguantando mecha). Yo no fuí, pero le he podido ver en dos ocasiones en La Peineta (en las giras del "Tracks" y "The rising") y me hago perfectamente una idea de lo que ayer se vivió allí. La visita del "Boss" es una perfecta excusa para hablar un poco de música y un poco de cine. Springsteen se ha prodigado poco en el cine, tan solo ha compuesto canciones originales para 4 películas: "Philadelphia" (por la que se llevó un Oscar como todo el mundo sabe), "Pena de muerte", "Cruzando la oscuridad" y "Limbo" que es precisamente de la que quería hablar. "Limbo" no es el mejor trabajo de John Sayles pero en sus títulos de crédito finales cuenta con un temazo, "Lift me up", cantado de principio a fin en falsete por Springsteen (muchos pensaban que era una mujer quien cantaba la canción). Una canción que pone los pelos de punta y que mucha gente aún no la conoce.
Hoy os invito a disfrutarla como merece.

LIFT ME UP

I don't need your answered prayers
Or the chains your lover wears
I don't need your rings of gold
Or the secrets that you hold
Lift me up,
Lift me up and
I'll fall with you lift me up
Let your love lift me up

I don't need your sacred vow
Or the promise tomorrow brings
Veiled behind the morning clouds
I'll take the fate the daylight brings
Lift me up, darling
Lift me up and
I'll fall with you lift me up
Let your love lift me up

When the morning bright
Lifts away this night
In the light above
We will find our love, we will find our love

Your skin, your hand upon my neck
This skin, your fingers on my skin
This kiss, this heartbeat, this breath
This heart, this heart, this wilderness
Lift me up, darling
Lift me up and
I'll fall with your lift me up



¡Buen fin de semana!

jueves, 17 de julio de 2008

WARREN ZEVON - DISFRUTARÉ DE CADA SANDWICH


El otro día al escuchar una canción que me encanta, volví a acordarme de su autor, Warren Zevon y la mala suerte que tuvo durante toda su vida. Este cantante norteamericano (de Chicago concretamente) tuvo una erratica carrera musical, fue reconocido por sus contemporaneos pero nunca alcanzó el éxito de ellos. La mayores ventas las obtuvo con su último trabajo, cuando todo el mundo sabía que se moría. Llevó una vida complicado: problemas de alcoholismo, divorcios e incluso intentos de suicidio.

Con 22 años debutó con "Wanted dead or alive" (1969), que le daría como única alegría el poder colar uno de sus temas ("She quit me") en la Banda sonora de "Cowboy de medianoche". Siete años tendrían que pasar para que publicara un nuevo trabajo, "Warren Zevon", producido por Jackson Browne, que a pesar de su calidad pasó bastante desapercibido. Don Henley, Glen Frey, Stevie Nicks, Lindsey Buckingham, Bonnie Raitt y el propio Jackson le ayudaron en este segundo intento. Su tercer trabajo "Excitable boy" (1978) fue el más exitoso de su carrera debido a que contenía su hit "Werewolves of London". Su carrera posterior no alcanzaría las mismas cotas de popularidad, rozando en ocasiones la marginalidad: "Bad luck streak in dancing school" (1980) - con un tema incluso co-escrito por Springsteen, "Jeannie needs a shooter" - , "The envoy" (1982), "Sentimental hygiene" (1987) - con los miembros de REM al completo, Bob Dylan, Flea, Don Henley, Brian Selzer y Neil Young - , "Transverse city" (1989) - con Chick Corea, Jerry García, David Gilmour y Neil Young - , "Mr. Bad example" (1991), "Learning to flinch" (1993) - en el que Zevon toca todos los instrumentos -, "Mutineer" (1995) - con Bruce Hornsby - , el profético "Life'll kill ya" (2000) y "My ride's here" (2002) - en el que consiguió que cantara David Letterman.

"The wind" (2003) fue su último trabajo, grabado después de diagnosticarle un cancer de pulmón incurable y terminal. Le dieron 3 meses de vida y finalmente tuvo un año en el que preparó su último trabajo, lo grabó y pudo disfrutar de su éxito (murió un mes después de que su álbum alcanzara el puesto nº 12 de la Billboard). Contó con amigos como Don Henley, Tom Petty, Ry Cooder, Jackson Browne, T-Bone Burnett, Dwight Yoakam, Emmylou Harris y Bruce Springsteen con el que hizo su dueto soñado, "Disorder in the house".

En ese último álbum no solo había amargura, también había espacio para la esperanza y para el mejor rock 'n' roll. El álbum se cerraba con la sobrecogedora "Keep me in your heart" e incluía la canción que me apasiona, "El amor de mi vida", que contaba con un estribillo cantado en español que dice esto:

"Tú eres el amor de mi vida
si solo te pudiera encontrar
con todo el corazón te diría
tú eres mi amor de verdad"

Hizo celebre una frase, cuando David Letterman le preguntó: "¿Que harás ahora que sabes que tienes cáncer?", Zevon dijo: "Disfrutaré de cada sandwinch", y así precisamente se tituló el álbum con el que le rendieron homenaje en 2004, Don Henley, Bonnie Raitt, Bruce Springsteen, The Wallflowers, Billy Bob Thornton, Bob Dylan y Los Pixies, entre otros.

Zevon ya lo dijo muy claro en otro de sus trabajos: "La vida te matará".

domingo, 13 de julio de 2008

FUNNY GAMES Vs. FUNNY GAMES U.S.

“Funny games U.S.” (2007) no se trata de una reinterpretación del original sino que se trata de una calco exacto, una copia plano por plano del film precedente, “Funny games” (1997), en el que se ha desplazado la acción a un idílico entorno americano (Long Island) y se han sustituido los actores por otros más comerciales. Michael Haneke volvió a dirigir el film con el fin de que pudiera llegar a un público más amplio, debió de pensar: “¡Antes de que ser carguen mi película, me la cargo yo!”. El autor ha entendido que rehacer su obra sería como reconocer que ésta era mejorable o imperfecta y ha optado por rodarla por segunda vez siguiendo el mismo esquema, con más tiempo y con más dinero. El innecesario esfuerzo de Haneke le habrá reportado al menos un interesante pellizco económico que le compense el brillo que ha perdido aceptando algo que sus seguidores consideran un gesto indigno en él. Ni el equipo de rodaje norteamericano ni su productora ejecutiva (Naomi Watts) han conseguido que Haneke se apartara de esa idea que tantas críticas se ganó Gus Van Sant (por tratar de copiar lo incopiable, es decir a Hitchcock), lo cierto es que no es lo mismo copiar a otros que copiarse a sí mismo, el resultado puede ser mejor, pero el tedio para el cineasta está garantizado. En este “Funny Games, U.S.” se nos vuelve a manipular y se nos vuelve a usar como conejillos de indias ante los caprichos del Sr. Haneke en su impagable estudio sobre la violencia gratuita. Se puede ver cualquiera de las dos (es recomendable ver mejor la primera), pero no tiene ningún sentido verlas ambas, a no ser que sea por insana curiosidad, por afán comparativo o porque somos aún más sádicos de lo que el director imaginaba prestándonos por dos veces a participar en su cruel y caprichoso juego.


Ya que por amor a este blog me he convertido en un sádico resolveré algunas preguntas de otros curiosos:

P: ¿Se puede decir que este remake sea inferior al original?.
R: Es injusto tacharla de tal cuando se trata de la misma película aunque con distinto reparto, los diálogos exactos, se han respetado incluso la mayoría de los vestuarios y de decorados.
P: ¿Se ve desnuda a Naomi Watts como se ha rumoreado?.
R: No, como tampoco se la veía a Susanne Lothar, aunque sí es cierto que la ropa interior de la Watts es mucho más provocativa.
P: ¿El mensaje de la película está menos vigente ahora que hace 10 años?, ¿El tiempo le ha hecho un flaco favor a este film?.
R: Su mensaje está hoy si cabe más de actualidad, la violencia está en todas partes y de manera más irreal, las noticias que leemos en las noticias parecen sacadas de un guión de cine. En este film no se explica el móvil de la pareja de asesinos, aparentemente no buscan dinero, ni joyas, tan solo disfrutan torturando a sus víctimas, para ellos matar es un espectáculo y como tal tienen que cuidarlo. Por no saber no llegamos ni a saber sus nombres, unas veces son Paul y Peter, Tom y Jerry o Beavis y Butthead.
P: ¿La gente volverá a salirse ofendida al ver este film?.
R: Como dice el director, esa sería la actitud de la persona normal, quien se quedé hasta el final será cómplice de esta violencia y será participe de ella, en cierto modo quien aguanta hasta el final es porque está esperando esa violencia.
P: ¿Susanne Lothar o Naomi Watts?.
R: Ambas están excelentes. Suzanne es mucho más creíble como ama de casa adinerada y Naomi aún sin una gota de maquillaje es una mujer mucho más atractiva.
P: ¿Ulrich Mühe o Tim Roth?.
R: El tristemente desaparecido Ulrich borda el papel y resulta mucho más vulnerable que un Tim Roth más acostumbrado a interpretar papeles de tipo duro y no a mostrarse tan inmóvil como en esta película.
P: ¿Arno Frisch o Michael Pitt?.
R: Sin duda Arno es mucho más repulsivo y aterrador que Pitt, quien con ese físico tan andrógino tiene más la apariencia de un ángel-demonio.
P: ¿Frank Giering o Brady Corbett?.
R: Aunque Frank justifica más su apodo de “Gordi”, Brady Corbett es la verdadera revelación del nuevo “Funny games”.
P: ¿Stefan Clapczynski o Devon Gearhart?.
R: El hijo de la pareja protagonista sufre una violencia intolerable, es la gota que colma el vaso en la capacidad de tolerancia de muchos espectadores. Ambos jóvenes actores cumplen bien con su cometido.
P: ¿Era necesario este film?.
R: Definitivamente, no. El original estaba suficientemente logrado y tenía el suficiente prestigio como para necesitar una mayor repercusión.

sábado, 12 de julio de 2008

CICLO DAVID CRONENBERG... PERO EN BILBAO

Si viviera en Bilbao no podría imaginar un mejor plan para este verano. Haría escapaditas a alguna playa cercana pero solo de domingo a miercoles; los jueves, viernes y sabados serían sagrados y os digo el por qué. Del 10 de julio al 30 de agosto la cinemateca del Museo de Bellas Artes de Bilbao ha programado un completísimo ciclo sobre el director canadiense David Cronenberg. Y no solo se proyectarán las películas que todos hemos visto ("Scanners", "Videodrome", "La zona muerta", "La mosca", "Inseparables", "El almuerzo desnudo", "Crash", "Una historia de violencia" o "Promesas del este" ), sino que también se podrán ver sus primeras obras ("Vinieron de dentro de..." y "Rabia"), los dos mediometrajes que dirigió antes dar el salto al largo ("Stereo" y "Crimes of the future"), los dos cortometrajes que dirigió antes de dar su salto al medio ("Transfer" y "For the drain"), y como gran colofón sus trabajos televisivos inéditos hasta ahora en España (para series como "Programme X" o "Peep show").

Lo dicho, ¡que envidia me dais bilbainos!. Ya que tenéis la oportunidad, no la perdais (yo no lo haría).


jueves, 10 de julio de 2008

LAS PELÍCULAS DE MI VIDA (2ª PARTE)

DEFENSA
Cumpliendo con lo prometido, vuelvo a escudriñar mis recuerdos de joven cinéfilo para acercar imágenes que quedaron grabadas en mi mente para siempre. Hoy os propongo una de las joyas del cine de la década de los 70, para mí una etapa fundamental pues gran parte de los films que venero se rodaron en esta revuelta década.
El film en cuestión es "Defensa", la obra maestra del casi siempre interesante y digno John Boorman ("A quemarropa", "Excalibur", "La selva esmeralda", "Más allá de Rangún" y "El general").

La tenía grabada con dos rombos blancos en el margen superior derecho, porque en su día se emitió por la televisión estatal dentro de un ciclo llamado "Cine de medianoche" (muy típico de la transición) en el que también programaron títulos como "Emmanuelle", "Historia de O", "Portero de noche", "Calígula", "El último tango en París" o "La gran comilona". Que esto no os confunda porque en este film no encontraréis ni polvos salvajes ni sexo explícito (si no recuerdo mal tan solo aparece una actriz y en los minutos finales del metraje), lo único explicito es su violencia física y psicológica, motivo que le confirió una aureola de film polémico o censurable.

La escena por la que pasó a la historia y que hizo correr ríos de tinta fue el encuentro de dos de los protagonistas (Ed y Bobby) con dos cazadores furtivos en medio de la selva. Las oscuras intenciones de estos provoca momentos de dramatismo máximo, una tensión que sume al espectador en una angustiosa experiencia. Este encuentro transformará un idílico fin de semana de contacto con la naturaleza en una pesadilla en la que el único y último fin es la supervivencia.


"Defensa" narra el fin de semana de 4 amigos de Atlanta, Ed (Jon Voight), Lewis (Burt Reynolds), Bobby (Ned Beatty) y Drew (Ronny Cox) que huyendo de la rutina y el stress de la oficina y aparcando las obligaciones familiares deciden navegar por última vez por el río Cahulawasse, antes de que sea convertido en un lago artificial y sus pequeños pueblos sean desalojados y sepultados bajo el agua. La idea es disfrutar de un entorno tan inigualable como los Apalaches, descender en canoas, pescar y reavivar una vieja amistad algo apolillada por los compromisos. Este apacible y nostálgico plan se trunca cuando dos cazadores ponen en una situación desesperada a los 4 amigos.

Basado en la estupenda novela de James Dickey (que en el film encarna al Sheriff Bullard), que además se encargó personalmente de su adaptación a la pantalla, con una poderosa fotografía de Vilmos Zsigmond y un casting inolvidable: Jon Voight en el momento más dulce de su carrera, Burt Reynolds en la mejor interpretación de su vida (lo cual tampoco tenía mucho mérito), Ned Beatty dando vida al blanco de todas las bromas, el humillado "Gordi", y un casi debutante Ronny Cox completando el cuarteto protagonista. Esta dura confrontación entre el mundo urbano y el rural tiene una genial metáfora en el duelo de banjos que libra Drew con el joven albino de la gasolinera a la llegada al pequeño pueblo aún por extingir y antes de ser prevenidos del peligro que supone descender el río en canoa. "Duelling banjos" fue un hit de los 70, la película un éxito reconvertido en obra de culto con el paso del tiempo, a pesar de ser ninguneada en los Oscar. Obtuvo 3 nominaciones (mejor película, mejor director y mejor montaje) lléndose de vacío.

DEFENSA ("Deliverance")

1972. Warner Bros. 109 min. Color.

Director: John Boorman.
Productor: John Boorman.
Guión: James Dickey.
Fotografía: Vilmos Zsigmond.
Dirección artística: Fred Hartman.
Sonido: Jim Atkinson.
Montaje: Tom Priestly.
Maquillaje: Michael Handcock.
Intérpretes: Jon Voight (Ed), Burt Reynolds (Lewis), Ned Beatty (Bobby), Ronny Cox (Drew), Ed Ramey (Viejo), Seamon Glass (Primer Grimer), Randall Deal (Segundo Grimer), Bill McKinney (Cazador), Herbert Coward (Cazador sin dientes) y Hoyt Pollard (Chico en la gasolinera con banjo).

domingo, 6 de julio de 2008

CRÓNICA DE UN DÍA DE (DES)CONCIERTO


Un poco desaparecido del compromiso informativo que supone tener un blog como este, me gustaría contaros a que me he dedicado estos días. Tengo que reconocer que he dejado un poco de lado el cine (aunque me pese) y he recuperado un poco la vida social y el placer que supone ver conciertos en directo. El cartel era de los que no se olvidan (pero no por su espectacularidad sino porque los artistas reunidos no pegaban ni con cola), pero por conocer el montaje del mismo ya era dinero bien invertido. Esta es la crónica es mi (des)concierto:

Vencimos el sopor en que el calor de la tarde del sábado nos había sumido, le dije a mi chica: “¡Es hora de irnos!”. Cogimos el coche y enfilamos nuestro camino hacía un polvoriento parking frente a un Hospital en donde fuimos recogidos por un autobús. Tras la inevitable espera, llegamos a la llamada Ciudad del Rock, a ese mega-festival por todos conocidos, el Rock in Rio, en su primera parada en España. A las 6:30 ya había aglomeraciones para poder acceder, pasamos por delante de los voluntarios, de los policías con perros antidrogas, de los militares del ejercito, la cosa parece que iba en serio.
Gente inmortalizándose en la misma puerta y Suzanne ya sonando de fondo. Nos acercamos a ver a Suzanne Vega en un escenario cuadrado, pequeño, casi ridículo, en el que había unos cientos de personas. Hace tiempo pagué para verla en la Sala Arena y me gustó, pero el sol, el calor y un espacio tan insultantemente grande no es lugar para una cantautora como Suzanne. Nos recorrimos el recinto: una avenida de enormes chorros de agua para refrescarse, chicas repartiendo cremas solares, chicas repartiendo condones, burger kings, telepizzas, el corte inglés, toda la oferta que el bolsillo pueda permitirse.
Mientras cenábamos pudimos oír el “Baila morena” de Zucchero, no era ningún hilo musical, el italiano más internacional estaba también allí. También escuchamos en la distancia algún acorde del llamado Flamenco All Stars, pero ni nos molestamos en verlo (con todos mis respetos). Tras ver el concierto restante de un Zucchero que iba arrastrándose tras sus canciones y escuchar su “Senza una donna”, fuimos a ver el escenario principal. Nos quedamos ensimismados ante su magnitud, ya estaban por allí los Estopa, esos fieles exponentes de la España profunda, la gente parecía conocerse las canciones y divertirse con los sonrientes hermanos Muñoz. Sentados en la hierba vimos también al embajador del Festival, Alejandro Sanz, que olvidándose de donde estaba alargó las canciones y las presentaciones de músicos hasta el desmayo, detrás de mi pude oír a una chica exclamar: “¡Ahora canta, hijo puta!”. Nos acercamos para ver de cerca a los Police, pocas novedades esperaba pues ya los ví el año pasado en Barcelona, y no me equivoqué, tan solo una canción distinta, pero me encontré con un barbudo Sting más comunicativo y volví a ser testigo de cómo la gente disfrutaba de volver a escuchar estas canciones tan antiguas desempolvadas y tocadas por los tres músicos originales que las crearon. Se armó un pequeño revuelo cuando vimos delante nuestro a Ronaldo con su nueva novia (al menos no parecía un travesti), aparentando ser todo un galán romántico. La salida fue caótica, imaginaros que tipo de logística se necesita para evacuar con rapidez a 80.000 personas, sencillamente es imposible, pero fuimos bastante afortunados de poder montar con rapidez en un autobús y de poder encontrar nuestro coche en la más absoluta oscuridad.

Según me dijeron el Viernes en las Fiestas de Chueca se ha dejado notar algo la huella de este macroconcierto, pero no me lo creo mucho porque siempre hay gente para todo.
Hoy me dediqué a reposar el concierto (a la vez que sufría un torneo de 7 horas Federer-Nadal) y ahora he tratado de rememorarlo en la línea poco concisa que me caracteriza.

viernes, 4 de julio de 2008

RETURN TO FOREVER EN "LOS VERANOS DE LA VILLA"


Como viene siendo una tradicción los conciertos de verano que se celebran en el Conde Duque, en el ciclo llamado "Los veranos de la Villa", no tienen competencia. Todos los años se producen actuaciones de lo más memorables, a unos precios populares y los graderios en escalera que montan frente al escenario permiten que disfrutes de una gran visión desde cualquier punto del mismo; si optas por ponerte bajo el escenario (el precio de la entrada es por lógica aún más barato) puedes casi tocar a los artistas. Ayer en ese patio del antiguo cuartel se pudo ver la reunificación de la banda australiana Crowded House, de manera íntima, como mejor se disfrutan este tipo de conciertos. La semana que viene se servirán los platos fuertes de la programación:

- 9 de julio: PAT METHENY TRIO.
Esta vez con una formación más pequeña, el genial guitarrista Pat Metheny contará con Christian McBride (Bajo) y Antonio Sánchez (Batería).

- 10 de julio: RETURN TO FOREVER.
Para muchos el concierto más esperado de todos, y una de las reunificaciones más sorprendentes. Esta mítica banda estuvo en activo entre los años 1972 y 1977, y tan solo volvió a tocar timidamente en 1983. Ahora la gira será mundial y parece que puede haber opciones para la grabación de un nuevo álbum. Se presentan en su formación más legendaria de las muchas que tuvieron: Chick Corea (Piano), Al Di Meola (Guitarra), Stanley Clarke (Bajo) y Lenny White (Batería). Sin duda será uno de los conciertos del año.

miércoles, 2 de julio de 2008

EL ACTOR DEL MES: TIM ROTH


Después de 3 años sin estrenar nada en nuestras fronteras Tim Roth reaparece doblemente para alegría de muchos, la última vez que se asomó a nuestras pantallas fue en el fallido remake que Walter Salles hizo de “Dark water” (2005) y en un papel muy secundario.
Este actor británico de rostro tan identificable ya se acerca peligrosamente a los cincuenta y parece que los papeles que le ofrecen no son los de antaño. Ahora como el letal Abominación en “El increíble Hulk” de Louis Leterrier y como el sufrido padre de familia inmerso en una espiral de violencia en “Funny games U.S.” (ese extraño auto-homenaje que se ha hecho el austriaco Michael Haneke), está de máxima de actualidad.
Debutó dando vida a un skinhead en el telefilme “Made in Britain” (1982), en 1984 fue dirigido por el gran Mike Leigh en el telefilme “Meantime”, en el que se codeó con compañeros generacionales como Gary Oldman, Alfred Molina o Phil Daniels. Ese mismo año Stephen Frears le daría su primera oportunidad en el cine con “La venganza”. Después llegarían “Un mundo aparte” (1988), “Conspiración para matar a un cura” (1988), “El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante” (1989) y “Vincent & Theo” (1990) - en la que dio vida a Van Gogh bajo las ordenes de Robert Altman - y “Rosencrantz & Guildenstern han muerto” (1990). Quentin Tarantino en su debut “Reservoir dogs” le reveló mundialmente como el Sr. Naranja. Repetiría con él en “Pulp fiction” (1994) y “Four rooms” (1995) – donde ere el inolvidable botones que deambulaba por las 4 historias del film. Desde entonces ha trabajado en entre otras, “Cuestión de sangre” (1994), “Cautivos” (1994), “Rob Roy” (1995), “Todos dicen I love you” (1996), “Gridlock’d” (1997), “Hampones” (1997), “La leyenda del pianista en el océano” (1998), “Vatel” (2000), “El planeta de los simios” (2001), “Invencible” (2001), “Matar a un rey” (2003), “Silver City” (2004) y la aún inédita "Youth without youth” (2007), dando muestras de versatilidad y de criterio al decantarse por preferir trabajar con directores como James Gray, Woody Allen, Robert Rodríguez, Giuseppe Tornatore, Roland Joffé, Tim Burton, Werner Herzog, John Sayles, Wim Wenders, Francis Ford Coppola y Michael Haneke.
Este roba-planos ha sido considerado para los Oscar tan solo en una ocasión por “Rob Roy” y como actor secundario.

Me temo que esas cejar arqueadas, esos ojos medio entornados y esa turbia mirada aún tienen mucho que decir...

... de hecho lo próximo que nos viene de él es "Aprendiz de caballero", una versión juvenil de "El decamerón" al servicio del imposible Hayden Christensen.