VUELVE LA INDYMANÍA

No he podido resistirme a la Indymania, y ya que aún no he hablado sobre la cuarta entrega de las aventuras del famoso arqueólogo (porque tengo que reconocer que aún no la he visto, aunque me de vergüenza decirlo, pero mi compromiso de comentar mi visión del film, mis impresiones, es firme) hablaré sobre el alubión de merchandising con el que se nos bombardea estos días.

"Historia de una saga" (Norma Editorial) es un maravilloso libro de 300 páginas, el mejor jamás publicado en lengua hispana, sobre todo el universo que rodea a Indiana Jones en el se detallan todo el proceso de preparación y rodaje de las cuatro películas que conforman la saga acompañado de cientos de fotografías sorprendentes e inéditas. Una joya que yo guardo en mi librería y que no debería faltar en la tuya. Su precio 33 euros.

Figuras como esta valen un ojo de la cara (114 euros para ser más exactos), son caprichos de coleccionista que no todo el mundo se puede permitir, pero si la veis de cerca alucinareis con el increible parecido con Harrison Ford, no se les ha olvidado ni ponerle la cicatriz de la barbilla.

Este otro también justifica su precio con esa cazadora de autentico cuero, esos pantalones de la mejor tela y esa camisa de seda de la China por lo menos.

El Dr. Henry Jones también cuesta 114 euros y viene con su inseparable maleta, su sombrero y una gaviota por compañía. ¿Maravillosa figura, no creéis?.

Luego vienen que si el comic de la película, que si los álbumes de cromos, que si la novelización,...

... y mientras LEGO aprovecha también la tesitura para aumentar las ventas de sus juguetes.

Por último comentar que ahora aprovechando el estreno de esta cuarta entrega, se han editado en DVD por primera vez las 3 primeras partes de manera independiente y con extras adiccionales que no se incluían en la lujosa caja que tantos nos compramos en su día.
Pero esto es el pez que se muerde la cola, porque quien se las compre ahora se arrepentirá cuando vuelvan a editarse este invierno todas juntas en una lujosa caja con (¡como no!) nuevos extras.

Como veis el merchandising te da un amplio abanico de posibilidades en el que dilapidar tu fortuna . Buenas noches y sed prudente,s queridos frikis.

SYDNEY POLLACK: EN LA VIDA (COMO EN SU CINE) NO EXISTEN LOS FINALES FELICES

De la risa más exultante pasamos al más amargo llanto, la carcajada se queda atrapada en un nudo en el estómago, la felicidad plena siempre queda en entredicho y se abre una vez más el profundo debate interno: “¡Son cosas de la vida!, ¡no trates de entenderlo!”. La vida por desgracia no es como el cine, no existen los finales felices.
Hace dos meses nos dejó el pupilo y ahora lo hace el maestro, el mundo del cine está de luto por la desaparición de una estrella más en su firmamento, poco a poco nos quedaremos a oscuras.

Sydney Pollack ha muerto con 73 años dejándonos un legado que para muchos empieza y acaba con “Memorias de Africa”, pero en 5 décadas de carrera ha habido espacio para mucho más.
Surgido de la televisión (“La hora de Alfred Hitchcok”, “El fugitivo”), tuvo la oportunidad de dar el salto al cine y lo aprovechó debutando con “La vida vale más” (1965), una olvidada y olvidable película protagonizada por Sidney Portier. Conseguiría más notoriedad con “Propiedad condenada” (1966), primera colaboración con el que sería su actor fetiche, Robert Redford (con el que trabajó en 7 ocasiones).
Tocó el western (“El camino de la venganza” y “Las aventuras de Jeremiah Johnson”), el cine bélico (“La fortaleza”), el político (“Los tres días del cóndor”, “Ausencia de malicia”, “La tapadera” y “La intérprete”), el ecologista (“El jinete eléctrico”), la comedia (“Tootsie” y “Sabrina y sus amores”), el drama más pesimista (“Danzad, danzad, malditos”), habló incluso de la mafia rusa (“Yakuza”), y tuvo debilidad por las historias de amor imposibles (“Tal como éramos”, “Un instante, una vida” y “Caprichos del destino”), algunas enmarcadas en lugares exóticas (“Memorias de África” y “Habana”). Su primer y único documental terminó siendo su legado artístico, “Sketches of Frank Gehry” (2005), en el que hacía una oda al arte y a la arquitectura.

Como productor fue mucho más prolífico (“Los fabulosos Baker Boys”, “Sentido y sensibilidad”, “Iris”, “El americano impasible”, “El talento de Mr. Ripley”, “Cold mountain” o “Breaking and entering”); aunque su verdadera pasión era la interpretación como demostró en “El juego de Hollywood”, “Maridos y mujeres”, “Acción civil”, “Eyes wide shut”, “Al límite de la verdad”, “Michael Clayton” y “La boda de mi novia”, que se estrena esta semana y por desgracia constituirá un poco honroso fin a su filmografía como actor.

Muchos le acusarán de no contar con un estilo muy propio, y con no llegar a convertirse nunca en un autor, pero supo como pocos manipular las emociones. Llamadme sentimental, pero se me seguirá poniendo la carne de gallina (una y mil veces) cuando vuelva a ver una avioneta amarilla surcando los cielos de África con la inolvidable música de John Barry como letal compañía. Imágenes como esas se funden en la retina para siempre.

"LOS FRIKIS TAMBIÉN LLORAN" LLEGAN A "FOTOGRAMAS"

En el último número de la revista Fotogramas (nº 1.976 - Junio 2008) aparecen referencias a este blog por partida doble. La sección (no podría ser otra) es Cinefilia.

- En el apartado Contesta Mr. Belvedere (Pag. 52), éste da su opinión sobre la película "Rebobine, por favor" en respuesta a los mensajes recibidos por KASKER (LOS FRIKIS TAMBIÉN LLORAN) y un tal Valentín Hurtado. Nada como la promoción que supone esta veterana y leída revista.

- En el apartado Opinan los lectores (Pag. 54) se reproduce un extracto de la crítica que aquí escribí con respecto al estreno de "Iron Man" y que a continuación reproduzco:

"Grata sorpresa la de Iron Man y más teniendo en cuenta que su director no inspira confianza, precisamente. Es una de las mejores adaptaciones al cine del universo Marvel. Robert Downey Jr. parece que nació para interpretar a Tony Stark (cínico, bebedor, mujeriego...). Gwyneth Paltrow pocas veces ha aparecido tan bella, y... ¡qué bien le sientan esas pecas con su cabellera pelirroja por exigencias del guión!. Y, además, la feliz recuperación del enorme Jeff Bridges, que da una matizada dualidad al personaje de Obadiah Stane". (Jorge C. Faure) (vía e-mail).

Ni que decir tiene que ese tal Jorge C. Faure también soy yo, aunque firmando sin mi archiconocido seudónimo. Este hecho supone un estupendo reconocimiento a la labor de este humilde servidor vuestro.

Un saludo a todos mis lectores fieles e infieles.

EL DIA DEL ORGULLO FRIKI

Es un honor y una sorpresa (tengo que reconocerlo) haber llegado a celebrar dentro de este blog mi primer día del orgullo friki. Desde enero hasta hoy han pasado por estas páginas (¡82 entradas dan para mucho!) muchas noticias de cine, muchas críticas, algo de música, algún concierto, unas pinceladas de coleccionismo y una pizca de gastronomia. Empecé con la inestimable ayuda del Sr. Pakito (¡desde aquí un saludo, compañero!) y luego continué mi camino en solitario (y aquí sigo). El futuro es dificil de adivinar, pero ahora que empiezo a tener mi sequito de frikis le voy cogiendo el gustillo a esto. He buscado inspiración, unas veces he estado más acertado, otras he llenado páginas por llenar cuando pasaban los días y no se encendía la bombilla, pero ante todo he tratado de ser fiel a mí mismo y escribir sobre lo que a mí me gusta.

Yo no soy un Friki en el termino más estricto de la palabra, me considero más bien un Friki del cine y por lo tanto hay muchas cosas que no llego a abarcar y otras muchas que desconozco. Soy la excepción que confirma la regla de que un friki puede llevar una vida normal (o casi normal) y que puede aspirar a alcanzar una vida real. Un Friki puede ser un incomprendido pero no tiene porque ser siempre un solitario.

No he ido a ninguna congregación de Frikis y me consta que hoy en la Plaza de Callao había una a las 6 de la tarde. Aunque el tiempo hoy no acompañara espero que disfrutárais de vuestro día, queridos Frikis.

En la página http://www.diadelorgullofriki.yk/ podréis estar al tanto de todo, encontraréis foros, votaciones sobre películas y series Frikis, tiendas especializadas, los blogs más interesantes... en definitivas, ¡frikadas!.

PD: Quisiera dedicar estas líneas a otro gran Friki del cine que se define a sí mismo como Un solitario con pipa y copa de coñac (aunque yo se a ciencia cierta que muy solo no es que esté) y al loable trabajo desempeñado en ese estupendo blog que es "Blues de amianto".

Antes que el diablo sepa que has muerto

Ya hablé de esta película el 28 de febrero pasado, entonces se iba a titular “Atraco al destino”, y ahora a finales de mayo han decidido, respetando su título original, llamarla “Antes que el diablo sepa que has muerto”. No es muy comprensible que tras sucesivos retrasos la productora de este film cometa el suicidio de estrenarla a la par que “Indiana Jones 4”, obviando las buenas críticas que la preceden y los premios cosechados en diversos festivales. El hecho está claro, la distribuidora no confía en las posibilidades de este film y quiere quitárselo de en medio cuanto antes; el resultado, el paso de la película por las salas de nuestro país será fugaz. Por lo que si no te quieres perder esta joyita deberás darte prisa en verla.
Se trata del último trabajo del octogenario Sidney Lumet y su mayor éxito crítico desde “Veredicto final” (1982), del que han corrido ríos de tinta a raíz del desnudo de Marisa Tomei y de sus tórridas escenas de sexo, pero en este film hay mucho más que esto.
La película rodada en Nueva York con un presupuesto ínfimo (5 millones de dólares), usando para abaratar costes cámaras digitales de alta definición, adapta un meritorio primer guión de Kelly Masterson, que cuenta una tragedia familiar en la que la ambición, el arrepentimiento y la venganza la asemejan a las tragedias griegas. Contada como se cuentan hoy tantas películas, de forma desordenada haciendo saltos continuos en el tiempo, antes y después del atraco que es el eje central de la historia; cuenta con una excelente y reiterativa partitura de Carter Burwell (colaborador habitual de los Coen), que le confiere un tono más gris a esta historia en definitiva de perdedores. Lo mejor, sin duda alguna, su reparto, sin el cual este film no alcanzaría la brillantez: Philip Seymour Hoffman, vuelve a dar lecciones de cómo con un físico tan difícil se puede ser a la vez una gran estrella y un gran actor; Ethan Hawke, al que le sientan de maravilla los personajes torturados como este (su cascado físico para su juventud se presta a ello); Marisa Tomei, aunque no es una gran actriz (y para quien no lo sepa posee un Oscar) presenta una belleza a sus 43 años envidiable; es uno de los rostros más bellos del cine americano (y su presencia es siempre un aliciente); y para terminar el veterano Albert Finney haciendo con convicción del padre de los desagradecidos y torpes (todo hay que decirlo) hermanos Hanson.
Una obra de altura debe contar con un final impactante y este film cumple en ese sentido sobradamente. Una estupenda obra de madurez de Lumet que será hermanada a “Doce hombres sin piedad”, “Tarde de perros”, “Serpico”, “El príncipe de la ciudad” y “Veredicto final”.
El título original esta sacada de una dicho popular irlandés: “Ojalá pases media hora en el cielo antes de que el diablo sepa que has muerto”.

Argumento:
Andy (Philip Seymour Hoffman), un broker con adicciones caras y apuros económicos, que esta casado con una preciosa mujer, Gina (Marisa Tomei), que no se siente demasiado amada por su esposo. El hermano menor de Andy se llama Hank (Ethan Hawke) y tampoco está pasando una buena época, aunque mantenga una relación adultera con Gina. Divorciado de Martha (Amy Ryan), a la que debe tres mensualidades de la manutención de su hija. Con el fin de paliar los problemas financieros y emocionales, Andy y Hank traman el golpe perfecto: atracar la joyería de sus propios padres, el Sr. y la Sra. Hanson (Albert Finney y Rosemary Harris). Por desgracia para ellos se buscan un cómplice algo torpe, Bobby (Bryan F. O’Byrne), que desbarata el plan y provoca una catástrofe.

¡¡¡TOM WAITS EN ESPAÑA!!!

Han pasado 35 años desde que publicara su álbum de debut "Closing time" y desde entonces más de una veintena de trabajos han aparecido con regularidad. Posee la voz más desgarradora de america, modelada a base de la ingestión masiva de bourbon y del consumo de miles de millones de cigarrillos. Cantante y compositor, guitarrista y pianista, respetado e idolatrado, tan prolífico en el estudio (puede publicar discos de 3 en 3) como huraño en el escenario, y buen amante del cine (prueba de ello son sus numerosos papeles para Coppola, Jarmusch, Altman o Gilliam). Por increible que parezca, Tom Waits va actuar por primera vez en España. Después de que los Who lo hicieran en julio de 2006 tras una eterna espera, ahora le toca el turno al cantante californiano.

Con la excusa de una breve gira europea de tan solo 15 citas y con el siguiente reparto de fechas: España (3), Italia (3), Irlanda (3), Francia (2), República Checa (2) y Escocia (2); y con el acompañamiento de una tan concisa como efectiva banda compuesta por Omar Torrez (Guitarra), Larry Taylor (Bajo), Patrick Warren (Teclados) y Casey Waits (Batería y percusiones), Mr. Waits deleitará a sus fieles con su inconfundible voz acompañado por su guitarra acústica y su piano.

Los organizadores aprovechando lo inusual de la cita han decidido forrarse y los precios fijados son de todo menos populares (100-125 euros).

Las fechas son las siguientes:

12 de julio - Kursaal, SAN SEBASTIÁN

14 y 15 de julio - Auditorio del Parc del Forum, BARCELONA

Las entradas para todos los conciertos en España saldrán a la venta el 2 de junio a las 9.00 horas en Telentrada (902101212).

Para más información visite la página http://www.tomwaits.com/.

DE NIRO / PACINO: ¿A LA TERCERA IRA LA VENCIDA?

Han tenido que transcurrir 34 años para que por fín se produzca un encuentro en toda regla entre Robert de Niro y Al Pacino. Es bien sabido que ambos ya coincidieron en otros dos trabajos: "El padrino, 2ª parte" (1974) en el que lógicamente no compartían ni un solo plano, ya que de Niro interpretaba al padre de Pacino cuando éste era joven; y "Heat" (1995) en donde Pacino era el poli bueno y de Niro el ladrón malo, toda la película era un juego del gato y el ratón, y solamente al final compartían un par de escenas de plano, contraplano, en las que se llegó a dudar que las rodaran juntos, creando una rivalidad infundada. Tras los vanos intentos de Coppola y Mann por unirles en pantalla, ahora es Jon Avnet (el director de "Tomates verdes fritos", "Intimo y personal", "El laberinto rojo" y "88 minutos", tambien con Pacino), quien tiene la osadía de juntarles y esta vez como todos queríamos en "Righteous kill" (2008) que se estrena en Estados Unidos el 12 de septiembre (en España aún no hay fecha de estreno).

"Righteous kill" trata de la investigación que dos policías trazan para capturar a un escurridizo asesino en serie, cuenta con unos secundarios como Carla Gugino, el rapero 50 Cent, John Leguizamo y el enorme Brian Dennehy.

Aparte de dos vacas sagradas como son De Niro y Pacino necesitaremos que esta película no sea la típica "buddy movie" tan manida últimamente, para que la espera haya merecido la pena.

ROGER CORMAN: EL REY DE LA SERIE B

Roger Corman tiene ya 82 años y continua a día de hoy con una imparable carrera como productor que abarca más de cuatro décadas y casi 400 títulos, en su época más prolífica podía producir una veintena de títulos anuales. El denominado "Rey de la serie B" cuenta con un merecido respeto que ya quisieran para sí muchos directores de los llamados de "primera fila", con sus más de 50 películas como director (rodadas con bajísimos presupuestos en tiempo record) además de lograr el beneplácito de la crítica hizo célebre la frase que dió título a su biografía: "como realicé un centenar de películas y nunca perdí un centavo".

A través de su productora American International Pictures, que después pasaría a llamarse New World Pictures pudo realizar obras como "La pequeña tienda de los horrores" (1960), "El terror" (1963), "El hombre con rayos X en los ojos" (1963), "Los ángeles del infierno" (1966), "La matanza del día de San Valentín" (1967), "El viaje" (1967), "Mama sangrienta" (1970) y "El Barón rojo" (1971). Desde entonces tan solo ha dirigido "La resurreción de Frankenstein" (1990), con Raúl Julia y John Hurt, un indigno cierre a una estupenda filmografía.

Pero por lo que pasará Corman a la historia del cine es por las 7 adaptaciones que realizara de los cuentos de Edgar Allan Poe, casi siempre con Vincent Price como protagonista:

"La caída de la casa Usher" (1960), "El pozo y el péndulo" (1961), "Historias de terror" (1962), "La obsesión" (1963), "El cuervo" (1963), "La máscara de la muerte roja" (1964) y "La tumba de Ligeia" (1964).

Corman tenía un olfato especial para descubrir el talento de directores (Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Peter Bogdanovich, Jonathan Demme, John Sayles, Ron Howard o Jonathan Kaplan), de actores (Jack Nicholson, Bruce Dern, Diane Ladd, Michael J. Pollard, Peter Fonda, Dennis Hopper, Charlotte Rampling, Robert de Niro y Talia Shire), y de recuperar a actores en baja forma (Peter Lorre, Boris Karloff, Lon Chaney, Jr., Ray Milland o Vincent Price).

Por último mencionar el gusto que le tiene Corman a hacer breves papeles como actor en las películas de sus discípulos: "El padrino 2ª parte" (1974), "Chicas en pie de guerra" (1984), "El silencio de los corderos" (1991), "Philadelphia" (1993), "Apollo 13" (1995), "Scream 3" (2000) y "El mensajero del miedo" (2004).

EPÍLOGO:

Reivindico desde ya una reedición en DVD de las pelis de Corman como merecen y un pack especial con todos los cuentos de Poe dirgidos por Corman, con la imagen restaurada, el sonido remasterizado, sus extras, ..., etc. Sería un estupendo regalo para cualquier amante del buen cine.

SPEED RACER, EL BATACAZO DE LOS WACHOWSKI

En el mundillo Hollywoodiense nadie es intocable, hoy estás arriba y mañana abajo y los errores dificilmente se perdonan ni olvidan. El cine es cruel como la vida misma y acaba de cobrarse dos nuevas victimas: los Wachowski.

Podemos afirmar categóricamente que los hermanos Andy y Larry Wachowski se han estrellado con todo el equipo con su esperado nuevo trabajo, "Speed racer". Después de destrozar la trilogía "Matrix", los últimos 5 años de sus vidas los han dedicado a asuntos tan triviales como vivir de las rentas con la creación de videojuegos sobre "Matrix", adaptar una novela gráfica ("V de Vendetta") o ... a cambiarse de sexo (en el caso de Larry).

"Speed racer" es la adaptación cinematográfica de una serie de dibujos animados japoneses de culto llamada "Mach Go Go Go" (aquí conocida como "Meteoro"). Creada por Tatsudo Yoshida se emitió entre 1967 y 1968, constando de tan solo 52 episodios.

La versión filmica ha sido rodada en su totalidad en pantalla verde (tan solo dos de los coches se llegaron a construir), con un buen reparto: Emile Hirsch como Speed (el mismo que nos emocionó en "Hacia rutas salvajes"), Christina Ricci como Trixie, Matthew Fox (el prota de "Perdidos") como Racer X, y con John Goodman y Susan Sarandon (que también tienen que comer) como los padres de Speed. No me he atrevido a verla pero el calificativo más repetido que he oído sobre ella es "despropósito".

Los Wachowski se revelaron en 1996 con un extraño thriller de tintes lésbicos, "Lazos ardientes", para sorprender a propios y extraños con su segundo trabajo "Matrix" (1999), una obra clave dentro del género de ciencia ficción, revolucionaria estética y técnicamente. La continuación y su desenlace ("Matrix reloaded" y "Matrix revolutions") rodadas al mismo tiempo no estuvieron a la altura y terminaron por decepcionar. Ahora con "Speed racer" el supuesto talento queda aún más en entredicho y el dinero del pobre Joel Silver (la antítesis del productor apasionado) tirado a la basura. Lo cierto es que la mala publicidad le hará aún más daño y el desastre tiene dificil solución.

Las cifras hablan por sí solas: costó 120 millones de dólares y en su primer fin de semana tan solo ha recaudado 16, siendo superada por esa tonteria llamada "Algo pasa en Las Vegas".

Casual day

Antes de empezar expliquemos que significa “Casual day”.
El “Casual day” es una práctica empresarial importada de Estados Unidos. Algunas empresas aprovechan el viernes para hacer un viaje al campo y realizar distintas actividades que fomenten las relaciones personales de sus trabajadores, reduzcan el estrés y mejoren la actividad empresarial.
En este film se narra la excursión a una casa rural de un grupo de jefes y empleados de una multinacional y de las tensiones, frustraciones, discriminaciones y luchas de poder que allí salen a la luz, mientras juegan al paintball y al futbolín, se someten a sesiones de coaching o se van de putas. Todos los tópicos de la oficina están aquí representados: el jefe déspota y el acosador, el enchufado, la trepa, el amargado y el que pasa de todo. Toda esta parafernalia resulta ser siempre un ejercicio vacío porque por mucho que se quite la chaqueta y la corbata un jefe es un jefe dentro y fuera de la oficina. Primera película de Max Lemcke, que comienza con apariencia de comedia ácida para desmarcarse como una dramática historia de opresión social y laboral; y todo por la costumbre que tenemos de darle una mayor importancia a la vida laboral que a la personal. Un reparto encabezado por un omnipresente Juan Diego, que volverá seguramente a recibir premios y menciones, un Luis Tosar en otro papel poco agradecido que tanto parece gustarle, un más secundario Alberto San Juán como el psicólogo de empresa (el también importado término “coaching”) y un Secun de la Rosa con uno de los papeles más interesantes de la función: el del empleado que guarda un resquemor que no puede callar. La parte negativa del cast son las interpretaciones de Javier Ríos y de Estíbaliz Gabilondo, muy endebles y personajes que podrían haber sido más interesantes como los de Arturo Valls o Alex Angulo se les da muy poca relevancia. Pequeño papel de Malena Alterio y aparición especial de Marta Etura, una de las jóvenes promesas del cine español. Es decepcionante comprobar que de una premisa tan original y con tantas posibilidades se acabe convirtiendo en una sucesión de tópicos y de resoluciones tan previsibles.

SCARLETT TAMBIÉN CANTA

A esta chica parece que no le asusta nada, después de haber alcanzado un status envidiable en el mundo del cine, de ser nominada a un Oscar, de lograr ser la musa de Woody Allen y de ser admirada y deseada en los 5 continentes, Scarlett Johansson prueba ahora suerte en la música y no de cualquier manera: se ha atrevido a grabar un álbum con 10 versiones de alguién tan reverenciado como Tom Waits, expeniéndose a ser masacrada por los muchos puristas del cantante californiano. El proyecto empezó llamandose "Scarlett Johansson sings Tom Waits" pero al poco de empezar a ensayar las canciones entró en vía muerta, no fue hasta la llegada del productor David Sitek (también guitarrista del grupo experimental "TV on the Radio") cuando las canciones de Waits fueron reinventadas, tomando forma propia. El disco se grabó durante 33 días en Maurice, Louisiana, en los estudios Dockside y cuenta con un invitado de excepción: David Bowie que hace coros en "Fannin street" y "Falling down". Además de los 10 temas de Waits se incluye un tema compuesto a medias por Scarlett Johansson y David Sitek.

Cuando hace un año Scarlett apareció por sorpresa en el Festival de Coachella para cantar con Jesus & Mary Chain, pocos imaginaban que la cosa fuera en serio; a partir del 20 de mayo podrás conocer el resultado de este primer trabajo titulado "Whenever I lay my head".

NOTA:

Este feliz acontecimiento coincide con el anuncio de su boda con Ryan Reynolds, ¿sabéis quien es?, pues es ese cara de pan que hizo de "Van Wilder" y ahora sale en la comedia romántica "Definitivamente, quizás". Mitos eróticos semejantes jamás deberían casarse.

NO 1, NI 2, SINO 3 PELÍCULAS

Después de un largo puente en el que da tiempo para muchas cosas (incluso para ver películas), comentaré las 3 últimas que he visto:

IRON MAN

Supongo que con otros comentarios que he hecho con anterioridad sobra decir que me ha gustado “Iron Man” y que la incluiría dentro del grupo de las buenas adaptaciones al cine de superhéroes. Mucha culpa de ello la tiene la decisión de John Favreau (un director por el que nadie daba dos duros) de trazar una línea de diálogo con los fans de los comics originales, que ha resultado ser de lo más productiva. Todo se puso con anterioridad en tela de juicio dando como resultado un argumento muy sencillo (ni el más espeso se perderá) con un pequeño mensaje antibelicista incluido, un diseño de la armadura espectacular que no admite peros y un reparto muy acertado: Robert Downey, Jr. aporta su carisma e ironía, Gwyneth Paltrow su belleza y dulzura, Jeff Bridges su talento y veteranía y… ¿Terrence Howard?, me temo que se lleva la peor parte puesto que su personaje está poco definido, es un simple esbozo, y el actor no puede hacer nada por salvarlo. El boca-oreja ha surtido ya efecto, en una semana “Iron Man” ya ha recaudado 300 millones de dólares en todo el mundo. Estamos ante un fantástico, efectivo y ameno espectáculo.

REBOBINE, POR FAVOR

Me he dejado llevar, como en otras ocasiones, por opiniones variadas (algunas de ellas populares) y he querido salir de dudas por mí mismo. He visto “Rebobine, por favor” (“Be kind rewind”, 2008), el último delirio de Michel Gondry y… ¿que puedo decir?, pues que no se trata ni de lejos de la obra maestra que me habían vendido, como mucho me lo tomaría como un divertido y original homenaje al cine, con la emotividad añadida de recuperar los polvorientos VHS, pero subirla demasiado a los altares me parece exagerado. El conjunto se ve ensombrecido por la dificultad añadida de contar con Jack Black (que con su sola presencia mina cada proyecto en el que participa), claro que el rapero Mos Def tampoco es que sea mucho mejor. Un casting más acertado habría hecho mucho bien a este film (¿Alguien se atreve a calificar a Mia Farrow como una buena actriz?). La puesta en escena, el argumento, todo se antoja caprichoso y pretencioso, ¿pero que importa?, Michel Gondry es ahora mismo uno de los niños mimados de la crítica. Con esto queda dicho todo, en su día sucedió lo mismo con “Olvídate de mí”, una película mucho más original pero en cualquier caso también sobrevalorada. Estoy un poco harto de llevarme sorpresas con cineastas vanagloriados como Michel Gondry, Spike Jonze, Wes Anderson, Charlie Kaufman, etc, que atienden más a la forma que al contenido (se recrean más en la forma de contar las cosas que en cuidar lo que realmente cuentan).

COSAS QUE PERDIMOS EN EL FUEGO

“Cosas que perdimos en el fuego” es la primera incursión en el cine americano de la danesa Susanne Bier, cuya excepcional carrera ha conocido dos éxitos internacionales sin precedentes en su país: “Hermanos” (2004) y “Después de la boda” (2006). Para su debut ha escogido un guión de Allan Loeb, que habla sobre la perdida, el dolor, la adicción y la búsqueda de la esperanza. Se trata de una historia trágica de lo más deprimente, y la única esperanza latente es sobrevivir, aunque sea muy distinto a seguir viviendo. La vida de Audrey (una estupenda Halle Berry) se trunca cuando su marido Brian (un fugaz David Duchovny) es asesinado de la forma más tonta y fortuita. La deja con dos niñas pequeñas, una situación desahogada y tres vidas marcadas. Como forma de aferrarse a lo poco que queda ya de él, Audrey le ofrece al mejor amigo de su difunto marido, Jerry, un abogado drogadicto en proceso de desintoxicación (un impecable Benicio del Toro mucho más comedido de lo que su personaje podría incitarle), que viva con ella y con las niñas hasta que este recuperado y pueda encontrar un trabajo. La película podría pasar por un telefilme de lujo del canal HBO, pero tiene el aliciente del estilo que le impregna Susanne Bier (ese insistente uso de primerísimos planos) y una galeria de secundarios como John Carroll (Howard, el entrañable vecino) o Alison Lohman (como Kelly, la compañera de terapia de Jerry), una joven actriz que me maravilló en películas como “Los impostores” o “Big fish” y que aún espera su gran oportunidad. En esta producción del siempre finado Sam Mendes (un admirador del cine de Bier) se da un consejo repetidamente: "Quédate con lo bueno".

POLEMICA DEL MES: LOS 20 PEORES ACTORES Y ACTRICES VIVOS

Hoy se me ocurrió idear una lista de los peores actores y actrices con la ayuda de un grupo de amigos, el propósito era no dejarnos llevar por el camino fácil. Habría sido demasiado sencillo llenar la lista con nombres como Stallone, Schwarzenegger, Van Damme, Norris, Seagal y demás calaña; y en el apartado de las chicas mencionar nombres como los de Pamela Anderson, Carmen Electra, Lindsay Lohan, Hillary Duff y compañia. ¡Pero no!, eso no era válido, había que estrujarse un poco más el seso. Tuvimos nuestras discrepancias, nuestros tiras y aflojas, y esta es la lista que surgió finalmente. Es irónico pensar que entre los 40 nombres hay hasta 6 Oscarizados. Imagino que habrá polémicas, se admiten toda clase de opiniones ya sea para condenar o para defender.

LOS 20 PEORES ACTORES VIVOS

1. Matthew McConaughey

2. Mark Wahlberg

3. Orlando Bloom

4. Ben Affleck

5. Jack Black

6. Tim Allen

7. Hugh Grant

8. Brendan Fraser

9. Will Ferrell

10. Jason Biggs

11. Hayden Christensen

12. Christopher Lambert

13. Cuba Gooding, Jr.

14. Patrick Dempsey

15. John Travolta

16. Christian Slater

17. Pierce Brosnan

18. Ashton Kutcher

19. Martin Lawrence

20. Mike Myers

LAS 20 PEORES ACTRICES VIVAS

1. Renée Zellweger

2. Kate Hudson

3. Meg Ryan

4. Melanie Griffith

5. Demi Moore

6. Jennifer Garner

7. Penelope Cruz

8. Kim Basinger

9. Jennifer Love Hewitt

10. Sandra Bullock

11. Catherine Zeta Jones

12. Jennifer López

13. Drew Barrymore

14. Jessica Alba

15. Katie Holmes

16. Julia Roberts

17. Angelina Jolie

18. Cameron Diaz

19. Jennifer Aniston

20. Neve Campbell

NOTA:

No están por orden de méritos, eso habría supuesto demasiados quebraderos de cabeza, pero creemos que todos tienen motivos de sobra para estar en esta lista.

EL ACTOR DEL MES: JEFF BRIDGES

“Iron Man” nos ha dado dos alegrías, la primera volver a creer en la Marvel y en sus superhéroes, y la segunda recuperarnos al últimamente desaparecido Jeff Bridges, encarnando al malvado de la función. ¿Qué se puede decir de un actor tan interesante con un bagaje de más de cuatro décadas a sus espaldas?. Actor respetado, productor ocasional, fotógrafo vocacional (recoge con su vieja Widelux instantáneas de cada rodaje en el que participa y regala un ejemplar a todo miembro del equipo), músico frustrado (editó un disco en 2000 titulado “Be here soon” y toca en directo habitualmente en las convenciones anuales de “El gran Lebowski”) y hombre de familia (casado desde hace 31 años con la fotógrafa Susan Geston y padre de tres hijas).
Miembro de una familia muy relacionada con el celuloide: hijo de Lloyd Bridges y Dorothy Dean Simpson, y hermano de Beau y Cindy Bridges.
Jeff cuenta con una carrera que para sí querrían muchos, puesto que ha sido dirigido, entre otros, por Peter Bogdanovich, John Huston, Robert Benton, John Frankenheimer, Michael Cimino, Bob Rafelson, Robert Mulligan, John Carpenter, Hal Ashby, Sidney Lumet, Francis Ford Coppola, Alan J. Pakula, Terry Gilliam, Peter Weir, Walter Hill, Ridley Scott, Joel Coen, Iain Softley y Gary Ross.
Ha sido nominado para 4 Oscar (tres como secundario y uno como principal).
Debutó con tan solo cuatro meses en la película “The company she keeps”, su cometido llorar en brazos de Jane Greer (34 años después volvería a trabajar con ella en “Contra todo riesgo”).
Se curtió en el medio televisivo en series (muchas de ellas protagonizadas por su padre) como “Caza submarina”, “The Lloyd Bridges show”, “The loner”, “F.B.I” y “The most deadly game”. Tras pequeños papeles le llegó su gran oportunidad con “La última película”, una emotiva película que le valió su primera candidatura al Oscar con tan solo 22 años.
En la década de los 70 tuvo también su peor etapa de la que supo salir airoso, pero a pesar de ello cuenta con un par de interpretaciones antológicas: el boxeador idealista de “Fat city” (dirigido por el gran John Huston) y el ladrón de bancos de “Un botín de 500.000 dólares” (junto a Clint Eastwood).
En los 80 se ganó el respeto interpretando al entrañable extraterrestre de “Starman”, al ex-jugador de fútbol americano obsesionado con una mujer de “Contra todo riesgo”, al acusado de la muerte de su esposa de “Al filo de la sospecha”, al visionario de “Tucker” y al pianista desencantado de “Los fabulosos Baker Boys”.
Los 90 le reservarían papeles inolvidables: el engreído DJ caído en desgracia de “El Rey pescador”, el padre ex-convicto que no quiere que su hijo siga sus pasos en “Corazón roto”, el asesino de una entonces desconocida Sandra Bullock en “Secuestrada”, el superviviente de un accidente aéreo de “Sin miedo a la vida”, el mítico Wild Bill Hickock en “Wild Bill”, el capitán del buque escuela Albatros que naufragó en “Tormenta blanca”, el holgazán más conocido como “El Nota” de “El gran Lebowski”, y el sufrido hombre que sospecha que sus vecinos son terroristas en “Arlington road”.
Con el cambio de siglo su actividad ha disminuido considerablemente, pero Jeff ha seguido dando muestras de versatilidad y de inconformismo: el presidente de los EEUU en “Candidata al poder” (hasta ahora su última candidatura al Oscar), el hombre de negocios secuestrado en “Escenas de un crimen”, el psicólogo escéptico ante la idea de tener un paciente alienígena en “K-Pax”, el patrón del caballo de carreras más famoso en “Seabiscuit”, el escritor de cuentos infantiles en una crisis de la mediana edad en “The door in the floor” y el rockero drogadicto de “Tideland”.
Entre que hace pocas películas, entre que algunas son consideradas como malditas (“Tideland” ha despertado por igual críticas y alabanzas, siendo una película de difícil distribución), otras son muy malas (su inexplicable incursión en la película de la Disney “Stick it”) y otras ni siquiera llegan a nuestras pantallas (“Los magnates del sexo” se estrenó directamente en video y aún hay mucha gente que no sabe ni que existe), es difícil verlo últimamente.
“Iron Man” es su último gran trabajo y le ha puesto de actualidad, solo por eso ya merece la pena verla.