LAS PROPUESTAS MÁS INTERESANTES PARA DICIEMBRE

Aqui os presento el calendario de las propuestas más interesantes para el mes de diciembre. En un mes de nulo recogimiento místico y de inexistente espíritu navideño, el cine os dará una tregua para disfrutar de vuestras obligadas reuniones familiares, de vuestras incomodas cenas de empresa y demás compromisos. Ni siquiera "Avatar", con todo ese rollo de que será un punto y aparte en el cine, hará que vayamos al cine con la esperanza de encontrarnos con un peliculón, al menos no en mi caso que no espero nada de este mes, cinematográficamente hablando, claro.

4 de diciembre:

- "In the loop", de Armando Iannucci.

11 de diciembre:

- "Algo pasa en Hollywood", de Barry Levinson.

- "Blindado", de Nimród Antal.

18 de diciembre:

- "Donde viven los monstruos", de Spike Jonze.

- "Avatar", de James Cameron.

- "Toda la culpa es de mi madre", de Cécile Telerman.

23 de diciembre:

- "Bienvenidos a Zombieland", de Ruben Fleischer.

Celda 211

Finalizada su etapa como crítico de cine - en programas televisivos como "Días de cine" o revistas como "Fotogramas" - el mallorquín Daniel Monzón ha consolidado una carrera en la que ha bebido de variadas fuentes, el cine de espada y brujería tipo "Conan el bárbaro" para la estimable "El corazón del guerrero" (2000), la spuff comedy para "El robo más grande jamás contado" (2002) con resultados aberrantes, y el thriller de corte americano para "La caja Kovak" (2006), otorgándole además a Timothy Hutton el papel principal para conferir al film más salida a otros mercados. El resultado, una vez más, por encima de lo esperado.
Su cuarto film, "Celda 211" (2009) incide en el género carcelario con una factura de sorprendente solidez para tratarse de un film español. Monzón ha tomado de referencia una discreta novela de Francisco Pérez Gandul y su amplio conocimiento de cine ha hecho el resto: una estupenda selección de planos, un buen ritmo narrativo - interrumpido ocasionalmente por innecesarios flashbacks -, un elenco magníficamente reclutado y aún mejor dirigido, del que - como mil veces se ha dicho - sobresale un Luis Tosar que aporta muchos recursos de su cosecha propia a un personaje tan agradecido como el de "Malamadre". Su recital interpretativo merece todos los premios habidos y por haber.

"Un funcionario de prisiones acude a conocer su nuevo destino - una cárcel de Zamora - un día antes de incorporarse al mismo, para así ir familiarizándose con el entorno, con sus compañeros y con los reclusos. Su llegada coincide con un motín de los presos que termina por dejarle aislado fuera de la zona de seguridad, entonces comprenderá que el único modo de sobrevivir será haciéndose pasar por un preso más". Con esta original premisa se abre "Celda 211", justo después de un sobrecogedor prólogo en el que se muestra con enorme crudeza como un reo - el de la celda 211 precisamente - se corta las venas con una cuchilla y sumerge sus brazos dentro de una pila de agua, que con rapidez se tiñe de color rojo. El prólogo parece indicar que el único modo de escapar de los barrotes es por medio de la muerte.

"Celda 211" no se limita a narrar el típico preparativo de una fuga, sus aspiraciones van mucho más lejos, trata de denunciar la corrupción imperante en el sistema carcelario y el trato vejatorio y deshumanizado que se le da a los presos. "Malasangre" es el cabecilla, el hombre al que todos temen y obedecen, el hombre que lucha para lograr mejoras en el Centro penitenciario presionando con dar muerte a tres presos de ETA si no se acatan sus reivindicaciones. Este hecho destapa muchos intereses ocultos y muchas tramas de corrupción dentro y fuera de la propia cárcel.

Lo único que empaña un poco el conjunto es el personaje de Marta Etura - la mujer embarazada del nuevo funcionario de prisiones - insertado casi siempre por medio de flashbacks, con la única finalidad de aportar un mayor dramatismo a una historia angustiosa ya de por sí. El personaje de Etura es el único que nos saca de la asfixiante cárcel y también de la historia a la que le resta credibilidad. En cualqueir caso son daños menores.

A pesar de la fuerza de la naturaleza que es Luis Tosar, el casi debutante Alberto Ammann aguanta el tipo representando fidedignamente el pánico, el respeto y el posterior hermanamiento de su personaje hacía el de "Malamadre". Será la gran revelación del film.

Carlos Bardem también cumple como preso colombiano del que no conviene fiarse, confirmando de este modo su especialización - por no decir encasillamiento - en papeles de villano, narcotraficante, matón, etc.

Del lado de la ley, aunque con un lado oscuro tan acentuado como los propios presos, están los personajes de Manuel Morón como el negociador y el de Antonio Resines como el cruel Utrilla, un papel muy alejado de sus acomodados registros.

"Celda 211" es por tanto un film muy destacable, crudo, incisivo, con una importante carga crítica y que, aunque tenía mis reservas, hace honor a la mención dada antes incluso de su estreno. Se trata - posiblemente - del mejor título español del año.

SEGUNDAS OPORTUNIDADES

JIM SHERIDAN

Cineasta irlandés creador de una trilogía en la que denunció el sangriento itinerario trazado por el IRA, "En el nombre del padre" (1993), "The boxer" (1997) y "En el nombre del hijo" (1996), esta última sólo como productor. También supo hacer certeros retratos de la salvaje belleza de su Irlanda natal, "El prado" (1990), y de sus barrios más miserables y sucios, "Mi pie izquierdo" (1989). Finalizado su féliz alianza con Daniel Day Lewis se autoexilió en Hollywood plasmando su visión como emigrante de la "tierra de las oportunidades", "En América" (2002). Una vez instalado en la industria decidió, como ya hiciera Curtis Hanson, ponerse en manos de un rappero, 50 Cent, para firmar su sentencia de muerte. Después del descrédito que supuso "Get rich or die tryin'" (2005) regresa en calidad de artesano al servicio de un remake americano, "Brothers" (2009), del éxito internacional de la danesa Susanne Bier. Natalie Portman, Tobey Maguire y Jake Gyllenhaal - estos dos ejerciendo de hermanos como era inevitable dado su evidente parecido físico - son el trío protagonista que ejerce como reclamo de un film orientado al público americano que no disfrutara del original y excelente film de Bier.

DARREN ARONOFSKY

Pasó de golpe de ser el niño mimado del cine indie americano con "Pi" (1998) y "Réquiem por un sueño" (2000), a ser vapuleado sin piedad y merecidamente con "La fuente de la vida" (2006), un film decididamente fallido, frustrado por sus megalómanas ambiciones y cuya semilla argumental habría requerido de mucha más humildad e intimismo. La historia de base podría haber dado de sí un film de entrañable sensibilidad, pero el empeño por parte de Aronofsky de recargarlo y de pasar del barroquismo a lo ininteligible arruinó sin remedio la función. Lo mejor que sacó de ese proyecto fue conocer a Rachel Weisz - que ya es mucho -. El público ha agradecido su baño de humildad regresando a un cine menos autoral, "El luchador" (2008), una nueva variante al subgénero del cine de "losers" en busca de la redención, algo a lo que también aspiraba el propio Aronofsky. Ahora regresa por los mismos derroteros, poniéndose al servicio de la historia y no al revés, con "Black swan" (2010), un thriller que gira entorno al ballet y que está protagonizado por Natalie Portman, Winona Ryder, Barbara Hershey y Vincent Cassel.

SOFIA COPPOLA

Después de las críticas despiadadas que recibió por "El padrino 3" se le quitaron las ganas de ser actriz, encontró en la dirección su segunda oportunidad con un prometedor debút, "Las vírgenes suicidas" (1999) y la confirmación con un film rodado por completo en Japón en el que exorcizaba los fantasmas de su relación con el también realizador Spike Jonze, "Lost in translation" (2003). Después de recibir un Oscar por el guión de su obra más inspirada se decantó por un proyecto diametralmente opuesto, un film de época enmarcado en la Francia del siglo XVIII, "María Antonieta" (2006) que más que el retrato de una joven Reina parecía la biografía de una rebelde estilo Paris Hilton o Nicole Ritchie. El batacazo fue monumental y para su vuelta a la dirección Sofia ha hecho examen de conciencia, ha dejado de darse tanta pompa y ha vuelto a fijar sus miras en el cine intimista con "Somewhere" (2010) en el que retrata la vida de un actor caído en desgracia, interpretado por otro actor en horas bajas, Stephen Dorff, le secundan Elle Fanning, Michelle Monaghan y Benicio del Toro.

DITO MONTIEL

Llamarle cineasta es muy precipitado por mucho oficio que demostrara con su primer film, "Memorias de Queens" (2006), basado libremente en los recuerdos de su infancia en el marginal barrio neoyorquino. Ese film relevó a Shia LaBeouf y recuperó a Robert Downey, Jr. antes del boom de "Iron Man". Su segundo proyecto, "Puños de asfalto" (2009), pasó merecidamente desapercibida, se trataba de un vehículo puramente comercial para un público poco exigente. Ahora le toca consolidar su posición o por el contrario confirmar que su talento como realizador se debió a la mayor de las casualidades. En su tercer trabajo, "Son of no one" (2010) recupera a sus actores fetiche, Channing Tatum - que participó en sus dos films precedentes - y Terrence Howard - que estuvo sólo en el fallido "Puños de asfalto" -, a los que secundan dos pesos pesados de la interpretación, Robert de Niro - recién salido de la tercera parte de "Los padres de..." - y James Gandolfini - en plena y fecunda etapa post-Soprano -.

JANE CAMPION

La directora neozelandesa logró sus mejores trabajos con "Sweetie" (1988), "Un ángel en mi mesa" (1990) y sobre todo "El piano" (1993), su film más reconocido y premiado. Su regreso al cine de época con "Retrato de una dama" (1996) resultó soporífero y sus posteriores trabajos fueron ninguneados a pesar de querer distanciarse del tipo de cine que la hizo popular, "Holy smoke" (1999) presentaba la lucha de poderes entre un desprogramador y una chica abducida por el influjo de una secta hinduista como línea argumental y su tensión sexual alcanzaba altas cotas de exhibicionismo. Lo mismo ocurría en "En carne viva" (2003), un thriller sórdido con reminiscencias a "Fuego en el cuerpo" que brindó a Meg Ryan su papel más exigente y atrevido. Ahora ha decidido regresar al cine de época - en esta ocasión con el beneplácito de la crítica - con "Bright star" (2009), film que podría suponer el espaldarazo definitivo para la carrera de la australiana Abbie Cornish, ya admirable en films como "Somersault", "Candy" o "Un buen año".

* "Brothers", "Black swan", "Somewhere" y "Bright star" se estrenarán a lo largo de 2010; "Son of no one" posiblemente lo haga en el 2011.

OTRO PASO EN LA INTERESANTE TRAYECTORIA DE NOAH BAUMBACH

Noah Baumbach es un cineasta independiente neoyorquino que cuando contaba con tan solo 26 años dirigió su primer guión, "Kicking and screaming" (1995) - inédito en nuestro país -, en el que desgranaba las esperanzas, miedos y confusiones de un grupo universitarios que tras graduarse se encontraban en la disyuntiva de decidir hacía donde encaminar sus pasos.

Su siguiente trabajo, "Mr. Celos" (1997), contaba con una mayor carga incisiva en sus ingeniosos dialogos con la excusa de contarnos la historia de un profesor de literatura enfermizamente celoso que se somete a una terapia con el ex-novio de su última pareja para así conocer la clase de relación que ambos tuvieron. Eric Stoltz y Annabella Sciorra era su pareja protagonista, secundados por el habitualmente director Peter Bogdanovich y la hoy retirada Bridget Fonda en un breve papel aprovechando que por aquel entonces era la novia de Stoltz.

La enriquecedora experiencia que supuso "Mr. Celos" hizo que su equipo se lanzara a rodar en tan sólo 6 días un film muy improvisado, "Highball" (1997), un el cual las fiestas de la alta sociedad de Brooklyn eran el escenario para la evolución de una joven pareja de recién casados. A pesar de contar con Stoltz, Sciorra, Bogdanovich, a los que se sumaron Justine Bateman, Ally Sheedy, Rae Dawn Chong y el propio Baumbach que se reservó un papel bastante estelar, el proceso fue un autentico calvario del que su realizador terminó por desvincularse antes incluso de proceder a su montaje. De este modo "Highball" se convirtió en una "rara avis" firmada por por un tal Ernie Fusco y cuyo guión lleva la impronta de un tal Jesse Carter, esos dos desconocidos artesanos ocultaban a un Noah Baumbach que no quería que se le asociara a un film que había nacido con la intención de ser un experimento ligero y que terminó por convertirse en una pesadilla.

Después del un largo silencio y tras el crédito obtenido por firmar junto a Wes Anderson el guión de "Life aquatic" (2004) se abre la etapa más reconocible y destacada del director en la que el componente autobiográfico está asociado indisimuladamente a la historia que se narra. En "Una historia de Brooklyn" (2005) - título muy libre para el original "The squid and the whale" (El calamar y la ballena) - el anuncio del divorcio entre un escritor y una profesora de mediana edad - unos magníficos Jeff Daniels y Laura Linney -provoca una situación desestabilizadora en sus dos hijos que tomarán parte cada uno en bando. Un film que en apenas 80 minutos evidencia tanta sinceridad como atrevimiento, no obstante su guión fue lo único de film que fue tenido en cuenta para los Premios de la Academia.

"Margot y la boda" (2007) es un drama intimista de corte más clásico en el que los preparativos para una boda enfrentarán a dos hermanas ya de por sí bastante distanciadas. El film se sostiene el estupendo trabajo de su trío de interpretes, Nicole Kidman, una recuperada Jennifer Jason Leigh - mujer de Baumbach en la vida real - y un Jack Black que cuando logra escaparse del encasillamiento demuestra solvencia en el drama, un terreno para él poco transitado.

Después estos dos últimos y estimulantes trabajos llega su nueva propuesta, "Greenberg" (2010), una comedia en la que no está exenta cierta carga de amargura y cuya pareja protagonista la integran Ben Stiller y la desconocida para los ajenos al cine muy, muy independiente Greta Gerwig - en sustitución ambos de los inicialmente previstos Mark Ruffalo y Amy Adams - , el reparto se completa con Rhys Ifans, Chris Messina, Juno Temple, Mark Duplass y Jennifer Jason Leigh, autora además del guión junto a su marido.

"Greenberg" - por cierto, maravilloso póster promocional con ese enorme bocadillo sobre la cabeza de Stiller que reza: "Él tiene muchas cosas en mente" - es el apellido del personaje al que da vida Stiller, el cual se encuentra sumido en plena crisis existencial de los 40, en su inestable vida no hay nada que invite a la comodidad y el sosiego, hasta que un día conoce a Florence - papel del que se encarga Greta Gerwig - alguién que por primera vez le respeta y le acepta tal cual es.

Un paso más en la interesantísima carrera que está cimentando Noah Baumbach. Dos pruebas de su versatilidad es la co-escritura nuevamente junto a Wes Anderson del guión adaptado de "Fantastic Mr. Fox" (2009), su primera película de animación que usa la vieja técnica del "stop motion" y que se basa, a su vez, en un cuento de Roald Dahl; y la adaptación de la novela de Claire Messud, "The Emperor's children", que ha finalizado recientemente y de la que se encargará de llevar a la pantalla el oscarizado Ron Howard.

FILMOGRAFÍA:

1995. "Kicking and screaming". (Inédita, disponible sólo en Zona 1).

1997. "Mr. Celos". (Se editó en España en el sello Sherlock Media pero actualmente está descatalogada).

1997. "Highball". (Inédita).

2005. "Una historia de Brooklyn". (Editada por Sony).

2007. "Margot y la boda". (Editada por Paramount).

2010. "Greenberg". (Se estrena en USA el 12 de marzo de 2010).

"NINE" SIN BARDEM, PERO CON DAY LEWIS (¿Alguién puede pedir más?)

En este blog me aventuré a anunciar la participación de Javier Bardem en la secuela de "Wall Street", que reune después de 20 años al director Oliver Stone y a los actores Michael Douglas y Charlie Sheen - Shia LaBeouf, Josh Brolin, Frank Langella y Susan Sarandon son las nuevas adquisiciones con que cuenta esta secuela que ya nadie esperaba -, pero lo cierto es que Javier finalmente no le veremos en este film porque ha declinado la oferta para intervenir en un film junto a Julia Roberts, "Eat, pray, love", que propone el viaje iniciático - geográfico e interno - que emprende una mujer para encontrarse a sí misma.

Decir "No" es sencillo cuando se está en un status como el suyo - no tuvo ningún problema a la hora de rechazar films que venían firmados por cineastas como Steven Spielberg ("Minority report"), Francis Ford Coppola ("Tetro") o Rob Marshall ("Nine") -. "Nine" es un musical inspirado en el "8 y 1/2" de Fellini cuyo montaje en Broadway fue un sonado éxito personal hace varias temporadas para el malagueño Antonio Banderas, cuando se plantearon adaptarlo a la gran pantalla ni siquiera pensaron en él, pero sí en Bardem que vivía su momento más dulce tras recibir un Oscar por su portentosa actuación en "No es país para viejos".

Bardem dijo "No" a "Nine" para poder rodar "Biutiful", de Alejandro González Iñárritu e ironías de la vida el papel fue a parar a manos de Daniel Day Lewis el "actor más grande vivo", según le definió Bardem. Daniel rompe así uno de esos prolongados silencios a los que nos tiene castigados - "Pozos de ambición" fue su última aparición en pantalla - y se coloca en un lugar ventajoso para ser nuevamente nominado al Oscar - los nombres de George Clooney y Jeff Bridges también resuenan con fuerza - . Otro aliciente con el que cuenta "Nine" es el muestrario de feminas que rodean a Day Lewis, no tiene desperdicio: Nicole Kidman, Penélope Cruz, Marion Cotillard, Kate Hudson, Fergie - la cantante de los "Black Eyed Peas" - y las veteranas Judie Dench y Sophia Loren. Como nota nostálgica señalar que el encargado de adaptarlo a la gran pantalla fue el finado Anthony Minghella, tristemente desaparecido el pasado año. No siento devoción por los musicales pero "Nine" cuenta con muchas posibilidades para despertar mi interés.

* "Nine" se estrena el 22 de enero de 2010.

QUIÉN TIENE UN AMIGO TIENE UN TESORO

Una película muy pequeñita se ha estrenado esta semana sin hacer apenas ruido - unos vampiros adolescentes han bastado para silenciarles por completo - ni siquiera ha alcanzado uno de los 10 primeros puestos del box office nacional. Se trata de un thriller australiano de bajo presupuesto titulado "Tenderness", que cuenta con un protagonista, Russell Crowe, poco acostumbrado a frecuentar films tan modestos como éste.

Su presencia en el film tiene un por qué digno de elogio, la amistad que Crowe mantiene desde hace muchos años con John Polson - actor australiano reconvertido recientemente en director con el que compartió planos en dos de sus primeros films, "Juramento de sangre" (1990) y "Nosotros dos" (1994) - , aceptó un salario muy por debajo de su valor real en el mercado y rodó todo sus escenas en 9 días, y todo ello para asegurar con su presencia un reclamo suficiente para estrenar el film en todo el mundo y así de paso relanzar la carrera de su amigo - que aparcó su carrera como interprete tras aparecer en "Misión imposible 2" (2000) - cuyas primeras incursiones en la dirección, "Fanática" (2002) y "El escondite" (2005), dejaron bastante que desear.

"Tenderness" llega con retraso a nuestras pantallas - se rodó en mayo de 2006, desde entonces Crowe ha estrenado hasta cuatro films rodados con posterioridad - coincidiendo además con pesos pesados de la temporada otoñal - "2012" o "Luna nueva" -, con una casi inexistente campaña publicitaria y con un flaco favor que le han hecho las frías críticas recibidas. Russell Crowe aparece en el cartel acreditado con su nombre del mismo tamaño que el de los verdaderos protagonistas del film - Jon Foster y Sophie Traub - aunque rotulado en color negro para destacarlo del resto.

El film pasará a la posteridad como uno de los films más desconocidos en la filmografía de Russell Crowe y como otro intento nulo por parte de John Polson de que sabe narrar una historia con brillantez. El acto de lealtad y de generosidad por parte de Russell de momento sólo le ha conseguido a John trabajos en televisión, ya ha dirigido varios capítulos de las series "Sin rastro" y "El mentalista". Abrirse futuro en el cine lo va a tener más difícil.

"EL EQUIPO A" RENUEVA SUS CARAS

Aquí tenéis la imagen, estos son "El equipo A" del nuevo siglo. Después de ver el resultado de otras adaptaciones - en su mayoría insatisfactorias - de teleseries a la gran pantalla como "Misión: Imposible", "Los ángeles de Charlie", "Los hombres de Harrelson", "Starsky & Hutch", "Los Vengadores", "Corrupción en Miami" o "El fugitivo", da miedo pensar que habrán hecho con una serie que formó parte esencial de nuestra infancia y por la que guardamos una especial cariño. El osado director que se ha hecho responsable del encargo ha sido Joe Carnahan, el cual dio toda una lección de estilo con el film policiaco "Narc" (2002) para decepcionarnos ligeramente con su siguiente trabajo, "Ases calientes" (2006).

"EL EQUIPO A" YA TIENE CASTING CONFIRMADO:

LIAM NEESON es Hannibal Smith
personaje que en la serie interpretó GEORGE PEPPARD
El omnipresente BRADLEY COOPER es Fénix

personaje que en la serie interpretó DIRK BENEDICT

El casi debutante SHARLTO COPLEY es Murdock

personaje que en la serie interpretó DWIGHT SCHULTZ

El campeón de artes marciales mixtas QUINTO "RAMPAGE" JACKSON
es M.A. Barracus

personaje que en la serie interpretó MR. T

... Y La nota femenina la pone JESSICA BIEL interpretando el papel que en la serie se repartieron MELINDA CULEA y MARLA HEASLEY

¡ESTE RODAJE ES LA GUERRA!

Hace bien poco informaba que un director había mandado al cuerno un rodaje y a todo el equipo técnico y artístico con él - Michael Radford dio la espantada en "La mula" - , hoy vengo a contaros la historia opuesta, la de un director aferrado tan fuertemente a un proyecto que tuvo que ser la propia policía quien le arrancará sus manos de él.

Pruitt Taylor Vince es un actor secundario de físico muy marcado al que hemos visto en muchas ocasiones aunque no sepamos muy bien donde -en su prolífera trayectoria se engloban films como "La escalera de Jacob", "Asesinos natos", "Ni un pelo de tonto", "Beautiful girls", "S1mone" o "Identidad" y apariciones especiales en series como "CSI", "Deadwood", "House" o "Medium" - y que ahora daba el salto a la dirección con "Cameraman" hasta que tuvo un encontronazo con el productor de la misma, David Newton Cole, alguién por otra parte totalmente ajeno al mundillo cinematográfico y sin apenas experiencia previa.

Las diferencias creativas entre un director debutante e impulsivo y un productor egocentrico y déspota explosionaron hasta tal punto que las fuerzas del orden tuvieron que intervenir, a petición del productor todo sea dicho, expulsando a Taylor Vince del rodaje. El director exigía "que se respetase su visión del film" temiendo que éste perdiera su sello personal - en el hipotético caso de que un director nobel lo tenga -, y el productor por su parte sabiendo que tenía la sartén por el mango ha dejado claro "que la última decisión la toma él que pone la pasta" recordándole donde tenía la puerta. Ni que decir tiene que Taylor Vince opuso un poquito de resistencia antes de salir por ella. A ambos debemos agradecerles esta estúpida anécdota que ha trascendido más de lo deseable.

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XVI)

DANA PLATO
Maywood, California (USA), el 7 de noviembre de 1964
Moore, Oklahoma (USA), el 8 de mayo de 1999

Con la llegada a nuestro país de las cadenas privadas se recuperaron un buen puñado de series americanas que habían gozado de un importante éxito pero que, en el mayoría de los casos, ya hacía años que habían sido canceladas. Una de ellas fue “Arnold” (1978-86), aquella popular serie que tenía a un enanito negro por protagonista y que dio además de sí una spin-off titulada “The facts of life” (1979-88), inédita en nuestro país. “Arnold” narraba las vicisitudes de un par de jóvenes afroamericanos adoptados en el hogar de una acaudalada familia blanca, cuya hija rubia y angelical que respondía al nombre de Kim estaba interpretada por la joven actriz Dana Plato. Cuando saltó a la fama tenía tan sólo 14 años, a partir de entonces sería sencillo encontrarla como invitada especial en series como “Chips”, “Vacaciones en el mar” o “Los problemas crecen”. En 1983 cuando había rodado cuatro temporadas de la serie “Arnold” su personaje desapareció subitamente en cuanto los productores supieron de su inesperado embarazo, el duro golpe que este suceso supuso en su vida personal no lo arreglaría ni siquiera el hecho de que fuera llamada nuevamente para aparecer en la última temporada de la serie.
Dana inició una imparable caída, se hizo adicta al alcohol y a la heroína, fue arrestada por robar y por falsificar recetas médicas, perdió la custodia de su hijo y después de posar desnuda en 1989 en la revista Playboy lo único que recibía eran ofertas para películas eróticas. En sus últimos tiempos dio la réplica a Brigitte Nielsen en “Compelling evidence” (1995) y después de operarse los pechos terminó apareciendo en películas porno lésbicas como “Different strokes” (1998) o “The hostage” (1998).
Un día después de conceder una sincera entrevista a David Letterman en la que reconocía estar limpia de sus adicciones y prometía pasar página a su turbio pasado, Dana Plato aparecía muerta en su casa por una mezcla letal de Vanadom y Vicodim. Tenía 34 años. Como sí de una terrible y maldita herencia se tratase, en el año 2010 su propio hijo Tyler se voló la tapa de los sesos a los 25 años de edad.

HARRISON FORD & BRENDAN FRASER: LA EXTRAÑA PAREJA

Harrison Ford recientemente se convirtió en el actor mejor pagado del mundo por embolsarse 65 millones de dólares correspondientes a la suma de su salario más el porcentaje de taquilla obtenido por la brutal recaudación que hizo en todo el mundo "Indiana Jones y el Reino de la calavera de cristal" (2008), la cuarta y esperada entrega de las aventuras del más famoso arqueólogo que ha dado el cine. Pero lo cierto es que Ford sin el sombrero y el látigo que le dió fama y fortuna no parece ya interesar a las nuevas audiencias ni ser rentable de cara a la taquilla. Desde que triunfó en el género del terror con "Lo que la verdad esconde" (2000) sus siguientes trabajos han sido desastres artísticos y comerciales: "K-19: The windowmaker" (2002), "Hollywood: Departamento de policía" (2003) y "Firewall" (2006). La interesante "Crossing over" (2009) no merecía la misma suerte y sin embargo ha sido tal su fracaso que apenas ha conocido distribucción - sólo se exhibió en 72 cines en todo Estados Unidos y Sean Penn habiendo rodado todas sus escenas exigió desaparecer sin dejar rastro de este film -. Que Steven Spielberg decidiera poner en pie un nuevo Indiana Jones y que Ford aceptara interpretarlo ha supuesto una burbuja de oxígeno importante para el actor, aunque la industria sigue sin confiar en él y en seguida entenderéis por qué digo esto.

Brendan Fraser no puede presumir de llevar una carrera modélica, desde que empezara a aparecer con regularidad en la gran pantalla a raíz de su participación en "El hombre de California" (1992) interpretando a un cavernícola ha dado muy pocas muestras de poseer algún talento interpretativo, claro que con un muestrario de películas como "George de la jungla" (1997), "Dudley de la montaña" (1999), "La momia" (1999), "Al diablo con el diablo" (2000), "Monkeybone" (2001) o "Looney Tunes: De nuevo en acción" (2003) no se puede hacer milagros. No sería tampoco justo desmerecer sus incursiones en films más serios como "Dioses y monstruos" (1998) y "El americano impasible" (2002), aunque el peso de los mismos se sostenían en las magistrales interpretaciones de Ian McKellen y Michael Caine, respectivamente. Brendan ha sufrido también en sus carnes unos años de ostracismo en los que ha estado algo perdido - no olvidemos que en la coral "Crash" (2004) su personaje era lamentablemente de relleno -, los triunfos comerciales consecutivos de "Viaje al centro de la tierra" (2008), "La momia: La tumba del Emperador Dragón" (2008) - calificar de bazofia a este cierre de la trilogía es ser muy benevolente - y "Corazón de tinta" (2008) le han convertido de nuevo en una apuesta segura para los estudios, por contrapartida los que le califican de actor mediocre que no cuida su carrera tienen tres nuevos argumentos para defender esa teoría.

Ambos, por sorprendente que parezca, son la pareja protagonista del drama "Extraordinary measures" y llama la atención comprobar que el nombre de Harrison Ford - que ha sido cabeza de cartel en cada uno de los films que ha protagonizado desde que rodara en 1984 "Indiana Jones y el templo maldito" - aparezca ahora después del de Brendan Fraser, aunque su rol fuera decididamente menor no es algo a lo que nos tenga acostumbrados Ford ni que esperáramos ahora que áún está fresco el éxito de "Indiana Jones y el Reino de la calavera de cristal".

De cualquier modo "Extraordinary measures", que ha dirigido Tom Vaughan - responsable de la comedia "Algo pasa en Las Vegas" (2008) - encontrará justas comparaciones con "El aceite de la vida" (1992) - aquel estupendo film interpretado por Nick Nolte y Susan Sarandon en la que encarnaban a Augusto y Micaela Odone, quienes lucharon por encontrar la cura a la extraña enfermedad genética de su hijo - por las similitudes de su argumento - basado igualmente en un hecho real -: John Crowley (Brendan Fraser) y su mujer Aileen (Keri Russell) desesperados por la enfermedad degenerativa que ataca los músculos y los órganos de sus hijos encontrarán una última esperanza en las investigaciones del Dr. Robert Stonehill (Harrison Ford) que podrían ser determinantes para salvación de sus hijos.

"Extraordinary measures" - "Medidas extraordinarias" sería su siginificado más literal - no parece el vehículo más cómodo para Brendan Fraser, un actor poco curtido en dramas, ni para Harrison Ford, cuyo papel de Doctor le pega tanto como a un Santo dos pistolas. Una emparejamiento muy discutible y extraño.

* "Extraordinary measures" se estrena el 5 de marzo de 2010 en España.

Millennium 2: La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina

Cinco meses después del progresivo éxito de “Millennium 1” y coincidiendo aún con ésta en cartelera, nos llega la primera secuela del fenómeno literario sueco reconvertido ahora en exitosa franquicia cinematográfica. “Millennium 2: La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina” retoma las andanzas del periodista Mikael Blomkvist y de la ambigua hacker de la informática Lisbeth Salander – por sí queda alguién para quien aún sean un misterio – desde donde la acción nos dejó, como he dicho, hace apenas 5 meses.

Las dos diferencias más destacables que se encuentran en esta continuación con respecto a la predecesora es que la historia abandona un entorno familiar para adentrarse en un entramado político más complejo y el claro protagonismo que se le otorga al verdadero alma de la obra de Stieg Larsson – la carismática y sufrida Lisbeth Salander – en detrimento del “supuesto” protagonista de la obra literaria, el periodista freelance Mikael Blomkvist, creador de la revista “Millennium”.
Pruebas incriminatorias señalan a Salander como la autora material de un triple asesinato, Blomkvist seguro de su inocencia buscará las pruebas necesarias que la inculpen, destapando así una trama de trata de blancas en la que están implicados importantes personalidades suecas y en cuya trastienda se ocultan dolorosos fantasmas del pasado.

“Millennium 2” – y también “Millennium 3” que se estrenará a principios del año que viene – han cambiado de director, ahora el responsable es Daniel Alfredson – hermano mayor del Thomas Alfredson el artífice de la gran sorpresa del cine sueco de este año, “Déjame entrar” – y el cambio, siendo sincero, ha sido para peor ya que la labor de condensación y de eliminación de lo superfluo de la obra no se ha acometido con brillantez. La narración avanza a trompicones, un ritmo desigual que confluye en un desenlace excesivamente acelerado, y no por casualidad “Millennium 2” cuenta con 25 minutos menos de metraje para contar un libro – para muchos el mejor de la trilogía – más extenso y complejo.

Por lo demás “Millennium 2” sigue contando con sus dósis de intriga, de acción, de violencia y de sexo – con un atrevido y explícito polvo lésbico - , con una factura televisiva indisimulable y con un actor muy limitado, Michael Nyqvist, que refuerza la teoría de que se trata de un grave error de casting.
Y aunque se aten cabos sueltos y se confirmen cosas que en “Millennium 1” tan sólo se planteaban timidamente, lo cierto es que toda la atención vuelve a recaer en el personaje de Lisbeth Salander – y mucha culpa de ello la tiene el carisma de Noomi Rapace, una actriz a la que se augura un brillante porvernir – sin el cual esta insatisfactoria secuela sería un absoluto naufragio.

El año próximo veremos como se le vuelve a vejar y a torturar a Lisbeth, y como una vez más remonta el vuelo en el cierre de la clamorosa trilogía deslucida con esta entrega. Confiémos que en la próxima ocasión, la definitiva – siempre y cuando no aparezcan más manuscritos inéditos del desaparecido Larsson para alegría de su indecente familia – se eche el cierre con mucho más brio y pasión.

LA CAJA DE LOS DILEMAS

Richard Kelly llevaba desde el 2001 viviendo de las rentas obtenidas con su primer largo, "Donnie Darko", extraña muestra de cine fantástico que convenció a un nutrido grupo de fans de toda una generación que la colocó entre sus films de cabecera, oponiéndose a otras muchas opiniones diametralmente opuestas. Su siguiente delirió visual tendría que esperar 5 años y su recepción no pudo ser peor, "Southland tales" no sólo recibió un sonoro abucheo en su presentación en el Festival de Cannes sino que tampoco consiguió convencer ni siquiera a sus devotos. En sus dos horas y cuarto de metraje se entrecruzaba un casting imposible: Dwayne "The Rock" Johnson, Sarah Michelle Gellar, Mandy Moore, Sean William Scott, John Larroquette, Justin Timberlake y Christopher Lambert. El film apenas se estrenó comercialmente fuera de los Estados Unidos apareciendo directamente en video, en España ni siquiera eso.

Kelly se enfrenta ahora por vez primera a un material ajeno que se ha encargado personalmente de adaptar, "The box" está inspirada en un relato corto de Richard Matheson - conocido por ser el autor de las novelas que inspiraron films como "Más allá de los sueños" o "Soy leyenda" - titulado "Button, button", publicado en 1970 en la revista "Playboy" y llevado a la pequeña pantalla - formó parte de la primera temporada de la serie "En los límites de la realidad" - sin el beneplácito de Matheson que exigió figurar bajo el seudónimo de Logan Swanson.

Cameron Diaz - quien ya había ejercido de productora en "Donnie Darko" - es la estrella absoluta del nuevo film de Richard Kelly en la que encarna a una profesora de instituto casada con un ingeniero de la NASA, la pareja atraviesa problemas económicos y la solución a estos se presenta en forma de caja. Un hombre desfigurado se presenta un buen día en la puerta de su casa portando una caja y una extraña propuesta: por cada vez que aprieten el botón rojo que contiene la caja recibirán un millón de dólares pero a cambio morirá una persona totalmente ajena al entorno del matrimonio. Tienen 24 horas para pensarlo, pero mientras se enfrentan a un dilema moral son conscientes de que independientemente de lo que decidan las terribles consecuencias no se harán esperar.

El rodaje de "The box" se inició en noviembre de 2007 y concluyó tres meses después, cuenta con un presupuesto de 30 millones de dólares y con un reparto completado por el veterano Frank Langella y por un joven actor que no termina por despegar, James Marsden. "The box" ha sufrido continuos retrasos que han supuesto que finalmente su estreno sea simultano en España y Estados Unidos el pasado viernes. Esta versión al menos si que cuenta con la firma del ya octogenario Richard Matheson pero está por ver si consigue el favor del público y la carrera de Richard Kelly - que atraviesa un difícil momento - se aprovecha de todo ello.

MICHAEL RADFORD LA LÍA PARDA

Dicen que lo que mal empieza, mal acaba, y no sin razón. El realizador británico de origen hindú Michael Radford - popular por sus films "1984" (1984), "El mercader de Venecia" (2004) y sobre todo "El cartero y Pablo Neruda" (1994) - la acaba de liar parda abandonando de un sonoro portazo su último rodaje "La mula" (2009) a falta de una única semana para ser concluída.

Llevaba más de una década tratando de levantar un proyecto basado en la novela de Juan Eslava Galán que se enmarca al final de la Guerra Civil Española, y ahora se ha desentendido cansado de torear contratiempos - continuos retrasos y recortes en su presupuesto -. Además la pareja protagonista anunciada, Oscar Jaenada y María Valverde, tampoco se consolidó ya que a última hora se tuvo que buscar a un sustituto para Jaenada y el elegido no ha sido otro que el imposible Mario Casas.

Un director sustituto (¿un tal Alan Smithee, tal vez?) concluirá el film, los correspondientes seguros iniciarán una encarnizada batalla y de seguir así "La mula" podría correr la misma suerte que "Manolete", rodada hace más de dos años y condenada a dormir eternamente el sueño de los justos.

ODA AL ESPAÑOLITO MEDIO

Rodó la friolera de 235 films, alternó el cine con el teatro y, en menor medida, con la televisión, y no fue hasta primeros de los 70 cuando demostró el solvente actor dramático que había en él, "El bosque del lobo" (1971) y "Mi querida señorita" (1972) extrajeron todo su potencial y una riqueza de registros que en los 60 - en films por otro lado excelentes como "El pisito" (1959), "Plácido" (1961), "Atraco a las tres" (1962) o "El verdugo" (1963) - no había tenido la oportunidad de mostrar.

Era uno de los últimos exponentes de una generación de cómicos que pasaron las de Caín durante la dictadura Franquista (apenas sobreviven tres: Manuel Aleixandre, Toni Leblanc o Alfredo Landa) y que tardarían muchas décadas en obtener el respeto crítico. Por siempre será el padrino de "La gran familia" (1962), el hombre encerrado en "La cabina" (1972), Sixto Zabaleta en "Este señor de negro" (1975), el hijo del Marqués de Leguineche en "La escopeta nacional" (1978), "Patrimonio nacional" (1981) y "Nacional III" (1982), etc. El cine internacional se lo quiso apropiar - rodó a las órdenes de George Cuckor "Viajes con mi tía" (1972) - pero decidió seguir siendo patrimonio nuestro.

Era de la vieja escuela en la que si no trabajabas - llegó a enlazar hasta 7 u 8 rodajes por año - no comías, por ello nunca se retiró. Tenía miedo a la soledad y al olvido y por ello decidió hacerse inmortal con puntuales personajes dentro de una basta filmografía en la que cabían títulos tan poco honrosos como "El fascista, la beata y su hija desvirgada" (1978).

José Luis López Vázquez es parte de la memoria colectiva de un pedazo de nuestra historia, un actor querido, respetado y admirado que supo hacernos reír, que logró conmovernos a su antojo... y que con 87 años nos ha dejado, al menos de manera física.

"THIS IS IT": CON LA MUERTE POR BANDERA

"This is it" se ha convertido en 5 días en el musical más taquillero de la historia, este oportunista documental que recoge los últimos ensayos de la gira que devolvía a los escenarios a Michael Jackson tras su largo proceso judicial y cuya inesperada muerte frustró, a pesar de unas suculentas cifras - 23 millones en USA y otros 69 en el mercado internacional - se ha quedado lejos de las pretensiones comerciales que barajaba Sony.

Todo el proceso promocional del documental sobre el artista cuya desaparición le ha reconciliado con esa opinión pública que hace apenas un lustro reclamaba su cabeza e incitaba poco menos que una quema pública de sus discos, se ha destapado como una descorazonada operación más preocupada por ganar dinero que por rendir un sincero homenaje y limpiar la imagen de alguien que de la noche a la mañana dejó de ser el Demonio para convertirse en Dios.

Sony se inventó la existencia de un tema inédito, el que da precisamente título al documental, que después resultó ser un tema descartado hace 30 años compuesto junto a Paul Anka, quien sin comerlo ni beberlo se va a llevar un buen pellizco con todo este asunto.

En España "This is it" no ha podido destronar a "Ágora", el film que en contra de las tibias críticas generalizadas va directa a convertirse en la película española más taquillera de todos los tiempos, y la Sony ha decidido ampliar las 2 únicas semanas de exhibición, ahora en vez de 2 serán 4, así cumplirán sus objetivos y todos contentos.