miércoles, 30 de septiembre de 2009

LAS PROPUESTAS MÁS INTERESANTES PARA OCTUBRE

Aqui os presento el calendario de las propuestas más interesantes para el mes de octubre. Un mes de cineastas: Allen, Jarmusch, Gilliam, Wajda, Costa-Gavras y hasta un resucitado Kubrick. Y dos films que prometen reventar taquillas, "Agora" y "Millennium 2". ¿Alguién da más?.

2 de octubre:
- "Si la cosa funciona", de Woody Allen.
- "[Rec]2", de Jaume Balagueró y Paco Plaza.
- "Los límites del control", de Jim Jarmusch.
9 de octubre:
- "Agora", de Alejandro Amenábar.
- "Moon", de Duncan Jones.
- "París", de Cédric Klapisch.
- "Katyn", de Andrzej Wajda.
16 de octubre:
- "New York, I love you", de Varios directores.
- "After", de Alberto Rodríguez.
- "Yo, también", de Antonio Naharro y Álvaro Pastor.
23 de octubre:
- "Millenium 2: La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina", de Daniel Alfredson.
- "El imaginario del Doctor Parnassus", de Terry Gilliam.
- "Edén al Oeste", de Costa Gavras.
- "La naranja mecánica", de Stanley Kubrick.

10 AÑOS SIN KUBRICK

En conmemoración de los diez años que hace que perdimos al cineasta más polémico, excesivo, meticuloso, atemporal, influyente y estudiado de la segunda mitad del siglo XX, Stanley Kubrick, Warner ha decidido editar una joya para coleccionistas que a pesar de su elevado precio (entorno a los 120 €) no tiene precio.

Se trata de la obra completa de Kubrick, los 12 films que le dio tiempo a completar dentro de su exigente y calculada carrera, empezando por su debut en 1955 con "El beso del asesino" hasta llegar a su film postumo, "Eyes wide shut", cuyo extensísimo rodaje (del que se cayeron importantes actores) imposibilitó que el cineasta llegara a verla estrenada.

Acompañan a los importales títulos, una amplia variedad de documentales y un libro con estupendas fotos de sus películas. Se trata de una colección definitiva (aunque no nos engañemos, eso nunca es cierto) e imprescindible para todo cinéfilo que se precie y para mitómanos del séptimo arte. Un excelente regalo (anticipado ya que la edicción es limitada y se agotará con rapidez) navideño.

Y para culminar el aniversario a finales de octubre se reestrenará "La naranja mecánica", el film más controvertido y discutido del director junto a "2001: Una Odisea del espacio", tan amado como odiado, e igual de necesario para entender la obra de un director que está por encima del bien y del mal. Una oportunidad inexcusable de poder verla en pantalla grande con la imagen y el sonido remasterizado.

* "The Stanley Kubrick Collection" sale a la venta el 6 de octubre.
* "La naranja mecánica" se reestrena el 23 de octubre en cines selectos.

Foto cortesía: Zonadvd.com.

martes, 29 de septiembre de 2009

PELÍCULAS DUPLICADAS (III)

Que los títulos se acaban es una realidad incontestable, han debido agotarse todas las combinaciones posibles y ahora no queda otra que repetirlas. Para películas de acción basta con coger dos palabras de un generoso surtido: "Límite", "Desafío", "Máximo", "Extremo", "Riesgo", "Peligro", "Arma", etc. Por su parte las románticas ofrece alguna posibilidad más, pero no las suficientes a juzgar por la reiteración de títulos que además no guardan fidelidad alguna con el título original.

El ejemplo de hoy: "SIEMPRE A TU LADO".

"SIEMPRE A TU LADO" (2001).
Fue el título de una comedia muy desafortunada (por no decir patética) que apenas hoy nadie recuerda. Ashley Judd era su protagonista y estaba franqueada por dos hombres que se la disputaban, Greg Kinnear y un Hugh Jackman, que acababa de rodar "X-Men" pero que aún no disfrutaba del desproporcionada éxito que este film le otorgaría. Un film sobre las desavenencias sentimentales entre hombres y mujeres con una teoría añadida con vacas y toros como ejemplo. Su título original "Someone like you" ("Alguién como tú") estaba extraído de la canción de Van Morrison que suena insistentemente durante buena parte del metraje. A su director Tony Goldwyn no se le permitió que volviera a rodar un film nunca más, desde entonces sobrevive dirigiendo capítulos para series como "Anatomía de Grey", "Ley y orden" o "Dexter".

Calificación: Ya que no se quemó en el laboratorio de revelado y siendo muy piadoso dire que al menos visionando este film podras encontrarte a mujeres tan atractivas como Marisa Tomei y Ellen Barkin, porque por lo demás...

" SIEMPRE A TU LADO" (2009).
Película que se estrenará el próximo mes - el 16 de octubre - y que cuenta una historia real sobre la lealtad de un perro hacia su amo. Richard Gere y Joan Allen son la pareja protagonista de un film que huele a distancia a lacrimogeno y sensiblero. La portada es horrorosa, pero si existe un detalle por el que merezca echarle un segundo vistazo es por su director, el sueco Lasse Hallström, que aunque últimamente no esté muy atinado cuenta con una filmografía repleta de films que han conseguido emocionarme ("Querido intruso", "A quien ama Gilbert Grape", "Las normas de la casa de la sidra", "Chocolat" o "Una vida por delante"). Su título original es el nombre del perro protagonista, "Hachi".

Calificación: Si Lasse está comedido con el azucar añadiremos otro entrañable film a la lista.

domingo, 27 de septiembre de 2009

POLANSKI SE ENFRENTA A SUS PROPIOS FANTASMAS

Roman Polanski se vió inmerso en 1977 en un escándalo de enormes proporciones. La menor Samantha Geimer denunció haber sido violada por el cineasta en una fiesta salvaje en casa del actor Jack Nicholson; Polanski no confesó la violación, lo que sí reconoció fue haber tenido relaciones sexuales con una chica de tan sólo 14 años. Pasados 90 días en prisión y aprovechando un permiso antes de la lectura de la sentencia del juicio -y con la certeza de que sería condenado - huyó de Estados Unidos para no volver. Al tener nacionalidad francesa bloqueó cualquier intento de extraditación por parte del gobierno americano e inició en Europa una nueva etapa artística y familiar.

No hace falta recordar que Polanski había perdido a su mujer Sharon Tate - que además estaba embarazada - asesinada en 1969 de modo dantesco por varios integrantes de la secta de Charles Manson. Dos décadas después rehizo su vida con la actriz Emmanuelle Seigner a la que había contratado para el rodaje de "Frenético", y en 2002 logró su mayor triunfo artístico desde los tiempos de "Chinatown", antes de su obligado exilio parisino, con "El pianista" que le haría merecedor del Oscar al mejor director, premio que por razones obvias no pudo recoger y que varios años después le entregó Harrison Ford en París.

Polanski planificaba con detenimiento los países en los que rodaba para seguir manteniendo la inmunidad y así no darle gusto al juez que aseguró que le encerraría de por vida. Pasaron los años, el juez falleció en 1993, Samantha Geimer perdonó publicamente en 1997 al cineasta polaco pero el caso nunca fue sobreseido.

El 27 de septiembre Polanski acudió al Festival de cine de Zurich en el que se había proyectado una retrospectiva sobre el cineasta y fue sorprendentemente detenido por las autoridades locales por esa causa que dejó pendiente con la justicia norteamericana. ¿Bajó acaso la guardía?, al parecer ahora tendrá que enfrentarse a aquello que tanto temía, la extraditación y una posible condena a los 76 años de edad.

Esta pasada primavera pudo concluir su último film, "The ghost", el primero en 5 años, con un interesante reparto: Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Tom Wilkinson, Kim Cattrall, Timothy Hutton, James Belushi y el veterano Eli Wallach. Después de los acontecimientos de las últimas horas es posible que "The ghost" pudiera convertirse en contra de su voluntad en el último trabajo de un cineasta - que dejando a un lado su oscura moralidad - que constituye una piedra angular del séptimo arte.

sábado, 26 de septiembre de 2009

HE VUELTO... MÁS VIEJO Y SABIO

Inesperadamente he vuelto... Después de unos meses de ausencia vuelvo a aparecer en el nuevo número de "Fotogramas" del mes de octubre (nº. 1992) y reitero que mi regreso es sorprendente porque lo cierto es que he enviado muy poco de lo que escribo,... de lo poco que escribo sobre films de rabiosa actualidad.

Este verano ví "Nueva York para principiantes", típico film de relleno en época vacacional que como era previsible pasó casi desapercibido, a pesar de contar con una aceptable campaña publicitaria y con un buen reparto. Se trataba de una comedia agradable - aunque no por ello le daría un aprobado - que al menos te arrancaba unas cuantas carcajadas durante sus casi dos horas de duración, que no es poco, aunque toda las tintas que cargaba en un principio se diluían en un desarrollo previsible y muy almibarado.

Resulta que le mandé a Mr. Belvedere mis impresiones sobre el film - procurando ser más breve que en otras ocasiones - y se ve que le hizo gracia porque en la página 46 comenta algo al respecto:

KASKER (vía e-mail). De "Nueva York para principiantes" me encanta la frase le falta mala uva y le sobra azúcar. Yo diría que además le sobra el protagonista, Simon Pegg, que resulta impertinente sin ser gracioso. La presencia más divertida, sin duda, la de una Megan Fox que se toma en serio. ¡Ah! y el gag del perro, previsible y archivisto.

¡He vuelto... más viejo y sabio!

miércoles, 23 de septiembre de 2009

LAS PELÍCULAS DE MI VIDA (5ª PARTE)


BEAUTIFUL GIRLS

Él le habla mientras ella patina y da vueltas sobre el hielo.
Él le dobla la edad, ella es la vecinita a la que cuando dejó de ver era aún una inocente cria, ahora ya puede inquietar a cualquier hombre. Él ha vuelto a casa de sus padres aprovechando una reunión de viejos alumnos en medio de una crisis de pareja, y fue allí donde se encontró con la joven "Lolita".
Lo ojos de él delatan la confusión que atraviesa y de repente, sin previo aviso, ella de un plumazo hiela su sangre: "Dos años, esperame dos años y estaré contigo".
Él no sale de su asombro: "¿Qué?,... ¡pero si eres una cria!. Tienes aún muchas cosas que vivir, tú personalidad ni siquiera está definida. En dos años tú ya ni te acordarás de mí", sentencia él.
A ella se le encharcan los ojos y continua patinando como si tal cosa.

Esta inolvidable escena pertenece a un film que en la década de los 90 dejó una huella indeleble en muchos de mi generación, hoy en cambio no se le recuerda como debiera. "Beautiful girls" fue la obra más redonda de un cineasta que dejó una efímera carrera al morir prematuramente con tan sólo 38 años, Ted Demme, el cual no pudo poner un justo broche a su obra, su último film fue el muy fallido "Blow", carente de la maestría y de la melancolía que transmitían las historias corales de "Beautiful girls".

Un grupo de amigos se reunen por completo por primera vez en diez años, esta década de separación les ha hecho adultos... pero la vida no es más sencilla ahora. La melancolía se adueña de ellos y en un fin de semana aflorarán todas las insatisfaciones, miedos y dudas... ¿eligieron el camino correcto?, ¿quedan por vivir los mejores días o por el contrario forman parte ya del pasado?.

Esta sensible y desencantada película consiguió reunir a un nutrido grupo de actores pertenecientes en su mayoría a una misma generación cuyas carreras sufrieron desigual fortuna: Matt Dillon, Timothy Hutton (probablemente en el mejor trabajo de su carrera), Uma Thurman, Natalie Portman (dando sonoras señales de su talento), Rosie O'Donnell y los más desaparecidos Mira Sorvino, Michael Rapaport y Martha Plimpton (popular en su día por ser la novia del desaparecido River Phoenix).

Recientemente se recuperó en una edición más completa en el que el "Sweet Caroline" de Neil Diamond resuena con fuerza en otra inolvidable escena. Un film que deberían redescubrir las generaciones venideras.

"BEAUTIFUL GIRLS" ("Beautiful girls")

1996. Miramax/Woods Entertainment. 112 min. Color.

Director: Ted Demme.
Productor: Cary Woods.
Guión: Scott Rosenberg.
Fotografía: Adam Kimmel.
Dirección artística: Peter Rogness.
Música: David A. Stewart.
Montaje: Jeffrey Wolf.
Intérpretes: Matt Dillon (Tommy Rowland), Lauren Holly (Darian Smalls), Timothy Hutton (Willie Conway), Rossie O'Donnell (Gina Barrisano), Martha Plimpton (Jan), Natalie Portman (Marty), Michael Rapaport (Paul Kirkwood), Mira Sorvino (Sharon Cassidy) y Uma Thurman (Andera).

domingo, 20 de septiembre de 2009

Gordos

“AzulOscuroCasiNegro” fue una refrescante y estimulante revelación, un film muy inspirado, divertido y a la vez reflexivo, que se convirtió casi desde el primer instante en una pequeña obra de culto, con una recaudación más que digna (lo que tampoco significa que fuera un éxito), pero con un prestigio crítico más allá de cualquier duda. Hoy es considerado además como un film generacional porque sirvió de carta de presentación de actores hoy muy proyectados (Quim Gutiérrez, Antonio de la Torre o Raúl Arévalo) y de un joven guionista madrileño, Daniel Sánchez Arévalo, que con este film debutaba después de curtirse a base de cortos (“Gol”, “Profilaxis” o “Física II”, el germen del que nació “AzulOscuroCasiNegro”).

Tres años y un corto después (el premiado “Traumatología”) Sánchez Arévalo se decide a pasar la reválida del segundo film, “Gordos” es su nuevo trabajo y en él vuelve a demostrar su solvencia a la hora de combinar comedia y drama, en esta ocasión llegando a terrenos tan “berlangianos” por los que podría despeñarse el más pintado. Sánchez Arévalo sale airoso de empeño y en “Gordos”, un film que da un paso adelante con respecto al anterior y que resulta ser una oferta ambiciosa, delirante, excesiva, pretenciosa, entrañable, directa, sincera y atrevida.
Con la excusa de una terapia de gordos que requiere un desnudo físico y emocional se nos cuentan un variado abanico de historias que pretenden ser un ejemplo de magistral conexión entre ellas, aunque lo cierto (y este es uno de los pocos peros que se le puede encontrar al film) es que no todas tienen la misma intensidad ni están enlazadas todo lo bien que podrían haber estado (en concreto la historia de la ingeniera de telecomunicaciones desaparece incomprensiblemente de la trama para ser retomada muy tardíamente).

Tras las historias de Enrique (un excelente Antonio de la Torre que engordó 33 kilos para este film), un homosexual que no se acepta, que presentó un milagroso producto dietético que evidentemente era un engañabobos y que perdió su empleo cuando perdió su envidiable figura; de Alex y Sofia (Raúl Arévalo y una sorprendente Leticia Herrero que también ganó un peso considerable para este film), una pareja ultrareligiosa tentada por los placeres terrenales y por los remordimientos (aunque por otra parte la dieta del cucurucho a ella le ayude en su lucha contra la báscula); de Andrés (Fernando Albizu), al que la perdida de peso es una cuestión de salúd y en cuya disfuncional familia perfecta se destapa un importante secreto; de Leonor (María Morales), una ingeniera de telecomunicaciones cuya obesidad obedece a un incomprensible deseo de ser abandonada por su pareja; y por último de Abel (Roberto Enríquez), el terapeuta que les trata y que no predica con el ejemplo ya que el cambio físico que experimenta Paula (Verónica Sánchez), su mujer embarazada, le provoca rechazo.

“Gordos” no es en realidad una película sobre gordos, es una película sobre cualquier hijo de vecino, sobre los complejos, la culpabilidad y las incomprensibles contradicciones que todos padecemos o como dice el director “sobre el peso que todos nos echamos al hombro”.
Lo grotesco y lo surrealista combinan a la perfección con lo tierno y lo mundano (algo que empieza a ser una marca de fábrica de su director), en esta ocasión con el añadido de grandes dosis de sexo (ausentes en su debut) y una finada dirección de actores (grata sorpresa la de Verónica Sánchez, actual pareja de Sánchez Arévalo, a la que miraremos con otros ojos a partir de este film).

“Gordos” requiere de un esfuerzo mayor que “AzulOscuroCasiNegro” y no deja el convencimiento de haber visto una obra redonda como aquella, necesita de segundas lecturas para extraer más matices, pero es un importante paso adelante en la carrera de su director que no ha decidido tomar el camino fácil, repitiendo formulas y esquemas; al film le sobra ambición y le falta la modestia de su debut pero posee una poderosa riqueza visual y argumental al que merece darle una oportunidad. Un film difícil que dividirá al público y un importante paso adelante le pese a quien le pese.

sábado, 19 de septiembre de 2009

LOS PRIMEROS PASOS DE...

Bradley Cooper, Adam Sandler, Brad Pitt y Gerard Butler son algunos de los protagonistas de la cartelera de septiembre. Brad y Adam llevan ya muchos años en la cresta de la ola, Gerard está viviendo su mejor momento y Bradley es un recien llegado con muchas posibilidades. Aquí podrás conocer sus primeros pasos en el mundillo cinematográfico cuando no eran más que una pandilla de novatos.

BRADLEY COOPER

Hasta hace un par de meses un autentico desconocido. Los aficionados a las series de televisión ya le descubrieron hace ya unos años en "Alias" y más recientemente como el actor egocéntrico que hacía un culebrón médico en la siempre rompedora "Nip/Tuck". El éxito sorpresa este verano de "Resacón en Las Vegas" le ha abierto todas las puertas hasta el punto de que en menos de un mes casi le vemos en otros tres films, la coral "Qué les pasa a los hombres", "Expediente 39" y "New York, I love you", retrasada finalmente al 16 de octubre quizás por miedo a sufrir un empacho. Cuando era un pipiolo de 24 años debutó en un episodio de "Sexo en Nueva York", aunque su bautismo de fuego en la gran pantalla fue en un film aqui inédito titulado "We hot American summer" (2001), en la que encarnaba a un monitor gay de un campamento de verano con explicita escenas sexuales incluidas. Sin su barba de tres días nadie supo entonces que estaba ante un nuevo sex symbol.

* "We hot American summer" permanece inédita en nuestro país y dudo que a alguien le interese verla.

ADAM SANDLER

En lo que va de año ha estrenado dos films, "Más allá de los sueños" y ahora la agridulce "Hazme reír". Curiosamente la mejor de las dos es la que peor resultado ha tenido en taquilla. Desde 1998 en que estrenó "El aguador" no hemos parado de verle año tras año, sus intentos por convertirse en un creible actor serio, "Embriagado de amor" - dirigida por el mismísimo Paul Thomas Andeson -, "Spanglish" y "En algún lugar de la memoria", hasta el momento no han dado resultados. Su popularidad en USA es tal que su nombre antecedía al de Jack Nicholson en "Ejecutivo agresivo", de la que quedó para la posteridad un delirante y efectivo duelo interpretativo. Pocos saben que fue otro famoso cómico quien le dio su primera oportunidad cuando Adam tenía poco más de 20 años, Bill Cosby le dio un pequeño papel como amigo de Theo, su hijo en la famosa serie "La hora de Bill Cosby" (1987-88), y apareció de forma ocasional hasta en 4 episodios. Nadie sabía que diez años después renacería como el "Nuevo Rey de la Comedia".

* "La hora de Bill Cosby" no está editada en nuestro país, estuvo en antena durante 8 temporadas y Adam Sandler apereció en la 4ª.

BRAD PITT

¿Qué se puede decir de Brad Pitt que no se haya dicho ya?. Todo un veterano, primero le vimos en anuncio de Levi's, después en un pequeño papel en "Thelma & Louise", tres años después con los estrenos de "Leyendas de pasión" y "Seven" era ya toda una estrella. Durante muchos años pareció que tenía que pedir perdón por ser guapo y la crítica siempre se cebó con él a pesar de que los proyectos que elegía no eran los más convencionales y fáciles, "12 monos", "El club de la lucha" o "Snatch, cerdos y diamantes". Después vivió un declive profesional por sus malas elecciones, "The mexican", "Troya", "Ocean's 12" y "Sr. y Sra. Smith", del que se ha recuperado felizmente. Actualmente vive su mejor momento profesional y la crítica además ha empezado a respetarle después del papelón que se marcó en "Quemar después de leer". Este año ya ha estranado otras dos, "El curioso caso de Benjamin Button" y ahora el último delirio visual de Tarantino, "Malditos bastardos". Aunque Brad Pitt hizo alguna pequeña aparición en la serie "Another world" ese mismo año fue en "Dallas" (1987) donde más gente pudo verle. En el famoso culebrón televisivo encarnaba a Randy, uno de los novietes de la hija del personaje de Priscilla Presley en la serie, apareciendo hasta en 4 episodios. Poco después aparecería en otras populares series como "Nuevos policías", "Los problemas crecen", "Las pesadillas de Freddy", "Treinta y tantos" o "Historias de la cripta". Hoy sorprende ver en papeles tan episódicos a uno de los actores más famosos y deseados del mundo.

* "Dallas" sólo tiene editadas en nuestro país sus dos primeras temporadas. Brad apareció en la undecima de las veinte de que consta la serie.

GERARD BUTLER

Desde que luciera musculatura digitalmente modelada en "300" la suerte cambió para este escocés hasta entonces invisible detrás de la mascara de "El fantasma de la opera", del maquillaje de "Dracula 2000", o del personaje sin nombre de la maravillosa "Mi querido Frankie". Ahora hace películas como churros y no precisamente buenas, aprovecha su buen momento como si de un mercenario se tratara, en año y medio va a estrenar la friolera de 6 films, "Chantaje", "Postdata: Te quiero", "La isla de Nim", "RockNRolla", "Gamer" y "La cruda realidad". A este ritmo no tardará en quemarse y en quemarnos. Debutó en 1997 en el cine británico con "Su majestad, Mrs. Brown", en la cual unos soberbios Judi Dench y Billy Connolly se llevaron todos las distinciones. Butler encarnaba al hermano pequeño de Connolly pero allí nadie vio a una futura estrella.

* "Su majestad, Mrs. Brown" fue editada en su día por Lauren pero hoy se encuentra descatalogada.

viernes, 18 de septiembre de 2009

Enemigos públicos

Michael Mann es un director al que nunca se le han reconocido todos sus méritos, repudiado por buena parte de la crítica especializada tachándole de ser un esteticista obsesivo y en cambio un mediocre en la escritura de guiones y en la dirección de actores, Mann ha callado muchas bocas con sus últimos films (inclusive con su revisión de “Corrupción en Miami” y si nos olvidamos de “Alí”). El una carrera muy poco fecunda (10 films para un director que ya ha cumplido los 66 años) ha habido espacio para films tan reivindicables como “Ladrón”, “Hunter” o “Collateral”, y obras maestras como “Heat” y “El dilema”, su film más justamente reconocido.

“Enemigos públicos” nos retrotrae a la América de los años 30, en plena ley seca y un paso de la Gran Depresión, narrándonos la vida delictiva y sentimental de John Dillinger, famoso ladrón considerado como una especie de Robin Hood del siglo XX, cuyos milimétricos atracos – Dillinger se jactaba de poder cometer un robo en 1 minuto y 20 segundos – pusieron en jaque a la policía hasta el borde del ridículo. Un recién creado FBI con J. Edgar Hoover a la cabeza impuso a Dillinger el titulo honorífico de “Enemigo público nº 1”, su captura era al tratarse de un caso tan mediatico una importante medalla que querían ponerse para dignificar el novedoso organismo.
Durante dos horas y media – que se pasan en un suspiro – somos testigos de los encuentros y desencuentros de Dillinger y sus hombres con Melvis Purvis, el encargado de dirigir la minuciosa operación para desmantelar su banda y darle así un escarmiento ejemplar. El juego del gato y el ratón tan del gusto de Mann (“Hunter”, “Heat”, “Collateral”) vuelve a ser el verdadero hilo conductor de una historia en la que el amor redime y humaniza al “villano”.

El film se abre de modo espectacular con la liberación de los presos con los que Dillinger trabó amistad durante su cautiverio. La recreación de los atracos, las huidas y las emboscadas son un alarde de planificación y de meritorio montaje frenético (que con justicia debería ser tenido en cuenta en los próximos Oscar). La imagen granulosa y poco contrastada delata que se grabó en video de alta definición (en los tiroteos es más que evidente, dándole un aire amateur que aunque no le resta espectacularidad sí desluce en un producto tan de primer orden como éste).
Tanto Johnny Depp como Christian Bale (dos actores con tendencia al exceso) están impecables, con lo que el tópico sobre la mala dirección de Mann se pone en entredicho. Johnny encarna con convicción la arrogancia, la inteligencia y la seguridad de Dillinger; Bale por su parte la persistencia, la seriedad y la seguridad en los métodos del FBI.
La bella Marion Cotillard es Billie Frechette, la mujer de la que Dillinger se enamora y el instrumento a través del cual torturarle a él con la brutalidad policial que el FBI promulgaba.

En “Enemigos públicos” se pueden ver otras caras conocidas, Billy Crudup como el ambicioso J. Edgar Hoover, el últimamente ubicuo Stephen Lang, el desaparecido en combate Stephen Dorff, y también casi a modo de cameos Channing Tatum, Giovani Ribisi y Lily Taylor.
Un film como he dicho de primer orden, cuidado meticulosamente hasta el último detalle, con un reparto en estado de gracia, con tiroteos pocas veces vistos y con un final modélico (¡qué difícil es concluir como Dios manda un film!). Sin lugar a dudas el film del verano con permiso de “Up”.

jueves, 17 de septiembre de 2009

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XIV)

JOHN GARFIELD
Jacob Julius Garfinkell
Nueva York (Estados Unidos), el 4 de marzo de 1913
Nueva York (Estados Unidos), el 21 de mayo de 1952


De ascendencia judía, vivió una infancia difícil en el Bronx. Al poco de perder a su madre con tan sólo 7 años empieza a frecuentar una banda callejera lo que le lleva directamente a un correccional hasta que alcance la mayoría de edad. Será allí donde tendrá que renunciar al primero de sus sueños, una dolencia cardiaca le obligó a abandonar para siempre la práctica del boxeo. Quiso voluntariamente ingresar en el ejército americano para combatir en la Segunda Guerra Mundial y la misma dolencia se lo impidió, segundo sueño frustrado. Adquiere después una afición por el teatro que completará con las enseñanzas de Maria Oispenskaya y Richard Boleslawski y funda una compañía, la “Group Theatre” junto a Clifford Odets, por la que desfilarán gente como Lee Strasberg, Elia Kazan o la malograda Frances Farmer. Firma un contrato con la Warner y debuta en la gran pantalla en 1933 con “Desfile de candilejas”, cinco años después con su tercer film, “Four feathers”, ya logró aspirar a la dorada estatuilla.
En la década de los 40 obtuvo un el reconocimiento con films tan recordados como “La vida es así” (1942), “Destino Tokio” (1943), “El cartero siempre llama dos veces” (1946), “La barrera invisible” (1947) – galardonada con el Oscar el mejor film de su año – y “Cuerpo y alma” (1947), uno de las ocasiones en que mejor se ha retratado el mundo del boxeo que además le proporcionó su segunda y última candidatura al Oscar. De este film se verían perjudicados Garfield, su director – Robert Rossen – y su guionista – Abraham Polonsky por la caza de brujas emprendida por el Senador McCarthy.
Tras finalizar en 1948 el contrato con Warner se vio involucrado en las investigaciones del Comité de Actividades Antiamericanas que le acusaban de ser simpatizante del Partido Comunista. No pudieron demostrarlo, ni consiguieron que Garfield diera un sólo nombre pero el daño estaba hecho. Su nombre figuraba en una lista negra y en Hollywood era poco menos que un proscrito.
Se ve obligado a volver al teatro, rechaza una obra crucial, “Un tranvía llamado deseo”, que cambiaría la vida de su joven y desconocido protagonista, Marlon Brando. Garfield soñaba en volver a estar en primera línea y la ansiedad que le provocó aspirar a un papel en el film “Taxi”, sumado al insomnio que sufría, le provocó una trombosis coronaria fulminante que terminó con su vida a los 39 años, tercer sueño frustrado. Su última aparición en pantalla fue en “Yo amé a un asesino” (1951), un film de cine negro que aspiraba a devolverle las mieles del pasado.

martes, 15 de septiembre de 2009

HA MUERTO PATRICK SWAYZE

Coppola le eligió para ser uno de sus "Rebeldes", aquel film generacional instauró un término: el "Brat Pack" (Atajo de mocosos), y en él tenían cabida Tom Cruise, Rob Lowe, Emilio Estevez, C. Thomas Howell, Ralph Macchio o Matt Dillon; Patrick Swayze era el único que se salía de la "ingenua" etiqueta por su edad porque les sacaba al resto una década.
Tuvo más éxito que la mayoría de ellos con películas que todos llegamos a aborrecer, "Dirty dancing" o "Ghost", pero su momento de gloria fue efímero a pesar de intentos dignos por mantenerse a flote, "La ciudad de la alegría" o "Le llaman Bodhi", su caída en picado fue imparable, pero al menos en medio de este declive aún le esperaban dos papeles secundarios en films independientes de cierto encanto, "11:14: destino fatal" y "Donnie Darko".

Nadie puede afirmar que fuera un gran actor ni que tuviera una carrera envidiable, pero al final de su vida cuando el tiempo se agotaba dió una lección a todos. Demostró una valentia envidiable a la hora de plantarle cara a una enfermedad de la que estadísticamente tenía pocas posibilidades de vencer. Fácil es vivir mecanicamente pero difícil es saber que vives de tiempo prestado, Swayze tenía que amar mucho su profesión cuando estando muy débil por la radioterapia decidió vencer cualquier escollo para protagonizar una serie policiaca en la que encarnaba a un duro agente del FBI de dudosa moralidad. Grabar la serie "The beast" requería de un esfuerzo físico considerable y más para alguién gravemente enfermo como él. La crítica le dio su beneplácito por primera vez y estos 13 episodios han terminado por ser su testamento interpretativo y probablemente también su mejor trabajo.

Por esta lección de coraje y valentía merece mi respeto. Descanse en paz.

lunes, 14 de septiembre de 2009

LA RECUPERACIÓN ARTÍSTICA DE TODD SOLONDZ

Todd Solondz es un director independiente norteamericano que consiguió empatizar con el público con dos films en la década de los 90, "Bienvenido a la casa de muñecas" (1995) y "Happiness" (1998). Mérito no le faltó porque el humor negro que ambos contenían y los temas que trataban eran como para salir huyendo, sin embargo la propuesta fue recibida sin acritud calificandola como novedosa, visceral y transgresora.
En "Bienvenidos a la casa de muñecas" su protagonista era Dawn, una chica adolescente odiada por su familia y amigos por el simple hecho de ser fea, y en un tono de comedia acida somos testigos de las humillaciones y crueldades de las que es objeto.
Con más medios, ambición y ganas de contrariar llegó "Happiness" (el film que le consagró como cineasta de culto); bajo la apariciencia de una familia normal, tres hermanas y sus maridos guardan sórdidos secretos e insanas aficiones (infidelidad, masoquismo, frigidez, violación, pedofilia, suicidio, etc). Una oda a la putrefación de la sociedad actual.

"Cosas que no se olvidan" (2001), su siguiente trabajo presentaba dos sub-divisiones "ficción" y "no ficción" para descargar su mala leche; el plan inicial incluía tres historias pero la tercera de ellas de temática explicitamente homosexual (protagonizada por el prota de "Dawson crece" James Van Der Beek) se quedó en la mesa de montaje. El resultado final fue un film de apenas 80 minutos con dos historias tan irregulares como inconexas (sexo racial, humillación, manipulación y hasta sindrome de down, eran los ingredientes en esta ocasión). Un peligroso paso en falso.

"Palíndromos" (2004) apenas contó con distribucción y es que las excentricidades de Solondz le cerraban por sí mismas las puertas. En este film su protagonista volvía a ser una niña de 13 años, Aviva, poco agraciada, con poco amor propio y con deseos de ser madre para poder tener a alguien a quien amar. La mencionada Aviva (en un delirio buñueliano) estaba interpretada por 7 actrices de distintas edades y razas (una de ellas era Jennifer Jason Leigh), e incluso por 1 hombre. El límite del mal gusto se había visto traspasado en esta ocasión hasta resultar casi ofensivo.

5 años después de ese sinsabor, Solondz ha recurrido al film que le hizo popular, "Happiness", lo que le colocado nuevamente en el punto de mira, aunque considerar "Life during wartime" como una secuela de la misma es poco menos que ridículo. Solondz ha retomado a todos los personajes de aquella y les ha cambiado de ciudad, de apariencia, de edad, e incluso de raza. El film ha convencido en el reciente Festival de Venecia donde ha sido galardonado por su guión. La sociedad americana volverá a ser el centro donde clavar sus punzantes dardos con su habitual crueldad y dureza. Como curiosidad mencionar que uno de los actores elegidos, Paul Reubens (popular hace dos décadas por dar vida a Pee-wee Herman) se vio envuelto en un escandalo sexual dando al traste con su prometedora carrera.

* "Life during wartime" no cuenta aún con fecha de estreno en nuestro país. "Bienvenido a la casa de muñecas", "Happiness", "Cosas que no importan" y "Palíndromos" están editadas en DVD. Su primer film "Fear, anxiety & depression" (1989) no está disponible en zona 2.

sábado, 12 de septiembre de 2009

Frozen river

De un corto rodado en 2004 Courtney Hunt, su directora y guionista, retomó la idea para perfilar (en el corto trataba el contrabando de tabaco, en esta ocasión de vidas humanas) lo que ha terminado por convertirse en su opera prima, “Frozen river” (2008), un amargo e incisivo film que impactó a su paso por un Festival de Sundance presidido por Quentin Tarantino, llevándose el Gran Premio del Jurado del certamen. Muchos premios y festivales después se estrenó en España en el marco del Festival de San Sebastián y su protagonista, Melissa Leo, se llevó el premio femenino de interpretación. Esa colección de premios, reconocimientos y honores no fue suficiente garantía porque este film llega injustificadamente a nuestras pantallas con un año de retraso.

El debut en la dirección de Courtney Hunt ha descubierto tardíamente a una veterana actriz que nunca había contado con una oportunidad como esta, Melissa Leo (que optó en la pasada ceremonia de los premios de la Academia al Oscar a la mejor actriz) y que había aparecido con anterioridad en films como “Los tres entierros de Melquiades Estrada”, “Asesinato justo” o “21 gramos”, encarnando el personaje de la mujer de Benicio del Toro. En “Frozen river” encarna a Ray Eddy, una desastrosa mujer que tras ser abandonada por su marido con todos sus ahorros se enfrenta al embargo de la desvencijada caravana en la que vive con sus dos hijos, ella aspira a poder darles un hogar mucho más confortable y digno.
El sueño de Ray lo dificultan hasta el límite de la imposibilidad las deudas y un trabajo parcial en una tienda de todo a 100, hasta que por casualidad conoce a Lila Littlewolf (Misty Upham) una india mohawk que arrastra también problemas familiares y que le muestra un modo “fácil” de ganar dinero: ayudar a cruzar la frontera entre Canadá y Estados Unidos a inmigrantes asiáticos ilegales a través de una reserva india con autonomía jurídica y policial.

Una premisa argumental interesante que se enmarca en un ambiente gélido, los helados e inhóspitos parajes de Plattsburgh, ciudad al Norte del estado de Nueva York que está separada de Canadá por el cauce del río San Lorenzo que ejerce de frontera geográfica. Sobre la quebradiza superficie de este río helado las protagonistas llevan a cabo su delictiva labor justificada por la necesidad de tener un hogar, en el caso de Ray, y por la necesidad de recuperar a su hijo, en el caso de Lila.
Melissa Leo con un trabajo muy matizado justifica por sí sola el visionado de un film que cuenta con indudables valores, ya que la realizadora Courtney Hunt se ha esforzado para que éste trabajo fuera diferenciable del típico telefilme de sobremesa, algo a lo que habría sido muy simple caer, pero Hunt ahonda más en la psicología de sus personajes, no les priva de egoísmo, sensatez y humanidad y tampoco se queda en la superficie de su problemática familiar. La directora además demuestra una sobrada eficacia en mantener un ritmo creciente que alcanza en sus últimos 15 minutos sus mejores y más tensos momentos.

El film propone una reflexión sobre las desigualdades sociales, los problemas de integración que sufren los indios nativos americanos en una sociedad blanca, el racismo latente, el afán de lucro y la falta de moralidad de las personas que comercian con las vidas de inmigrantes sin derechos, etc. Un excelente guión que perdura en la mente y que sería injusto que pasara desapercibido entre otros films de factura más lujosa, apoyados en campañas más potentes de marketing. “Frozen river” (que por cierto compró Sony por una ridiculez y sacó por ella sólo en el mercado USA más de 2 millones de dólares) cuenta como único aval con el prestigio que se ha forjado a golpe de Festival y por la unánimemente reconocida interpretación de Melissa Leo, el único rostro medianamente popular junto al de Michael O’Keefe, actor que a finales de los 70 fue nominado a un Oscar como secundario por “El Don del coraje” y que después ha seguido una carrera más bien discreta y televisiva. Un film sin lugar a dudas imprescindible.

miércoles, 9 de septiembre de 2009

¿QUÉ HA PASADO CON ESTE FILM?

Un reputado guionista, Art Lindon ("Los intocables de Elliot Ness", "Heat", "El club de la lucha", "Hacia rutas salvajes"), decidió publicar una novela pseudobiográfica en la que contaba sus vivencias dentro de la industria del cine, el subtítulo de la obra era toda una declaración de intenciones, "Amargos cuentos de Hollywood desde primera línea". Decidió producirla y contrató para que se haciera cargo de ella a un director oscarizado en horas bajas, Barry Levinson (para encontrar un trabajo de cierta consistencia en su carrera hay que remontarse toda una década, "Liberty heights", que no era nada desdeñable aunque sufriera un enorme fracaso comercial). Para encarnar al alter ego del productor nadie mejor que un actor de la vieja escuela con un prestigio (cada día puesto más en tela de juicio), Robert de Niro, y para secundarle un plantel de autentico lujo, John Turturro, Catherine Keener, Robin Wright Penn, Stanley Tucci, la ascendente Kristen Stewart y Bruce Willis en un pequeño papel... ¡ah! y se me olvidaba, Sean Penn también realizando un cameo.

En el film se nos cuenta lo sufrida que es la vida de productor, las típicas presiones que tienen que hacer frente, las situaciones descabelladas que tienen que lidiar, las peticiones surrealistas a las que se le someten en las semanas en que se lleva a cabo un rodaje. Esta comedia negra se estrenó en noviembre del pasado año en USA sin hacer apenas ruido y a pesar de contar a primera vista con muchos atractivos es muy probable que en nuestro país corra la misma suerte que en Francia (donde directamente se ha estrenado en DVD).

"What just happened" - así se titula esta comedia caída en desgracia - es además la tercera colaboración de Robert de Niro con el realizador Barry Levinson (después de "Sleepers" y "La cortina de humo"). Este detalle parece haber sido pasado por alto porque el batacazo que se pegó en su primera semana de exhibición fue antológico y ni siquiera el reclamo de su reparto le ha insuflado un poco de vida, muchos aún desconocen siquiera que se haya estrenado. Quizás no sea todo lo divertida que esperabamos, quizas sea un despropósito, el cine dentro del cine raramente sale bien... de momento, mientras esperamos, seguiremos parafraseando el título del film al preguntárnos: "¿Qué ha pasado?".

lunes, 7 de septiembre de 2009

DOS MENTES MARAVILLOSAS

El próximo 2 de octubre es la fecha marcada para que Woody Allen se reencuentre con su público. Desde hace 27 años nunca ha faltado a su cita anual, "Si la cosa funciona" es su flamante nuevo film que cuenta con el aliciente añadido de ser el primer film en 5 años que tiene la ciudad de Nueva York como telón de fondo. "Melinda y Melinda" (2004) fue el último trabajo rodado en suelo americano antes de que se mudara con sus historias a la vieja Europa - "Match point" (2005), "Scoop" (2006) y "El sueño de Cassandra" (2007) las rodó en Londres, mientras que "Vicky Cristina Barcelona" (2008), como propiamente dice su título se rodó en Barcelona -. El acercamiento de Woody a la Gran Manzana neoyorquina ha sido provisional porque este verano ha rodado nuevamente en Londres el que será su estreno para 2010, aún sin título y con un reparto muy resultón.

En "Si la cosa funciona" confluyen dos fuerzas de la naturaleza, Woody Allen y su protagonista Larry David, que es sobre todo un experimentado guionista responsable de series tan veneradas como "Seinfield" y "Curb your enthusiasm" - aquí bautizada simplemente como "Larry David" -; el film de Allen es su primer papel protagonista en cine, aunque es un viejo conocido del cineasta ya que hizo breves apariciones en dos de sus films: "Días de radio" (1987) y "Edipo reprimido" (1989) - el segmento que Allen rodó para "Historias de Nueva York" -.

Larry David encarna a un malhumorado y huraño profesor de química que entablará una particular amistad con una joven que ha abandonado su casa. Cuando los conservadores padres den con ella se sucederán una serie de divertidos malentendidos. El reparto de este nuevo acercamiento a la comedia - aunque como siempre con un poso introspectivo - lo completan Evan Rachel Wood, que encarna a la joven huidiza, Patricia Clarkson -ya vista en el inmediatamente anterior film de Allen -, Ed Begley, Jr., y los televisivos Michael McKean y Colenth Hill.

La taquilla americana no ha respaldado al film, pero eso ya en Allen es una tradicción. Para los que hemos disfrutado de muchos de sus films y hemos encajado como hemos podido alguno de sus tropiezos sabemos que por muy "menor" que sea un Allen siempre hay algo de provecho: una frase ingeniosa, una sesuda reflexión o quizás tan sólo un irónico chascarrillo sobre la muerte, el sexo o la religión. A Woody siempre se le ha apreciado más en Europa y a estas alturas todo el mundo sabe lo que puede esperarse de un film de Allen. Para sus fieles incondicionales encontrar las mismas constantes en cada uno de sus films lejos de cansar supone un agradable reencuentro casi familiar que se produce, como tantas reuniones familiares, una vez al año. La cita anual está ya muy cerca.

"Si la cosa funciona" se presentará en el Festival de San Sebastián y llegará a las pantallas el 2 de octubre.

domingo, 6 de septiembre de 2009

TIM ROBBINS TRAE A ESPAÑA EL MONTAJE DE "1984"

Llega a España un montaje teatral de la obra de George Orwell, "1984", cuya compañía, "The Actor's Gang", está capitaneada por Tim Robbins. El combativo y políticamente incorrecto actor por desgracia sólo se encarga de la dirección de esta representación que desde que se estrenara en Los Angeles en 2006 no ha hecho más que recorrer mundo. De la adaptación se ha encargado Michael Gene Sullivan y en ella siguen latentes la poderosa crítica a los gobiernos totalitarios, al uso del miedo como medio de control y a la alienación del pueblo - ante la prohibición de pensar por uno mismo -. Esa sociedad futura que Orwell diseñó estaba dirigida - como todo el mundo sabe - por "El gran hermano".

Tim Robbins siempre fue muy crítico con la Administración Bush, forma junto con su mujer Susan Sarandon uno de los matrimonios más comprometidos de Hollywood. Desde que en 2004 ganara un Oscar por su genial interpretación en "Mystic river" la carrera de Robbins no pasa por uno de sus mejores momentos, sus últimos protagonistas se remontan a 2005 y 2006, "La vida secreta de las palabras" y "Atrapa el fuego" respectivamente, y lo último que estrenó en nuestro país fue "City of ember, en busca de la luz" (2008) en la que tenía una breve aparición. Desde entonces no ha vuelto a ponerse frente a una cámara.

Ahora parece que los esfuerzos de Robbins se centran en esa compañia de teatro experimental creada en 1981 (junto a otros actores, entre ellos Jack Black y John Cusack) que ha cosechado grandes éxitos con obras como "Euphoria", "Bat Boy", "Broadway" o "Mephisto". Ahora tres años después de su estreno llega a España "1984", que pasará por Madrid, Barcelona y Bilbao. Paul Newman, Viggo Mortensen, Ed Harris, Bill Pullman, Eric Bogosian y John Turturro, entre otros, pusieron dinero de su propio bolsillo para levantar este montaje.

Estas son sus fechas:
- Teatro María Guerrero, Madrid (24 y 27 de septiembre).
- Teatro Poliorama, Barcelona (30 de septiembre).
- Teatro Arriaga, Bilbao (6 y 7 de octubre).

viernes, 4 de septiembre de 2009

Mapa de los sonidos de Tokio

La pasión de la directora catalana Isabel Coixet por la cultura nipona viene de lejos, muestra de ello es el nombre con el que bautizó a su productora en 2000, Miss Wasabi Films (el Wasabi es un condimento japonés muy popular y muy picante). Era cuestión de tiempo que se embarcara a enmarcar una de sus historias exarcerbadas de amor en una cultura abierta a tantas posibilidades estilísticas y, como en este caso, sonoras.
Coixet cuenta ya con un nombre en el mercado internacional, debutó en 1988 con “Demasiado viejo para morir joven” – que ha tenido a bien repescar la recién instaurada “Filmoteca Dirigido por…” - , un film olvidable que ni granjeó buenas críticas ni recuperó costes pero que al menos le supuso una nominación a los Goya como directora nobel. En 1995 regresó de manera inesperada con una coproducción hispano-americana, “Cosas que nunca te dije”, que se enmarcaba en los parámetros del cine independiente americano y en el que se pueden encontrar las semillas de lo que ha venido siendo la carrera de Isabel Coixet: crónicas de personas que sienten una tristeza existencial y que sobrellevan como puenden una vida carente de emoción y de satisfacciones. La ausencia de amor, la falta de un futuro o la imborrable presencia de un pasado trágico son los penares de la galería de personajes que han desfilado por su obra.

“A los que aman” (1998) aunque ambientada en otra época, la Galicia del siglo XVIII, si obviamos la estética preciosista, su aíre poético – no olvidemos que la base del film hay que buscarla en una novela de Stendhal -, nos queda otra triste historia de flechas cruzadas, de amores no correspondidos, narrada con la misma monotonía que provocan sus neblinosas imágenes. Aunque a triste ninguna gana a “Mi vida sin mí” (2005), en el mejor sentido de la palabra, se trata de un acercamiento muy mejorado a su debut americano en el que se narran los esfuerzos de una mujer con una enfermedad incurable por dejar su vida atada y bien atada. Sensible sin ser obvia y demoledora con premeditación pero sin alebosia, esta producción Almodóvar cuenta con una legión de fans y muchos (entre ellos yo) siguen creyendo que es la obra más redonda de la directora catalana.
Con mucha más ambición se concibe “La vida secreta de las palabras” (2005), una historia sobre silencios y del peso que puede tener el pasado, en el film ambientado en una plataforma petrolífera un trabajador accidentado que ha perdido temporalmente su visión y su cuidadora serán complices del dolor del otro. El film termina quedando tan aislado como el escenario en el que se enmarca por el cúmulo de caprichos que se permite la directora que se antojan innecesarios. Un paso en falso que sin embargo se saldó con la recompensa de 4 Goyas, incluyendo el de mejor película del año. A continuación Coixet se limitó a ser una mera artesana para adaptar al cine la novela “El animal moribundo”, de Philip Roth; “Elegy” (2008) no convenció a todos pero al menos sirvió para afianzarse internacionalmente.

“Mapa de los sonidos de Tokio” (2009) nos llega mucho antes de lo esperado – terminó de rodarse a primeros de año – y nos propone otra historia en la que hay espacio para la tragedia, la pasión, la venganza, el sexo, la traición y el sacrificio. Protagonizada por una pareja muy dispar – en edad, en cultura y en sensualidad -, la que forman el catalán Sergi López y la japonesa Rinko Kikuchi, revelada hace tres temporadas en “Babel”, y rodada por completo en Tokio, con la salvedad de una escena en las Ramblas barcelonesas. El sonido que hace mención el título tiene mucho que ver con el silencio porque Coixet sigue con el convencimiento de que "lo más importante es lo que nunca se dice".
López – con un ridículo doblaje, los actores que optan por doblarse a ellos mismos desentonan siempre con la naturalidad que otorga un profesional del doblaje – es el propietario de una tienda tokiota especializada en vinos – llamada “Vinidiana” en homenaje al clásico de Buñuel – cuya novia se ha suicidado por desamor. El padre de la joven es un hombre de negocios que no puede soportar que en un mundo en el que ya no está su hija aún camine el hombre que voluntaria o involuntariamente le costó su vida. Decide por lo tanto contratar los servicios de una solitaria mujer (Kikuchi) que por el día trabaja en la lonja del puerto y por la noche acepta trabajos ocasionales, como matar a personas sin querer conocer siquiera los motivos. El problema surge cuando la noche en que va a rendir cuentas termina acostándose con su presunta víctima.

Todo el relato es introducido a intervalos por un extraño narrador, un viejo ingeniero de sonidos con el que el personaje de Rinko Kikuchi comparte silencios – el único sonido que les une es el ruido que Rinko hace al absorver la pasta – y ninguna confesión sale nunca de los labios de la joven solitaria, por lo que no tiene justificación que sea el encargado de ir desgranando la historia de amor. La joven deambula por el suburbano, por zonas nada reconocibles de Tokio, la directora evita así intencionadamente de hacer del film una tour turístico por la ciudad y eso se agradece porque de este modo es más sencillo sumergirse en la historia, o al menos tratar de hacerlo.

Y he dicho tratar de hacerlo, porque “Mapa de los sonidos de Tokio” no resulta en ningún momento un film accesible, la falta de química de la pareja protagonista a pesar de unas escenas de sexo excelentemente corografiadas que rompen con muchos tabús dificulta empatizar con los personajes y creerse unas situaciones que tienen como único fin el magnificar el dramatismo latente durante toda la trama. La habitación de Hotel Bastille que simula un vagón del metro parísino también nos recuerda que Isabel Coixet ya visitó esta famosa Plaza en su maravilloso segmento para “Paris je t’aime” (2006).
Técnicamente el film es impecable, la música está bien seleccionada (Misora Hibari, Max Richter, Kraak & Smaak o Antony & The Johnsons) y perfectamente utilizada, el ritmo y el montaje ha superado los errores de “La vida secreta de las palabras” pero aún con todo el film no pasa de una modesta corrección, en parte debido a un guión no lo suficientemente trabajado que resultará tan inverosímil en Oriente como en Occidente. En resumen, “Mapa de los sonidos de Tokio” supone una pequeña decepción.

jueves, 3 de septiembre de 2009

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XIII)

CYRIL COLLARD
París (Francia), el 19 de diciembre de 1957
París (Francia), el 5 de marzo de 1993


Fue un artista polifacético francés: director, actor, escritor, poeta y músico. Estudió en un colegio católico de Versalles y con 23 años abandonó la ingeniería para volcarse a su pasión por el cine, como ayudante de dirección de Maurice Pialat en el film “A nuestros amores” (1983) en el que Cyril además debutó como actor en un breve papel. Escribió y dirigió dos cortometrajes, “Grand huit” (1982) y “Alger la blanche” (1986), y un falso documental, “Taggers” (1990) en el que retrataba el mundo de los graffiteros y para el que también compuso la banda sonora. Collard nunca ocultó su bisexualidad y a raíz de enterarse en 1986 de que era seropositivo decidió escribir su autobiografía, “Condenado amor” (1987), sería la primera parte de la escandalosa revelación de un pasado en el que vivió irresponsablemente al límite. La obra que le encumbraría sería su siguiente novela “Las noches salvajes” (1989) en la que volvía a revelar a la sociedad francesa el desenfreno de la juventud de la época y su propia entrega a la pasión sin reservas. Curiosamente sería el propio Collard el interesado de llevar esta historia destructiva de amores a tres y cuatro bandas a la pantalla en 1992 reservándose el papel de Jean, el alter ego bajo el cual se había ocultado, dirigiendo, escribiendo y componiendo las canciones de un film que contra todo pronóstico se alejaba del fatalismo para convertirse en un brillante canto a la vida. Por los brazos del promiscuo Jean pasaban las francesas Romane Bohringer y Maria Schneider - inolvidable por “El último tango en París” -, o el hispano Carlos López. El hecho de que el personaje protagonista de “Las noches salvajes” (1992) no sólo ocultara su enfermedad a su novia sino que además no pusiese medios en sus encuentros sexuales fue muy discutido, provocando todo un debate. La venta masiva de la novela tres años antes se correspondió con el éxito que “Las noches salvajes” obtuvo tras su estreno en octubre de 1992, no ajeno a polémicas terminaría convirtiéndose en el film del año cuando le fueron otorgados 4 Cesar (mejor película, mejor película nobel, mejor actriz revelación y mejor montaje). Cyril no llegó a disfrutar de su gran noche de gloria porque 3 días antes había fallecido víctima del SIDA a los 36 años.