LOS FRIKIS TAMBIÉN LLORAN

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XXXII)

2011-08-17T09:02:00.000-07:00

JOSEPH BROOKS
Nueva York (USA), el 11 de marzo de 1938
Manhattan, Nueva York (USA), el 22 de mayo de 2011

Músico americano que dio sus primeros pasos en la década de los 60 como compositor de anuncios de marcas como Pepsi o Maxwell House. Después de firmar los scores de “Amor joven” (1973) y “Días felices” (1974), Brooks irrumpió con enorme fuerza en 1977 con la aparición del film “You light up my life”, escrito, producido y dirigido por él mismo. La fama en Estados Unidos de un film nunca estrenado en nuestro país se debió al éxito sin precedentes del tema central de su banda sonora, compuesto por Brooks y tan edulcorado como el film en cuestión. La canción “You light up my life” (que cantaba Debby Boone) le hizo merecedor a Brooks del Oscar, el Globo de oro y el Grammy a la mejor canción, entre otros muchos premios. Un año más tarde quiso repetir la gesta con “If ever I see you again” (1978), reservándose además el personaje protagonista, pero el éxito ni de lejos se repitió. Sus dos últimos trabajo como realizador, “Headin’ for Broadway” (1980) e “Invitation to the wedding” (1983) fueron clamorosos fracasos artísticos y comerciales. Produjo “Eddie and the Cruisers” (1983) sobre la misteriosa muerte de un cantante, y después prácticamente se le tragó la tierra. Un derrame cerebral terminó por retirarle del todo después de un tímido paso por Broadway.
En junio de 2009 Brooks volvió a la palestra pero por causas extra-cinematográficas, 11 mujeres le interpusieron una demanda a él y a su asistente personal por violación, después de acudir al anuncio de un casting para un film. En diciembre de 2010 su hijo Nicholas, también músico, fue acusado de matar a su novia, la diseñadora peruana Sylvie Cachay. El enorme escándalo finalizó en mayo de 2011 cuando Brooks con la ayuda de una toalla y una bolsa de plástico se ahorcó en su apartamento de Manhattan antes de que su juicio concluyese. El romanticismo exacerbado de Brooks quedó para siempre sepultado por sus oscuras prácticas.

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XXXI)

2011-08-09T08:51:00.000-07:00

JEFF CONAWAY
Nueva York (USA), el 5 de octubre de 1950
Los Ángeles, California (USA), el 27 de mayo de 2011

Debutó como actor en Broadway a los 10 años con la obra “All the way home”, aunque durante algún tiempo se mostró más interesado en mover la carrera musical del grupo “3 ½” del que era líder y con los que teloneó a artistas tan importantes como Gladys Knight & The Pips, Chuck Berry o The Animals. Su primera aparición en la gran pantalla fue en el film “Jennifer on my mind” (1971), en el que daba sus primeros pasos un actor años después muy prestigioso, Robert de Niro. En 1972 fue elegido para encarnar a Danny Zuko en la obra musical “Grease” que durante año y medio se mantuvo en cartel. Esa importante promoción le abrió las puertas de la televisión en la que apareció episódicamente en series como “Happy days” (1976), “La chica de la tele” (1976) o “Kojak” (1978) o en pequeños papeles en films como “Nunca te prometí un jardín de rosas” (1977) o “Pedro y el dragón Elliot” (1977). La adaptación cinematográfica de “Grease” (1978) tuvo el detalle de acordarse de Conaway aunque no para el papel protagonista que recayó en la estrella del momento, John Travolta, teniendo Jeff que conformarse con ser su amigote de correrías, Kenickie.
El enorme éxito del film le dio su otro papel más recordado, el de Bobby Wheeler, el actor fracasado reconvertido en taxista de la serie de culto “Taxi” (1978-82). Jeff la abandonó una temporada antes de ser cancelada para evitar el encasillamiento como rubio cortito de mente y para poder ser el Príncipe Greystoke en la miniserie “Wizards & warriors” (1983). Su carrera contra todo pronóstico empezó a declinar sin remedio, limitándose a ser la estrella invitada de series como “Vacaciones en el mar” (1985), “¿Quién es el jefe?” (1985), “Hotel” (1987), “Mike Hammer” (1987) o en culebrones como “Belleza y poder” (1989-90). En la década de los 90 se consagró por completo al cine de serie B coincidiendo en aquellos subproductos rodados directamente para el mercado del video con otras muchas estrellas en horas bajas como él. En la serie futurista “Babylon 5” (1994-98), una de las muchas surgidas del Universo de “Star Trek” aunque no de las de mayor éxito, interpretará a un personaje no principal pero sí recurrente durante sus 4 temporadas de vida. Randal Kleiser, el realizador de “Grease”, le dará un pequeño papel en el olvidable drama judicial “Sombras de sospecha” (1998). Encaró la recta final de su carrera aireando el problema de drogadicción que arrastraba desde hacía dos décadas en un delirante reality del canal Vh1 centrados en famosos en proceso de rehabilitación, allí coincidió con Brigitte Nielsen, Daniel Baldwin o Gary Busey. Sus adicciones la habían convertido en una versión alarmantemente envejecida y grotesca de sí mismo. Lo cierto es que Conaway nunca consiguió rehabilitarse, una sobredosis, que le mantuvo durante dos semanas en coma, acabaría con su vida a los 60 años.

¿QUÉ QUIERES SER DE MAYOR?. MMMM.... ¡DE MAYOR QUIERO SER FRIKI!

2011-05-25T06:37:00.000-07:00

Para todo aquel que pensara que me había retirado a meditar a un monasterio tibetano, que había sido abducido por extraños seres de otro planeta, que había sido captado por alguna secta satánica o que había sido transportado a otra dimensión desde la que me era imposible escribir... ya os digo que no!. "Los frikis también lloran" no solo no presenta un electrocardiograma plano sino que promete atisbos de vida... aunque durante algún tiempo haya permanecido (o permanezca) cómodamente hibernando.

No se trata de una pérdida de interés, ni de un desgaste por saturación de cine de rápido consumo, ni de aspiraciones incumplidas... nada de eso!. Se ha tratado más bien de darle otras prioridades a la vida y de romper temporalmente con el yugo de las obligaciones, si los "frikis" tienen algo más que decir ya lo dirán de manera natural sin necesidad de presiones autoimpuestas y de cumplir con un calendario ideado mentalmente. A veces el exceso de disciplina es contraproducente, le resta interés a un blog con la vocación de entretener como éste.

De todos modos sí los "frikis" no tienen nada más que decir, el mundo tampoco dejará de rodar. Hay cientos, miles de blogs interesantes de cine en el ciberespacio y este tan sólo es un insignificante puntito más en el vasto e inabarcable mapa. Siendo muy optimista pienso que al menos habré dejado un prolífico y bastante completo diario de la escena cultural de los 3 últimos años. Es mucho más de lo que esperaba cuando un día, con la ayuda de dos compañeros de trabajo, salió fortuitamente el título de este blog. Creí que era estupenda declaración de intenciones.

No quería perderme la ocasión de celebrar por cuarta vez El día del Orgullo Friki que como todos sabéis este año gira en torno a la saga de las sagas, "Star Wars", la que además le otorgó su fecha de celebración. Un festejo que año tras año crece, y al que se va sumando gente que se vanagloria de formar parte él. Toda una gran comunidad con una forma de ser, pensar y vivir a la vez muy peculiar y muy satisfactoria. Hemos dejado de ser unos marginados sociales. Ahora a los niños cuando se les pregunta que quieren ser de mayores, responden que quieren ser "frikis". El fiestón será en la madrileña plaza de Callao el sabado 28 a partir de las 6 de la tarde, pero también habrá otras convocatorias en Alicante, Barcelona, Bilbao, Logroño, Murcia, Sabadell, Santa Cruz de Tenerife, etc.

Una vez más, ¡¡¡felicidades, Frikis!!!.

Animal kingdom

2011-02-08T16:10:00.001-08:00

Si “Animal kingdom” se ha abierto un hueco en nuestra cartelera en una época tan competitiva ha sido por las numerosas nominaciones recibidas a los premios AFI (los Oscar de la cinematografía australiana), por el premio del jurado obtenido en el Festival de Sundance y por unas críticas entusiastas generalizadas que en verdad no comparto. La ha exportado como un film independiente atípico y estilizado cuando en realidad la ópera prima de David Michôd es molestamente tediosa y efectista.

La escena que abre el film ya nos avisa de que el film que vamos a ver es muy, muy transgresor y original… la aparentemente idílica estampa familiar de un hijo viendo la televisión junto a su adormecida madre se rompe con la llegada de dos camilleros. La madre en realidad está muerta después de sufrir una sobredosis y el hijo, en efecto, tiene más interés en terminar de ver el concurso televisivo que en custodiar los restos mortales de su madre. A partir de ese momento “J” (encarnado muy discretamente por el casi debutante James Frecheville), como así llaman al chico, tendrá que irse a vivir con su familia materna, con la que había perdido todo contacto por imposición de su propia progenitora.

Esa familia que encabeza la abuela Janine (la veterana Jackie Weaver nominada al Oscar como actriz secundaria y que ha regresado recientemente de uno de sus muchos retiros) sus tres vástagos, Andrew (Ben Mendelsohn encarnando poco convincentemente a una bomba a punto de estallar), Darren (Luke Ford visto en la tercera parte de la saga “La momia”) y Craig (el televisivo Sullivan Stapleton), se dedican a la venta de drogas y tienen una guerra declarada con la policía que les acecha. El personaje de Weaver, esa abuela de fachada tan dulce que esconde la peor de las bestias, el autentico cerebro criminal de la familia y de lejos el personaje más interesante que encierra el film, junto al de Barry Brown (interpretado brevemente por el interesante Joel Edgerton), el brazo derecho de la banda familiar de delincuentes.

En un papel secundario el internacional Guy Pearce - muy especializado últimamente en papeles tan poco estelares como los de “En tierra hostil”, “La carretera” o “El discurso del Rey” – encarna al policía Nathan Leckie, todo lo contrario al hombre de acción, se trata de alguien calmado y dialogante que trata de sacar a “J del círculo de violencia en el que de forma casual se ha visto inmerso. El personaje de Pearce aporta más bien poco a la historia.

“Animal kingdom” nos presenta una cara desconocida y oscura de la ciudad de Melbourne en este drama familiar en el que la venganza tiene un papel protagónico y en el que el resultado de la misma salpica a todo y a todos. Michôd apuesta por escenas ralentizadas que subrayan su importancia y por golpes de efecto (aparentemente) sorprendentes. Entre medias tan solo un mortal aburrimiento. Extraño caso de incomprensible entusiasmo crítico hacia un film muy poco relevante.

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XXX)

2011-02-02T15:50:00.001-08:00

ED FLANDERS
Minneapolis, Minnesota (Estados Unidos), el 29 de diciembre de 1934
Denny, California (USA), el 22 de febrero de 1995

Actor básicamente televisivo formado en el teatro. Después de su paso por Broadway se especializó en hacer personajes episódicos para series como “Audacia es el juego”, “Mission: Impossible”, “McMillan y esposa”, “Mannix”, “Ironside”, “MASH”, “Marcus Welby”, “Kung Fu” o “Hawai 5-0”. La gran pantalla apenas le ofreció oportunidades salvo aquel Presidente Truman que encarnó para “MacArthur, el General rebelde” (1977) – volvería a encarnar al Presidente estadounidense en otras dos ocasiones y por este papel mereció uno de sus tres Emmy - , los roles que el autor de “El exorcista” William Peter Blatty le brindó en sus dos únicas aproximaciones al cine, “The ninth configuration” (1980) y “El exorcista III” (1990), y dos personajes junto a su amigo Robert Duvall, “The pursuit of D.B. Cooper” (1981) y la excelente “Confesiones verdaderas” (1981).
Su fama la debe a la serie “Hospital” (1982-88) – cuna de actores tan conocidos como David Morse o Denzel Washington – interpretó al Dr. Donald Wetsphall del St. Elsewhere durante sus 6 temporadas y por este personaje recibió su último Emmy en 1983. A pesar de que la serie nunca fue una de las más vistas consiguió un público fiel que le mantuvo en antena tantos años.
Después de la cancelación de “Hospital” a Flanders le llegarían ofertas tan interesantes como el telefilme “Ciudadano Cohn” (1992), que protagonizó James Woods, y la serie “The road home” (1994), cuyo elenco encabezado por Karen Allen vio con sorpresa como era repentinamente cancelada tras su sexto capítulo.
Desde que se divorciara en 1992 de su segunda esposa, Ed sufrió de continuas depresiones y de importantes problemas económicos que precipitaron su final. A principios de 1995 decidió quitarse la vida suicidándose con un arma de fuego. Dejó un film póstumo para la gran pantalla, la poco inspirada comedia “Bye, bye love” (1995).

Los próximos tres días

2011-02-02T03:42:00.001-08:00

Los guiones que Paul Haggis firmó para Clint Eastwood (“Million dollar baby”, “Banderas de nuestros padres” y “Cartas de Iwo Jima”) le facilitaron una carrera como realizador que había iniciado una década antes de manera muy discreta con “Red hot” (1993) – un imposible drama musical ambientado en la Rusia de la guerra fría – después de trabajar en la televisión de manera rápida para productos de toda índole, de series reivindicables como “Treinta y tantos” o “La ley de los Ángeles” hasta mediocridades como “Walker: Texas Ranger”, pasando por productos tan avejentados como “Vacaciones en el mar”.
Con el film coral sobre la inmigración y los estratos sociales en una gran urbe como Los Ángeles, “Crash” (20004), recibió el favor de crítica y público – quizás de manera excesivamente eufórica se coronó con el Oscar a la mejor película del año – ; “En el valle de Elah” (2007) que criticaba la intervención americana en Iraq no obtuvo la respuesta esperada – los mayores reconocimientos se centraron en alabar la magistral interpretación de Tommy Lee Jones – y ahora nos llega su tercer empeño, “Los próximos tres días”, que nos presenta a un Haggis menos ambicioso, con el único objetivo de ponerse al servicio de una historia ligera que pretende hacernos pasar dos horas muy entretenidas.

Resulta curioso que Haggis se ponga al servicio de un material tan reciente como poco conocido – el film francés “Pour elle” interpretado por Vincent Lindon y Diane Kruger hace escasos dos años aunque estrenada directamente en video en nuestro país – para hacerse cargo de su remake americano contando ahora con la presencia de un actor tan comercial como Russell Crowe y de la emergente Elizabeth Ashley encarnando al matrimonio protagonista de una historia al límite.

La galería de secundarios es verdaderamente antológica, la guapa Olivia Wilde, el enorme Brian Dennehy, Daniel Stern, Trudie Styler y Liam Neeson en una única aunque impagable escena. Lastima que la presencia de la mayoría de ellos resulte injustificada para encarnar papeles con muy poca importancia.

La vida parece idílica para el matrimonio formado por John (un convincente Russell Crowe con todo el peso que perdió para “Robin Hood”), Lara (Elizabeth Ashley en el papel más complejo al que se ha enfrentado hasta la fecha) y su pequeño hijo Luke (Ty Simpkins) hasta que una mañana cualquiera Lara es detenida y acusada del asesinato de su jefa a la que le unía una archiconocida enemistad. Las pruebas que la incriminan son demasiado claras y se enfrenta a una condena de 20 años. Agotando todas las vías legales y creyendo firmemente en su inocencia, John decidirá traspasar los límites de la justicia metiéndose en una espiral de violencia con el objetivo de volver a reunir a su familia.

“Los próximos tres días” es un film muy entretenido pero muy desigual, tras una primera y pausada mitad le sigue una adrenalítica y casi surrealista segunda parte que llega a bordear el mayor de los ridículos. El empeño del guión por rizar el rizo y la incomprensible y descabellada resolución final terminan por dejar un regusto amargo. Pero lo cierto es que sí no le buscas tres pies al gato “Los próximos tres días” puede ser un estupendo divertimento en el que la primera hora de tensión sostenida puede hacernos creer que el film tomará la senda del drama y no la del típico cine de acción que termina por imponerse. A pesar de todo lo que pudo haber sido y no fue, resulta entretenida y hasta recomendable.

LAS PROPUESTAS MÁS INTERESANTES PARA FEBRERO

2011-02-01T16:17:00.000-08:00

Aqui os presento el calendario de las propuestas más interesantes para el mes de febrero. Un buen mes, que al igual que enero va de más a menos. Empezamos con una actividad frenética para irnos relajando las últimas semanas. Nos llegan casi todas las películas con posibilidades en los Oscar: "Valor de ley" promete la renovación de un género como el Western de la mano de los Hermanos Coen; sí se aguanta su escena gore "127 horas" puede ser interpretado como todo un canto a la naturaleza, a la vida y a la libertad; "The fighter" si no deja para la posteridad un buen film de boxeo al menos sí que dejará de manifiesto la (aparente) facilidad de Christian Bale para quedarse en los huesos y dar lo mejor de sí; mezclar el terror y la danza solo podría darle buen resultado a Aronofsky con "Cisne negro"; el cine independiente viene defendido por "Winter's bone" y "Los chicos están bien", dos dramas familiares muy diferentes.

La broma de mal gusto que nos gastó durante dos años Joaquin Phoenix llega a nuestras pantallas bajo la dirección del cada vez más proyectado Casey Affleck y el cine español tiene como mejor representante a "Primos" de Daniel Sánchez Arévalo que incide por primera vez en la comedia pura después del estupendo sabor de boca dejado con "AzulOscuroCasiNegro" y "Gordos".

Por último, ¿cuantas veces he anunciado que estrenaban "Territorio prohibido"?... se trata de un film maldito del realizador de la muy recomendable "The cooler" que ha tenido problemas de distribucción haya donde se ha estrenado. Pues parece que por fín se estrena... o quizás no.

4 de febrero:
- "127 horas", de Danny Boyle.
- "Primos", de Daniel Sánchez Arévalo.
- "The fighter", de David O. Russell.
- "I'm still here", de Casey Affleck.
11 de febrero:
- "Valor de ley", de Joel y Ethan Coen.
- "Territorio prohibido", de Wayne Kramer.
- "Winter's bone", de Debra Grank.
18 de febrero:
- "Cisne negro", de Darren Aronofsky.
25 de febrero:
- "Los chicos están bien", de Lisa Cholodenko.

Camino a la libertad

2011-01-18T04:22:00.000-08:00

Quien haya seguido un poco por encima este blog no les sorprenderá saber que reencontrarme con el cine del australiano Peter Weir es mucho más que un motivo de alegría, es motivo de celebración por dos razones: a) porque su carrera es un ejemplo de sobriedad y coherencia, y b) porque no suele prodigarse tanto como muchos desearíamos (este film que nos ocupa es su segundo trabajo en toda una década). Weir es un cineasta con mayúsculas, quizás el mejor de los que llegaron desde las antípodas, solo basta revisar títulos como “Gallipoli”, “Único testigo”, “La costa de los mosquitos”, “El show de Truman” o “Master & Commander” para entender y compartir mi afirmación.

“Camino a la libertad” está basado en las memorias del ruso Slavomir Rawicz, quien junto a otros compañeros se escaparon de un gulag en Siberia y lograron llegar hasta la India después de recorrer casi 7.000 kilómetros y de sortear todo tipo de situaciones climatológicamente adversas. Años después la BBC destapó que en realidad la supuesta autobiografía era un relato de lo que vivió otro soldado ruso a primeros de los 40. Poco importa sí sucedió realmente o no, el último film de Weir es un relato de aventuras y de supervivencia de primer orden.

Weir vuelve a enfrentar al hombre contra la naturaleza hostil, algo que ya hiciera en films como “La última ola” o “La costa de los mosquitos”, y la planificación y exhibición de escenarios naturales vuelve a ser uno de los puntos fuertes del film. Para dar la mayor verosimilitud posible el rodaje se repartió por 4 países (Bulgaria, Australia, Marruecos y la India). Peter sabe perfectamente como encuadrar paisajes aunque a estos ya no les acompañe la música del desaparecido Maurice Jarre (el encargado de sustituirle es el compositor alemán Burkhard Dallwitz quien ya musicó “El show de Truman”).

Todo empieza con una traición, Janusz (incorporado por el joven Jim Sturgess, un actor al que aún le falta bastante para abordar papeles como éste en el que tiene que ser un ejemplo de liderato), es acusado mediante coacción por su esposa de ser un espía. Janusz termina en un gulag en Siberia en el cual descubre que las alambradas no son los límites físicos de su prisión sino que lo es el basto y helado paisaje circundante el que hace prácticamente imposible la huida sin morir de hambre o de frío.
Después de un rápido plan a Janusz le acompañarán en su huida el Sr. Smith, un preso político americano (un magistral Ed Harris como acostumbra), Valka, un delincuente ruso de la peor calaña (un Colin Farrell que vuelve a recurrir a ese truco suyo de subir y bajar las cejas para demostrarnos que sabe actuar), el sacerdote Voss (interpretado por el sueco Gustaf Skarsgard, sin parentesco con Stellan), Kazik, un joven que sufre ceguera nocturna (el joven actor alemán Sebastian Urzendowsky se encarga de interpretarlo) y Tomasz (el rumano Alexandru Potocean, inolvidable en “4 meses, 3 semanas, 2 días”), el intelectual del grupo. En su epopeya por sobrevivir lucharán contra sus más primarios instintos y conocerán el significado de la palabra “compañerismo” más allá de los intereses particulares. Se unirá en última instancia una joven (Saoirse Ronan, vista recientemente en “The lovely bones”) que quiere dejar atrás un turbio pasado.

“Camino a la libertad” contiene imágenes muy duras (los evadidos comportándose como depredadores espantando a los lobos para comerse a un animal muerto, los espejismos en mitad del desierto del Gobi, etc) pero es ante todo una bella metáfora sobre la amistad, la lucha por sobrevivir y la capacidad para perdonar. Los espacios abiertos es, como ya he dicho, uno más de los personajes del este último film de Peter Weir, que aunque no alcance las excelencias de su anterior film (en parte por un ritmo algo desigual, un montaje algo torpe y un protagonista tan inadecuado como es Jim Sturgess) vuelve a confirmarnos que su cine es siempre es una lección de calidad. La única pega es que la media de disfrute de sus films está en dos películas por década, y eso es muy, muy poco.

Tron: Legacy

2011-01-05T17:59:00.000-08:00

Resulta sorprendente y ciertamente atrevido que se ponga en marcha una secuela (aunque definirla así como veremos más adelante es equivocado) de un film, “Tron”, que hace 27 años no hizo dinero – cubrió costes únicamente – ni recibió buenas críticas – un guión algo infantil e ingenuo tuvo mucha culpa de ello - , aunque poco a poco haya adquirido un cariño popular tan generalizado que lo ha convertido en un título de culto. El mayor mérito de “Tron” fue el tratarse del primer film que contaba con escenarios completamente virtuales, realizados de una manera artesanal y muy laboriosa. Fue sin duda una apuesta arriesgada de la Disney, fracasada en su día y que el tiempo, por algún extraño motivo se encargó de ensalzar.

“Tron: Legacy” llega precedida de una campaña de marketing agresiva donde las haya, desde que se anunciara su existencia en el Comic.con de hace un par de ediciones. Su larga post-producción ha conseguido que su estreno se esperara con impaciencia… o eso se creía, porque a la hora de la verdad sus cifras han dejado bastante que desear al tratarse de un film que ha tenido un presupuesto desmesurado que se ha disparado por encima de los 300 millones de dólares. “Tron: Legacy” lleva camino de convertirse en un film tan incomprendido como lo fue su predecesor hace casi tres décadas. La historia se repite.

El debutante Joseph Kosinski, proveniente del mundo de los videojuegos, toma el testigo de Steven Lisberger haciendo que su film más que una secuela del original sea una revisitación del mismo realizada con más medios de la más rabiosa actualidad, logrando que la comparación de ambos nos haga pensar que en vez de 30 hayan pasado 300 años entre uno y otro. “Tron: Legacy” a grandes rasgos cuenta lo mismo que “Tron”, con el aditivo de un componente filosófico-existencial que no sólo no le hace ningún bien sino que supone los momentos en los que el film cae en un mayor ridículo. La primera, al menos, era un experimento sin grandes aspiraciones más allá de entretener, aunque lo cierto es que era algo aburrida.
Podría decirse que se trata de un film repleto de buenas intenciones que optó por seguir el camino fácil, el de enfocarlo para un público joven eligiendo a actores tan resultones como pueden ser Garrett Hedlum u Olivia Wilde como reclamo, aunque el personaje de la segunda no tenga ninguna solidez ni justificación. El apabullante espectáculo visual que en sí es el film queda malogrado por un guión totalmente previsible, sin garra, y el homenaje arriesgado y merecido a “Tron” (un film que al no ser una obra maestra precisamente sí que se prestaba a una reinterpretación) que podría haber dejado para la posteridad un film fantástico de referencia se queda en tierra de nadie. Ni molesta ni apasiona.

Afortunadamente Jeff Bridges decidió repetir el papel del programador Kevin Flynn, quien con el paso de los años se ha convertido en una especie de profeta zen pachorrón y conformista que poco tiene que ver con el Flynn arrogante e intrépido al que conocimos hace casi 30 años. Bridges, como siempre, cumple aunque “Tron: Legacy” no llenará de premios sus repisas. Más testimonial es la presencia de Bruce Boxleitner, que era Tron en la primera parte y que aquí supone un guiño sentimental al film precedente (a David Warner y Cindy Morgan ni siquiera se les brindó esta oportunidad). El ascendente Michael Sheen tiene a su cargo un breve papel totalmente prescindible en el que da rienda suelta a su histrionismo.

Mención aparte merece la “nemesis” de Bridges, ese Clu 2.0 que se ha extraído de la imagen que presentaba el célebre actor en el film “Contra todo riesgo” y que sí bien ha conseguido notables mejoras con respecto a films en los que ya trabajaron el crear personajes virtuales a través de los gestos y movimientos de conocidos actores como “Polar Express”, “Beowulf” o “Cuento de navidad”, no logra un absoluto realismo, la falta de brillo en los ojos (por fortuna) aún les distingue de los verdaderos actores. Bridges vence con facilidad al Bridges 2.0.
Si por algo sí pasará a la historia “Tron: Legacy” será por la magistral Ópera electrónica (con Obertura y Finale incluídos) que ha compuesto el dúo francés “Daft Punk” para el film que será fruto de estudio en un futuro. Una lástima que “Tron: Legacy” no tuviera la ambición de conformar un film para un público algo más exigente e intelectual porque ahora esos planes de hacer una trilogía pienso que se quedarán en el tintero.

LAS PROPUESTAS MÁS INTERESANTES PARA ENERO

2010-12-31T03:18:00.001-08:00

Aqui os presento el calendario de las propuestas más interesantes para el mes de enero. Empieza el año animadamente con el regreso de dos directores que se hacen desear mucho, James L. Brooks y Peter Weir. Brooks llevaba 6 años desaparecido tratando de olvidar ese desastre llamado "Spanglish" y que al menos sirvió para encumbrar internacionalmente a nuestra Paz Vega. Por su parte Weir llevaba apartado del mundo del cine 7 años, aunque su caso era totalmente opuesto, su último trabajo "Master & Commander" dejó la impresión tan maravillosa que suelen dejar sus films. Su impecable carrera le avala. Otra que no suele fallar es Icíar Bollaín y aunque su último trabajo "Mataharis" no gozara de tanta repercusión como otros anteriores, no se debió a su gran calidad. El británico Michael Winterbottom muda de piel con cada nuevo trabajo, aún pendiente a pesar de ser anunciado en varias ocasiones su anterior trabajo "La doctrina del shock" nos llega su debút dentro del cine independiente norteamericano con "El demonio bajo la piel", que viene además precedido por la polémica desatada por sus escenas de violencia explícita. Michel Gondry también suele sorprender, para mal en mí caso, sé que cuenta con todo un séquito de seguidores y aún así pienso que está muy sobrevalorado. El último cineasta clásico, Clint Eastwood, regresa con un film inesperado en su trayectoria que ha dividido a la crítica, su ex-guionista Paul Haggis no ha obtenido una respuesta más entusiasta precisamente con "Los próximos tres días", un entretenimiento que al menos cumple con su objetivo. En resumen, ojala todos los meses fueran como mínimo como este.

5 de enero:
- "Camino a la libertad", de Peter Weir.
- "Los próximos tres días", de Paul Haggis.
- "También la lluvia", de Icíar Bollaín.
14 de enero:
- "The green hornet", de Michel Gondry.
21 de enero:
- "Más allá de la vida", de Clint Eastwood.
- "El demonio bajo la piel", de Michael Winterbottom.
28 de enero:
- "¿Cómo sabes si...?, de James L. Brooks.

MUCHAS NATALIES PARA 2011

2010-12-25T16:06:00.001-08:00

Ahora que le llueven las mejores críticas de toda su carrera con "Cisne negro" de Darren Aronofsky se acaba de saber que Natalie Portman está a sus 29 años embarazada del que será su primer hijo. Este momento dulce con toda seguridad se completará con una nominación al Oscar en la categoría de actriz principal, la primera y única vez que aspiró a este premio fue hace 6 años por "Closer", aunque en aquella ocasión como actriz secundaria.

Pero a decir verdad Natalie nos tiene preparados para esta próxima temporada no uno sino varios estrenos y no todos ellos especialmente estimulantes. "Cisne negro" nos hará olvidar las indigestiones que pueden producirnos films como "The other woman", titulo con el que finalmente se conocerá a "Love and other impossible pursuits" en el mercado americano donde finalmente se estrenará en formato DVD. El film llega con un enorme retraso después de haberse estrenado en países como Rusia con escaso éxito.

También llegará "No strings attached", una comedia romantica en la línea de todas las simplezas que rueda su partenaire en el film Ashton Kutcher, quien en los 2'30 que dura el trailer aparece 2 sin camisa como acostumbra. "Your highness" que protagoniza junto a James Franco es lo nuevo del director de "Superfumados" o sea que poco cabe decir, se trata de un film ambientado en la edad media del tipo de humor de las películas de los hermanos Zucker y que no le pega nada al tipo de cine que hace - ¿o debería decir hacía? - Natalie.

Y aún hay más, porque nos queda aún dos películas de la generosa temporada que protagonizará Natalie Portman. Se trata de los film "Hesher", un film independiente que ha rodado junto al ascendente Joseph Gordon-Levitt y que ya ha podido verse en Sundance sin despertar excesivas emociones, y de su antítesis, "Thor", el film destinado a ser uno de los blockbusters del año con un presupuesto desmesurado.

Mucha Natalie por tanto pero no de la que a nosotros nos gusta.

UN GUÍA TURÍSTICO DE PRIMER ORDEN

2010-12-19T15:48:00.001-08:00

Para todos aquellos que quieran viajar a Nueva York y deseen planificarse una ruta cinéfila acaba de aparecer una herramienta indispensable para hacerlo. Se trata del libro "El Nueva York de las películas de Woody Allen" que han escrito al alimón María Adell y Pau Llavador, y en él recopilan hasta un total de 75 localizaciones que han ido apareciendo en la larga filmografía del cineasta neoyorquino. Se menciona el film en el que aparecía dicho escenario y se explica el modo en que llegar más fácilmente hasta él. Un modo, sin duda, muy original de visitar Nueva York y de tener delante lugares que has visto ya muchas veces antes a través de una enorme pantalla de cine.

Un regalo muy especial para todo un friki de cine y para cualquier amante de la ciudad que nunca duerme. El libro está editado por Electa a un precio muy asequible, unos 20 € aproximadamente. ¡Qué lo disfrutes!.

Neds (No educados y delincuentes)

2010-12-15T03:47:00.001-08:00

La faceta de Peter Mullan como director podría haber quedado en una mera anécdota de haberse rendido por la escasa notoriedad y distribución que tuvo su primer film, “Orphans” (1997), y no hubiese dirigido la desgarradora “Las hermanas de la Magdalena” (2002) – habiendo visto el film que nos ocupa puedo afirmar que éste sigue siendo el trabajo más sólido que hasta ahora ha firmado – que se llevó el premio gordo del Festival de Venecia, beneficiándose de la promoción añadida que esto supone. Ahora nos llega su tercer trabajo, “Neds”, que vuelve a ahondar, desde un angulo distinto, en la represión sufrida por los jóvenes en la Inglaterra de hace escasas dos décadas. “Neds” viene precedida por su éxito en el Festival de San Sebastián donde se alzó con la Concha de oro y un premio interpretativo para su desconocido protagonista Conor McCarron.

Con unos precedentes así sorprende comprobar que finalmente “Neds” no es un film especialmente memorable y que este retrato de la violenta y desencantada juventud del Glasgow de 1973 no resulta ni covincente ni emocionante. Carece por completo del realismo prototípico del cine de Ken Loach – cineasta con el que incansablemente se ha asociado estilísticamente este film – con el que Mullan consiguió su interpretación más laureada. Hablo, ¿cómo no?, de “Mi nombre es Joe” (1998).

La falta de credibilidad antes mencionada se debe al hecho de que las interpretaciones por lo general dejan mucho que desear (McCarron no está mal pero tampoco tan brillante como han tratado de hacernos ver), a que la historia resulta extremista y caprichosamente efectista, y al uso innecesario de situaciones ligeramente cómicas y de personajes paródicos – como el del padre borracho del protagonista que se reserva Mullan y que al parecer está ligeramente inspirado en su padre –. En “Las hermanas de la Magdalena” Mullan también se adjudicó un papel breve y poco agradecido.

“Neds” cuenta la historia de John McGill, un joven de familia humilde con mucha capacidad para los estudios que se ve superado por el entorno circundante - un padre violento y alcohólico, un hermano mayor que forma parte de una banda de maleantes y un grupo de amigos que tampoco son un ejemplo de sensatez precisamente – alejándose del buen camino para sumarse a esa preocupante gráfica de jóvenes desempleados enrabietados con la sociedad que les ha tocado vivir. Para Mullan la falta de una formación elemental unido a un ambiente poco propicio es garantía más que suficiente para que una persona elija el camino equivocado, el de la delinquencia y la marginalidad.

Durante dos horas seremos testigos de la rebeldía e insatisfacción de toda una generación, de las brutales peleas entra bandas, de las venganzas y de las traiciones que asolan en su seno. También conoceremos la sensación de miedo e impotencia que sufren sus familiares. Todo ello culminará en un poético plano final, tan aterrador como abierto a interpretaciones, que no cambiará el hecho de que “Neds” pese a su interés inicial terminé convertida en una pequeña decepción por despertar una serie de expectativas que finalmente no cumple.

La red social

2010-12-11T15:48:00.001-08:00

A estas alturas no cabe duda de que David Fincher es un realizador prácticamente infalible, sabe muy bien lo que el público demanda, y lo que es mejor, sabe perfectamente como presentárselo. Desde que debutara discretamente en “Alien 3” (1992), salvo contadas ocasiones, sus films han resultado novedosos, creativos y estimulantes, no obstante a pesar de no ser demasiado prolífico ya cuenta con al menos tres clásicos en su filmografía, “Seven” (1995), “El club de la lucha” (1999) – aunque afirmarlo siempre pueda resultar algo polémico para algunos –, y “Zodiac” (2007) en la que recuperó el espíritu de las mejores películas policiacas de los 70. “La red social” quizás nunca entre en este selecto club pero es un film de lo más interesante y de lo más conseguido… a pesar de las lógicas reticencias iniciales.

Esa desconfianza se debía al hecho de que los sucesos que se narran se produjeron apenas hace 6 años y por lo tanto carecen de la perspectiva que otorga la distancia, pero el ritmo que Fincher otorga a su film, el modo en el que éste está estructurado, sumado al portentoso guión de Aaron Sorkin (cabeza pensante de la serie “El ala oeste de la Casa Blanca”) hacen que el film se revele como una autentica sorpresa, muy convincente gracias al acertado elenco protagonista. Visto lo visto el binomio Fincher-Sorkin podrían hacer apasionante hasta un biopic sobre Paris Hilton.
“La red social” explica la génesis, la concepción y el crecimiento imparable del fenómeno social – si no el más importante sí el más lucrativo – más apabullante de la primera década del siglo XXI. El relato lejos de optar por el camino de la épica o el triunfalismo se muestra más interesado en mostrar la otra cara de la moneda, el de cómo la ambición, la falta de escrupulos y el dinero están siempre por encima de la amistad y de las buenas intenciones.

Marc Zuckerberg (un Jesse Eisenberg que borda a ese genio asocial y engreído recientemente elegido personaje más influyente del año) a raíz de un desengaño con la chica de sus sueño, Erica (Rooney Mara, la hermana de Kate, quién repetirá próximamente con Fincher en su adaptación de la trilogía “Millennium”) y también con unas pequeñas dosis de ingenio prestado o robado ( que cada no piense lo que quiera porque en el film tampoco le dan a ese detalle excesiva importancia) desarrolla una red para hacer contactos entre los alumnos de Harvard. Con el apoyo moral y el asesoramiento jurídico de Eduardo Saverin (estupendo Andrew Garfield, elegido para ser el próximo “Spiderman”) y con la aportación agresiva y desalmada que aporta el que fuera el creador de Napster, Sean Parker (Justin Timberlake en su mejor interpretación hasta la fecha) un ingenuo proyecto universitario terminará convirtiéndose en una compañía llamada Facebook que en 6 años tenía un valor de más de 25.000 millones de dólares. En esa vorágine de cifras, la deslealtad, los intereses y las demandas astronómicas están a la orden del día.

Basado en el libro “Billonarios por accidente” – en el que participó de manera activa el propio Eduardo, co-creador de Facebook caído en desgracia – sí es que a poseer un 0’3% de una empresa con ese capital se le puede llamar desgracia –, el film se centra en los litigios que afronta Zuckerberg – el multimillonario más joven del mundo – para ir ensamblando a modo de flashbacks los prolegómenos del origen del brillante invento y de su consiguiente conflicto.
Parte del merito del rítmo imprimido al film y de éste se pueda seguir con facilidad – y eso que contiene numerosas conversaciones tan aceleradas como la mente pensante de quien las pronucia, la mente de Marc - les corresponde a los dos montadores del film, Kirk Baxter (“El curioso caso de Benjamin Button”) y Angus Wall (“Zodiac” y “La habitación del pánico”), acostumbrados a recomponer todo lo que Fincher rueda y me consta que es mucho. También es interesante comprobar el resultado de la colaboración de un compositor con tan poco bagaje como Atticus Ross con Trent Reznor – líder de los “Nine Inch Nails” – quien por primera vez firma un score.

Aunque analizo este film con bastante retraso y ya sabiendo que ha sido considerado para 6 Globos de oro (película de drama, director, actor de drama, actor secundario, guión y banda sonora) opino que al final al film se la magnificará más de lo necesario porque está lejos de ser el film del año como algunos han llegado a catalogarlo. En resumen un film efectivo, que no brillante, que tiene la suerte de contar con la arquitectura fina y firme del mejor Aaron Sorkin, y ese Señor da una lección de cómo contar una historia aparentemente insustancial y sí que realmente se merece recibir un Globo de Oro y hasta un Oscar si me apurais. El joven reparto – magnífico, es cierto – tendrán mucho más contra lo que competir. Muy entretenida… pero tampoco nos pasemos de la raya con ella.

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XXIX)

2010-12-10T01:49:00.000-08:00

SANDRA MOZAROWSKY
Tánger (Marruecos), el 17 de octubre de 1958
Madrid (España), el 14 de septiembre de 1977

De padre ruso y madre española, Sandra pasó los dos primeros años de su vida en Tánger, su ciudad natal, para después trasladarse definitivamente a Madrid. La suya es una de las historias más tristes del cine español de la transición. Fue una de las muchas musas del destape junto a Nadiuska, Barbara Rey, María José Cantudo o Agata Lys. Debutó con sólo 9 años en “El otro árbol del Guernica” (1969), aunque no sería hasta 4 años más tarde cuando se concentró en su carrera como actriz en películas como “Lo verde empieza en los Pirineos” (1973), “El mariscal del infierno” (1974), “La noche de las gaviotas” (1975), “El libro del buen amor II” (1976), “Beatriz” (1976) – quizás el título de más peso en su corta filmografía –, “El espiritista” (1976), “Call girl: La vida privada de una señorita bien” (1976), “Hasta que el matrimonio nos separe” (1977) o “Abortar en Londres” (1977). El film rodado en México “Ángel negro” (1978) fue su última aparición en pantalla. También se la pudo ver en capítulos de las series “Cuentos y leyendas” o “Curro Jiménez”.
Ganaba medio millón de pesetas de la época por película pero era terriblemente infeliz por sentirse un objeto erótico, odiaba que en todo aquel guión que le enviaban implicara el tener que desnudarse. Su tendencia a engordar la trajo serios problemas personales que culminaron cuando Buñuel la rechazó por este motivo después de mostrar interés por ella para “Ese oscuro objeto del deseo”. Después de rodar en México expresó su deseo de no volver a desnudarse, de aprender inglés y de formarse como actriz. Pocos días después en circunstancias muy extrañas se cayó desde la terraza de su casa falleciendo después de pasar 23 días en estado de coma vegetativo. En menos de un mes habría cumplido 19 años.
Se dijo que Sandra seguía un régimen brutal – sólo tomaba un té y un plátano diario – y que se mareó al regar sus macetas cayendo al vacío, algo poco probable al ver unas fotos que se hiciera en la terraza aquel mismo verano de su muerte. También se especuló que podría haberse suicidado estando embarazada. Sea como fuere Sandra tardó muy poco en conocer el lado más superficial, amargo y cruel del mundo del cine.

Biutiful

2010-12-04T16:31:00.001-08:00

El cuarto film de Alejandro González Iñárritu después de los éxitos críticos de “Amores perros” (2000), “21 gramos” (2003) y “Babel” (2006) presenta algunas variantes respecto a los anteriores, la ausencia del guionista Guillermo Arriaga – la lucha de egos con el cineasta mexicano le hizo emprender su propio camino dirigiendo la interesante “Lejos de la tierra quemada” (2008) –, el prescindir del esquema de las tres historias independientes que se cruzan trágicamente en un punto – en “Biutiful” se tejen varias historias que siempre tienen que ver con un personaje central, el de Uxbal –, la elección de un único enclave geográfico en el que situar las tramas – después del caos logístico que debió suponer “Babel”, su film más ambicioso hasta la fecha –, y por último el otorgar a un solo actor – un omnipresente y magistral Javier Bardem – toda la carga dramática del film, y a la vez la responsabilidad de que el proyecto no naufrage. La trabajada actuación de Bardem es en gran medida responsable de que “Biutiful” sea una experiencia tan desoladora como necesaria.

El film nos ofrece una imagen de Barcelona muy diferente a la que vemos en las postales turísticas – es un reverso de “Vicky Cristina Barcelona” y algo similar a lo que Winterbottom hizo en “Genova”, por explicarlo de algún modo –, mostrando su lado más marginal, ruidoso y sucio. La Barcelona en la que cohabitan todo tipo de etnias y en la que las mafias sacan tajada de la economía sumergida, explotando a trabajadores ilegales que soportan condiciones infrahumanas.

Uxbal (un Bardem en estado de gracia como antes he mencionado) es un superviviente de los suburbios barceloneses, ejerce de intermediaro entre la policía corrupta y las mafias, y entre éstas y los inmigrantes que trabajan hacinados en talleres clandestinos. Uxbal además parece tener un don para comunicarse con los muertos, los mensajes que obtiene de ellos reconfortan a los familiares y así él obtiene otro dinero extra. Uxbal al igual que todos se aprovecha de la grave situación socio-económica en beneficio propio.
Si la vida laboral de Uxbal es a salto de mata, la familiar no está mucho más asentada. Cuida de sus dos hijos y evita en la medida de lo posible que éstos tengan demasiado contacto con su ex-mujer, Marambra (la debutante y sorprendentemente convincente Maricel Álvarez), alcóholica y con un acusado trastorno bipolar. En una visita al médico el frágil universo de Uxbal se desmorona, padece un cáncer de próstata terminal y cuenta con muy poco tiempo para enmendar sus muchos errores y para encontrar alguien decente que cuide de sus hijos y les mantenga alejados del ambiente tan putrefacto en el que viven. Esas personas, obviamente, no pueden ser ni Marambra ni su hermano Tito (Eduard Fernández), un cocainónamo que se dedica al trapicheo.

“Biutiful” es el drama desgarrador de un hombre enfrentado repentinamente a la recta final de su vida y de cómo los lazos familiares que le atan a la misma le hacen más difícil la partida. Uxbal piensa que su mal se debe a un castigo divino y lo que más le atormenta es pensar que sus hijos aún son pequeños y le necesitan, le desengaña el personaje interpretado por Ana Wagener en una de las frases más inspiradas del largo metraje: “tú nunca has cuidado de tus hijos, es el universo quien se encarga de cuidarlos”. A pesar de lo que pueda parecer “Biutiful” termina siendo más vitalista de lo que cabría imaginar y no se prescinde de unos pequeños rayos de esperanza.
Como bien dice Iñárritu la muerte no debería de ser un tabú, al fin y al cabo forma parte de la vida y da sentido a la misma. Forma parte del contrato que firmamos al nacer. Antes he mencionado que “Biutiful” es un film necesario y verdaderamente lo pienso porque tiene la valentía de mostrar los temores más humanos y porque sin caer en sentimentalismos tiene el coraje de mirar al diablo directamente a los ojos.

Trágica, melancólica, experimental – el uso del score de Gustavo Santaolalla es muy arriesgado y creativo -, nerviosa – el montaje de Stephen Mirrione, la fotografía de Rodrigo Prieto y el sonido de José Antonio García ayudan sobremanera a sumergirnos dentro de la pesadilla – incluso molesta – algunas conversaciones se integran entre capas y capas de ruido que a veces es hasta complicado seguirlas – llega a ser “Biutiful”, un film en el que nada es aleatorio, todo está calculado milimétricamente. Acceder al universo de González Iñárritu supone siempre un duro viaje emocional al que no todo el mundo está dispuesto a prestarse pero del que casi siempre se sale enriquecido. “Biutiful”, a pesar algunas opiniones que había leído antes de juzgar por mí mismo, se encuentra perfectamente integrada en el resto de su obra y está a la altura de la misma.

LAS PROPUESTAS MÁS INTERESANTES PARA DICIEMBRE

2010-11-30T04:13:00.001-08:00

Aqui os presento el calendario de las propuestas más interesantes para el mes de diciembre. Le emoción me invade, vuelvo a recobrar el entusiasmo y la ilusión por escribir aquí. Por primera vez en meses tengo el presentimiento de que pueda ser un mes de interés para todos los cinéfilos para así desconectar un poco de ese invento llamado Navidad. No se me ofendan, es que tengo un poco de aversión a ese ambiente tan falsamente buenrrollista, a toda esa hipocresía,...

Este mes seréis testigos del realismo social de la mano de Peter Mullan, de un thriller detectivesco de ambientación americana aunque de autoría francesa - Bertrand Tavernier -, de una historia de superación en el ámbito monárquico como es "El discurso del Rey", con un Colin Firth que sí nadie lo evita se llevará el Oscar a casa, de la actualización a todo lujo de detalles de un clásico de la ciencia ficción ochentera, "Tron" (1982), que aspira ser el "Avatar" de estas Navidades; del lado más surrealista y a la vez personal de Álex de la Iglesia en su trabajo más reconocido y premiado internacionalmente, "Balada triste de trompeta". Por último "Biutiful" nos quitará las ganas de vivir por esa costumbre que tiene Iñárritu de removernos hasta las entrañas. Un mes, por tanto, en donde elegir.

3 de diciembre:

- "Biutiful", de Alejandro González Iñárritu.

- "NEDS (No educados y delincuentes"), de Peter Mullan.

10 de diciembre:

- "When you`re strange", de Tom DiCillo.

17 de diciembre:

- "Tron: Legacy", de Joseph Kosinski.

- "En el centro de la tormenta", de Betrand Tavernier.

- "Balada triste de trompeta", de Álex de la Iglesia.

22 de diciembre:

- "El discurso del Rey", de Tom Hooper.

- "Ahora los padres son ellos", de Paul Weitz.

DÍA NEGRO PARA EL CINE

2010-11-30T02:53:00.000-08:00

Un día muy negro para el mundo del cine. El cómico Leslie Nielsen nos dejó a los 84 años, especializado y encasillado en las últimas décadas en películas de humor absurdo. Casi nadie ya recuerda que siendo un treintañero participó en una película de culto del fantástico de la década de los 50, "Planeta prohibido" (1956). Entre infinidad de trabajos televisivos tuvo pocas oportunidades de hacer papeles más serios y de más entidad, sólo cabe recuperar su participación en el segmento de "Creepshow" (1982) para darse cuenta que podría haber sido un buen actor dramático sí la saga de "Aterriza como puedas" (1981) no se hubiese cruzado por su camino. Desde entonces los encargados de bautizar los films en nuestro país no se complicaron demasiado la vida: "Agárralo como puedas" (1988) - y sus dos secuelas "2 y medio" (1991) y "33 un tercio" (1994), "Espía como puedas" (1996), "Acampa como puedas" (1997), "Asegúrate como puedas" (1998), "2001: Despega como puedas" (2000), "Esquía como puedas" (2001). Después de subirse tardiamente al carro de la franquicia "Scary movie" - participó en la tercera y cuarta parte - cerró su filmografía indignamente con la infame "Spanish movie" (2009) haciendo tandem cómico con un cómico semi-olvidado, Chiquito de la Calzada.

Si Irvin Kershner no hubiese dirigido "El Imperio contraataca" (1980) - unanimente señalada como la mejor de las 6 partes de la epopeya galáctica surgida de la mente de un visionario como es George Lucas - probablemente no sería recordado por ni una sóla de las pocas películas que dirigió para la gran pantalla. Es curioso que uno de sus primeros trabajos, "Refugio de criminales" (1961), compitiera para la Palma de Oro de Cannes y después no hiciera nada destacable hasta "Ojos" (1978). Dirigió el Bond apócrifo "Nunca digas nunca jamás" (1983) y cerró su filmografía con la secuela de "Robocop" (1990), en la que demostró oficio aunque sin acercarse ni de lejos al original de Verhoeven. Tenía 87 años.

Fue uno de los reyes de la comedia italiana, además de un importantísimo guionista. Mario Monicelli empezó dirigiendo al alimón con Stefano Vanzina y después con Steno - 9 con el primero y 8 con el segundo -las primeras entregas de la famosa saga "Totó" y sus primeros films de relevancia como "Vida de perros" (1950). En su etapa ya en solitario se engloban los films "Rufufú" (1958), "La gran guerra" (1959) - su trabajo más reconocido que optó incluso al Oscar a la película extranjera. Después en una carrera larga e irregular que no logró cumplir todas las expectativas destacaron "Camaradas" (1963), "La armada Brancaleone" (1966), "La ragazza con la pistola" (1968) o "Mortadela" (1971). Aunque se mantuvo en activo hasta casi el final de su vida sus películas apenas traspasaban nuestra frontera. Su último film aquí estrenado data de 1988. Tenía 95 años y contra todo pronóstico no falleció de muerte natural, se suicidó en el hospital en el que se trataba de un cáncer de próstata.

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XXVIII)

2010-11-18T16:36:00.000-08:00

MICHAEL L. BREA
Nueva York (USA), 1979

De origen hawaino, no sé si llamarle actor, aspirante de actor o simplemente figurante, porque de su tan cacareada participación en la exitosa serie “Ugly Betty” (2006-10) – producida por Salma Hayek, durante sus 4 temporadas desfilaron Vanessa Williams, Rebecca Romijn, Lindsay Lohan, Freddie Rodríguez, Gene Simmons o Debi Mazar – y en la película “Step up 3D” (2010) en el IMDB no hay constancia de ello y eso que allí acreditan hasta al que llevó el papel higiénico al baño. La noticia por la que saltó a luz no fue por el hecho de que en un capítulo del mencionado culebrón se cruzase por la calle con el personaje de Betty, ni tampoco porque a sus 31 años aún compartiera piso con su madre en un barrio neoyorquino marginal. Brea se hizo muy popular por motivos ajenos a la actuación; un día de repente perdió la razón y le cortó la cabeza a su madre con una espada samurái. En los muslos de pollo que cocían a fuego lento en la cocina creyó ver indicios de prácticas de magia negra a la vez que una voz le pedía que matara al demonio que su madre llevaba dentro. Este macabro suceso le hizo célebre aunque no del modo que él hubiese deseado.

ADAM SANDLER OBJETO DEL DESEO DE... ¡¡SANTIAGO SEGURA!!

2010-11-14T16:53:00.001-08:00

En vista de que el público no acepta de buena gana sus intentonas de cambio de registro ("Embriagado de amor", "En algún lugar de la memoria" o la interesante "Hazme reír"), Adam Sandler vuelve a lo que más gusta y a lo mejor (se supone) sabe hacer, películas chorras. Con o sin la ayuda de sus amiguetes Kevin James, David Spade o Rob Schneider, Sandler se está echando a la espalda toda una larga ristra de comedias insustanciales que curiosamente después de reventar taquillas en tierras norteamericanas pasan bastante desapercibidas en casi toda nuestro continente.

Sandler con el apoyo financiero de su propia productora Happy Madison y con la complicidad del mediocre realizador y ex-actor Dennis Dugan muy experimentado también en la comedia bufa - de hecho ya se hizo cargo de las anteriores "Un papá genial", "Os declaro marido y marido", "Zohan, licencia para peinar", "Niños grandes" y la aún inédita "Just go with it" en la que Sandler se ha rodeado de Jennifer Aniston y Nicole Kidman - se ha embarcado en el rodaje de una nueva, "Jack and Jill" en la que se atreve a encarnar a una pareja de hermanos mellizos, al más puro estilo Eddie Murphy.

Se trata de una mezcla de comedia romántica y disparatada que explota las posibilidades que pueden derivar de la tradicional celebración del día de acción de gracias, cuando el hermano Jack, un hombre asentado de familia, recibe la visita de su hermana Jill, un autentico torbellino que pone patas arriba todo a su paso. Lo más interesante del proyecto viene al conocer que uno de los pretendientes de la hermana en cuestión será ni más ni menos que nuestro Santiago Segura - estandarte de la comedia casposa por excelencia - que prosigue paso a paso su carrera internacional después de sus breves apariciones en "Perdita Durango", "Blade II", "Superangente Cody Banks 2", "Manolete" o "Hellboy II: El ejército dorado".

Junto a Sandler y Segura estarán Katie Holmes, el cómico Dana Carvey, además de las breves apariciones de Shaquille O'Neal y Al Pacino, que hacen breves cameos autoparodiándose. Segura cumple así el sueño de Javier Bardem, trabajar con su idolatrado Al Pacino, aunque es poco probable que ambos compartan un sólo plano. Es, al menos, esperanzador saber que de Pacino nos esperan para el año que viene títulos muchos más interesantes realizados por Dito Montiel o James Foley.

TERRENCE MALICK PROLÍFICO A SUS 67 AÑOS

2010-11-11T04:49:00.001-08:00

Terrence Malick es un cineasta atípico, personal, independiente y con un ritmo de trabajo muy, muy sosegado. El rodar tan sólo 5 películas en 36 años indica lo meticuloso que es para decidir cual será su siguiente proyecto. Su breve obra le ha definido como un artista apasionado por la naturaleza, la cual recrea de manera poetica y la integra de modo natural en la historia y entre los personajes. Su primer film fue "Malas tierras" (1974), una sangrienta road movie en la que retrataba el carácter rebelde y contestario de la juventud americana inspirándose en hechos reales acontecidos en la década de los 50. Las tierras baldías a que hacía mención el título eran los paisajes áridos y accidentados de Montana, estado en el que rodaron unos jovencísimos y entonces desconocidos Martin Sheen y Sissy Spacek.

"Días del cielo" (1978) era un drama rural ambientado en el Texas de primeros del siglo XX de una belleza hipnótica que vuelve a reincidir sobre lo más desfavorecidos de la sociedad. Un film existencialista y filosófico que habla sobre la amistad, la soledad y el paso inexorable del tiempo. Después de este film que le dio sus primeros oportunidades a Richard Gere, Sam Shepard y a la hoy olvidada Brooke Adams, y que otorgó un Oscar al español Nestor Almendros por su brillante fotografía, vendrían 20 largos años de silencio.

El fílm bélico "La delgada línea roja" (1998) era un mirada reflexiva y poetica sobre los horrores de la guerra y del daño psicológico que los soldados sufren. Enmarcada en una misión suicida de la Segunda Guerra Mundial, la toma de una colina en la salomónica isla de Guadalcanal. Malick, como siempre, estaba más interesado en prestar atención a los pensamientos de los soldados y en dar relevancia a la preciosista contemplación de los fastuosos escenarios naturales. El drama no se libraba en el campo de batalla sino en el interior de cada persona. El nutrido reparto estaba formado por Jim Caviezel, Sean Penn, John Cusack, Nick Nolte, Woody Harrelson, Elias Koteas y unos desaprovechados George Clooney, Adrien Brody y John Travolta cuyos trabajos se quedaron en su mayoría en la mesa de montaje.

Su siguiente trabajo no se hizo esperar tanto, siete años, un suspiro tratándose del Sr. Malick, "El nuevo mundo" (2005) no era sino la adaptación fílmica de un mito muy arraigado en la cultura norteamericana, el de Pocahontas, la nativa americana que se enamora del británico John Smith, en medio de un escenario tan poco idílico como el de la America colonial de primeros del siglo XVII. Hermosa y preciosísta, como no podía ser de otro modo, no obtiene todo el respaldo de la crítica que no la eleva a la categoría de sus predecesoras. Sus protagistas fueron Colin Farrell, un fugaz Christian Bale, la debutante Q'orianka Kilcher y un portentoso Christopher Plummer.

Malick que aún está ultimando la post-producción de un extraño film con elevadas cotas de fantasía rodado hace más de dos años con Sean Penn y Brad Pitt, "The tree of life" y que no se verá hasta el año que viene, sorprende iniciando en Oklahoma la filmación del que será su nuevo trabajo y que aún no cuenta con título. Malick amante de los secretos tan sólo ha desvelado que se tratará de un film romántico, ambientado en el sur de Estados Unidos y que estará protagonizado por Ben Affleck - sustituyendo al inicialmente anunciado Christian Bale -, Rachel McAdams, Javier Bardem - quien ha reconocido haberse reunido con el cinesata y a pesar de ello desconocer casi por completo la naturaleza del proyecto en el que se ha embarcadao -, Rachel Weisz y la rusa Olga Kurylenko.

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XXVII)

2010-11-10T17:02:00.001-08:00

BORIS SAGAL
Yekaterinoslav (Rusia), el 18 de octubre de 1917
Portland, Oregon (USA), el 22 de mayo de 1981

Director basicamente televisivo que emigró desde lo que hoy es Ucrania y que desde mediados de los 50 dirigió infinidad de capítulos para series de todo tipo como “Mike Hammer” (1959), “Mr. Lucky” (1960), “Peter Gunn” (1960), “Naked city” (1961), “Dimensión desconocida” (1961), “Los vengadores” (1961), “El Doctor Kildare” (1962) – precisamente a su protagonista Richard Chamberlain le ofrecería su primer papel cinematográfico en “A cualquier precio” (1963) - , “El agente de C.I.P.O.L” (1967), “Centro médico” (1969), “Audacia en el juego” (1970), “Colombo” (1972), “Ironside” (1974), “Hombre rico, hombre pobre” (1976) y “Ike” (1979). Su fama de solvente, económico y rápido artesano televisivo oscureció una breve y discreta carrera cinematográfica que comenzó con la desconocida “The crimebusters” (1961), después llegarían “Dime with a halo” (1963), un intento por parte de la MGM de explotar a un actor infantil mexicano de efímera carrera, Manuel Padilla; la anteriormente citada “A cualquier precio” (1963), el western “Las pistolas del diablo” (1964), “Girl happy” (1965) – uno de los muchos films que se rodaron al servicio de Elvis Presley y que tan flaco favor le hicieron - , la de sobra conocida “Cita en París” (1966), las bélicas y absolutamente prescindibles "Escuadrón Mosquito” (1969) y “La incursión de mil aviones” (1969), y su obra más conseguida y recordada “El último hombre… vivo” (1971), todo un clásico del cine post-apocalíptico que orígino un remake de éxito más de 30 años después a cargo de Will Smith. “Angela” (1978), protagonizada por Sophia Loren, puso el punto final a su corta filmografía para la gran pantalla. Charlton Heston contó en su biografía el carácter tan difícil que tenía Boris y lo complicado que se lo puso a todo al equipo de “El último hombre… vivo”, con los años este carácter colérico del director se acrecentó hasta tal punto que volviendo de rodar unos planos aéreos para la miniserie protagonizada por Rock Hudson “World War III” (1982) estaba tan concentrado discutiendo con el cámara que no se percató que al girarse se había metido directamente en el ángulo de giro de la hélice de cola del avión. El escenario de tan dantesco espectáculo fue el Hotel de montaña Timberline Lodge en Oregón - allí enmarcó Kubrick la acción de la mítica “El resplandor” - , allí los miembros presentes del equipo de rodaje vieron como le era seccionada la cabeza a Boris. Al día siguiente el rodaje se reanudaba con otro director al frente, el también televisivo David Greene (“Raíces”, “Alerta roja: Neptuno hundido”). Boris tuvo tres hijos, todos ellos relacionados con el mundillo del cine, la más conocida es Katey, la madre de pelo cardado de la sitcom “Matrimonio con hijos” (1987-97).

VUELVE DAVID "EL MANIACO " O. RUSSELL

2010-11-07T17:50:00.001-08:00

El realizador neoyorquino David O. Russell desde su debút en el largo "Spanking the monkey" (1994) - inédita en nuesto país y ganadora del Premio del público en Sundance, su título podría traducirse como "Zurrando al mono" - se ha caracterizado por darse ínfulas de cineasta pseudointelecual con una mirada pretendidamente existencialista que nunca ha terminado de convencer, aunque en pequeños círculos pretendan otorgarle la categoría de "director de culto" lo cierto es que su breve filmografía no tiene la consistencia para denominarle como tal. Su fama de persona meticulosa hasta extremos inimaginables no han hecho otra cosa más que engordar su leyenda negra.

"Flirteando con el desastre" (1996) el film con el que le descubrimos anticipaba ese gusto por lo esperpéntico, por lo grotesco, que sin embargo no llegaba a echar por tierra un intento lo suficientemente digno. También dejaba constancia de su poder de convocatoria para reclutar repartos plagados de estrellas (Ben Stiller, Patricia Arquette, Tea Leoni, Alan Alda, Richard Jenkins, Mary Tyler Moore, Josh Brolin, George Segal, ...). Con menos pretensiones autorales y mayores comerciales llegaba tres años después "Tres Reyes", con la guerra del Golfo como eje central de un film en el que tenían cabida el cine de acción, la comedia y hasta la crítica política.

Después llego la madre de todos los desmadres, "Extrañas coincidencias" (2004) con un reparto compuesto por el insoportable Jason Schwartzman - el cual sí cuenta con una carrera cinematográfica será por el influjo de ser sobrinísimo de Coppola, porque talento tiene 0 - Jude Law, Naomi Watts, Isabelle Huppert, Mark Wahlberg, Lily Tomlin y Dustin Hoffman, film pretencioso, excentrico, insufrible, insoportable y demencial, que únicamente se recordará por una supuesta broca - aún no tengo muy claro si no se tratará de un montaje - en la cual Russell pierde los papeles después de que Lily Tomlin se equivoque en varias ocasiones, volviéndose loco por completo (véase en Youtube).

Después de varios proyectos fallidos que se vio obligado a abandonar - "Nailed" con Jake Gyllenhaal y Jessica Biel, entre otros - próximamente nos llegará su nuevo film, "The fighter" un drama ambientado en el mundo del boxeo con Mark Wahlberg, Christian Bale y Amy Adams. Wahlberg tiene a su cargo el papel del boxeador Dickie Eklund y Bale el de su hermano y entrenador Dickie, adicto al crack y con problemas con la mafia por sus deudas. A la vista está que el film propone otra ocasión de lucimiento para Bale, quien ha perdido mucho como ya hiciera en "El maquinista", que robará más de una escena al menos talentoso Wahlberg. Lo próximo para este director tan imprevisible será la adaptación cinematográfica del videojuego "Uncharted: Drake's fortune".

* "The fighter" que se estrena el 1o de diciembre en USA aún no cuenta con fecha de lanzamiento en nuestro país.

LOS PRIMEROS PASOS DE...

2010-11-03T17:21:00.001-07:00

Cuatro nombres que estarán de plena actualidad este mes de noviembre, todos ellos con mucho futuro por delante y casi todos con un buen bagaje a sus espadas, tres americanos y una británica, australiana de adopción. Denzel Washington (55), Robert Downey, Jr. (45), Naomi Watts (42) y Jeremy Renner (39). Hoy podrás conocer sus primeros pasos en el mundillo cinematográfico cuando no eran más que una pandilla de novatos.

JEREMY RENNER

Hace un año era un completo desconocido por estos lares aunque su rostro inconscientemente nos sonase sin saber muy bien de qué. Lo cierto es que la inquietante apariencia de Jeremy ya había sido utilizada para personajes claramente negativos como los de "North Country" (2005) o "Verdades ocultas" (2005), para reforzar el protagonismo de Colin Farrel en "S.W.A.T: Los hombres de Harrelson" (2003) o de Brad Pitt en "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford" (2007), para asumir el rol del héroe de la función en "28 semanas después" (2007) o para ser el invitado especial de capítulos sueltos de series tan conocidas como "C.S.I." o "House". Nada habría bastado sí Kathryn Bigelow no hubiese pensado en él para encarnar a ese sargento artificiero adicto al peligro de "En tierra hostil" (2008), el film que le ha hecho empezar a jugar en otra liga después de haber sido incluso considerado para el Oscar. Después de su efímero periplo televisivo en la maltratada "The unusuals" (2009) su rostro seguirá haciéndoselas pasar putas a los personajes protagonistas de "Ciudad de ladrones" y de "Mission: Impossible 4", esa nueva secuela de una franquicia que todos creíamos agotada. Los comienzos de Jeremy se enmarcaron dentro de la comedia juvenil teniendo como poco honroso debút una enésima continuación de aquel "Desmadre a la americana" setentero que ahora aparecía en las estanterias de los videoclubs bajo el título de "Desmadre sobre ruedas" (1995) con un jovencito Jeremy Renner que ya destacaba por su cara de cabroncete.

* Editada hace tres lustros "Desmadre sobre ruedas" resulta ahora complicada de encontrar. Visionarla por internet es la otra posibilidad que queda.

DENZEL WASHINGTON

Es el actor afroamericano por excelencia (con permiso de Morgan Freeman), ganador de 2 Oscar de la Academia y con una larga carrera a sus espaldas en la que se encuentran títulos como "Tiempos de gloria" (1989) - su primer Oscar - , "Cuanto más, mejor" (1990), "Malcolm X" (1992), "Philadelphia" (1993), "Fallen" (1998), "Huracán Carter" (1999), "Training day" (2001) - su segundo Oscar - , "El mensajero del miedo" (2004) o "American Gangster" (2007). Su fidelidad hacía el director Tony Scott, con el que ha rodado 5 films, no le está haciendo mucho bien a su carrera y ahora lucha contra un tren descontrolado en "Imparable" (2010) cuando hace poco más de un año hizo prácticamente lo mismo con un vagón de metro en "Asalto al tren Pelham 1 2 3" (2009). Aunque muchos ya le tenían más que visto a raíz de su larga participación en la serie "St. Elsewhere" (1982-88), en la cual se mantuvo durante sus seis temporadas, desconocen que Denzel tuvo su primera y olvidable oportunidad en el cine y dentro de la comedia, un género en el que ha demostrado no estar muy capacitado. El film en cuestión era "Llámame Mr. Charly" (1981) y un flacucho Washington hacía una imposible pareja cómica con el veterano George Segal.

* "Llámame Mr. Charly" se editó en 2004 en zona 1 pero en nuestro país desde su meteórico estreno en salas nunca más se supo.

ROBERT DOWNEY, JR.

Si hubiera que poner un ejemplo de pasado turbio, ese sería el suyo, pero sí de lo que hablamos es de redención, también tendríamos que citarle porque su resurreción ha sido progresiva, inesperada y en este momento imparable. En lo que llevamos de año Robert ha estrenado hasta 4 films: "Sherlock Holmes", "El solista", "Iron Man 2" y "Salidos de cuentas". Entre 1996 y 2002 su vida pasó a ser de dominio público debido a sus continuas detenciones, encarcelamientos, rehabilitaciones de las drogas y recaidas; y su merecida fama de actor problemático e irresponsable le hicieron exiliarse durante un tiempo a la pequeña pantalla en donde colaboró en la serie "Ally McBeal" de la que fue despedido después de uno de sus muchos escándalos. La carrera de Downey, Jr. no se vislumbraba tan interesante cuando pertenecía a la nómina de actores de la factoría John Hughes pero el film "Golpe al sueño americano" (1987), en la que irónicamente encarnaba a un drogadicto, hizo que se le empezara a mirar con otros ojos. Desde entonces su talento natural se ha visto reconfirmado en films como "Chaplin" (1992), "Vidas cruzadas" (1993), "Asesinos natos" (1994), "Jóvenes prodigiosos" (2000), "Kiss kiss, bang bang" (2005), "Memorias de Queens" (2006) o "Zodiac" (2007). El éxito mundial de la adaptación fílmica del cómic "Iron Man" (2008) le ha dado una segunda vida artística a alguien desde niño vinculado al mundillo del cine por la influencia de su padre, el realizador televisivo Robert Downey, quien aparte de inculcarle su pasión por los porros le dio su primer papel a los 5 años de edad en "Pound" (1970), poniendo en boca de su hijo frases tan meritorias e inspiradas como: "¿tienes pelos en los huevos?".

* El film "Pound" centrado en una perrera carece de cualquier tipo de interés y no está editado afortunadamente en ningún punto del globo terraqueo.

NAOMI WATTS

Inglesa aunque emigrada a Australia con 14 años se trata de una actriz que no necesita presentación desde que David Lynch le eligiera como protagonista de uno de sus delirios fílmicos, "Mulholland drive" (2001). Naomi, al contrario que su compañera de reparto, supo abrirse camino inteligentemente alternando títulos claramente comerciales como "La señal" (2002), "Tránsito" (2005) o "King Kong" (2005), con otros más experimentales y arriesgados como "21 gramos" (2003), "Extrañas coincidencias" (2004) o "Funny games" (2007). Sus elecciones son tan estudiadas que a pesar de juventud puede presumir de haber trabajado con David Lynch, James Ivory, Alejandro González Iñárritu, Peter Jackson, David Cronenberg, Michael Haneke, Rodrigo García, Tom Tykwer o Woody Allen. Su último estreno es "Caza a la espía" (2010) un thriller político algo manido. Naomi se pasó toda la década de los 90 tratando de hacerse un hueco en el cine australiano, la primera ocasión que tuvimos aquí de verla - aunque en formato VHS - fue gracias al cineasta John Duigan con el film "Flirting" (1991) - aquí rebautizado como "La primera experiencia" - y cuya edición poco tenía que ver con el hecho de que en su reparto estuviera Watts, se trataba en realidad de aprovechar el éxito que su protagonista Nicole Kidman acababa de obtener con dos films, "Calma total" y "Días de trueno". En "Flirting" Duigan nos descubrió algo que desconocíamos, que Naomi Watts puede dar el pego de fea, además de descubrirnos a otra futura estrella, aunque en menor medida, Thandie Newton.

* "Flirting" nunca se editó en DVD en nuestro país, únicamente puede encontrarse en zona 1.

LAS PROPUESTAS MÁS INTERESANTES PARA NOVIEMBRE

2010-10-27T16:19:00.001-07:00

Aqui os presento el calendario de las propuestas más "interesantes" para el mes de noviembre. En esta ocasión mis recomendaciones no son más que elucubraciones porque realmente no confio demasiado en las posibilidades de la mayoría de estrenos que aquí cito. Quiero mantener distraidos a mis fieles pero tampoco quiero que se lleven amargas sorpresas, por eso el que avisa no es traidor, si no disfrutas con las animaladas de los "Jackass" ni con el humor facilón de "Salidos de cuentas", "Cyrus" o "Los otros dos" es probable que este mes tengas que buscarte otros ocupaciones. Con un panorama así no apetece ni escribir....

5 de noviembre:

- "Caza a la espía", de Doug Liman.

- "La mosquitera", de Agustí Villa.

12 de noviembre:

- "Scott Pilgrim contra el mundo", de Edgar Wright.

- "Bon appétit", de David Pinillos.

- "En el camino", de Jasmila Zbanic.

19 de noviembre:

- "Circuit", de Xavier Ribera Perpiñá.

- "The way", de Emilio Estevez.

26 de noviembre:

- "Chloe", de Atom Egoyan.

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XXVI)

2010-10-16T16:21:00.001-07:00

HAING S. NGOR
Samrong Young (Camboya), el 22 de marzo de 1940
Los Ángeles, California (USA), el 25 de febrero de 1996

La actuación se cruzó en la vida de Haing de la manera más casual debido a que conoció de buena mano la crueldad del Regimen de los Jemeres Rojos en su Camboya natal. Él como cirujano y ginecólogo que era tuvo que ocultar su formación académica ya que el Regimen militar hostigaba especialmente a los profesionales e intelectuale. Finalmente fue confinado en un campo de concentración en donde tuvo que soportar el presenciar la muerte de su esposa embarazada por no recibir una cesarea que él podría haberle efectuado perfectamente. De hacerlo Haing se habría delatado y habría sido asesinado junto a su esposa por ocultar su ocupación.
Ya viviendo en Estados Unidos se le presentó la oportunidad de dar a conocer al mundo los genocidios cometidos por la organización guerrillera camboyana conocida como los Jemeres Rojos entre los años 1975 y 1979 a través del film “Los gritos del silencio” (1984), que recibió 3 Oscar de la academia, uno de ellos para Haing como actor secundario por su convincente y conmovedor debút.
A partir de entonces compaginó su profesión de ginecólogo con sus intermitentes apariciones en pantalla en films generalmente de escasa entidad de los que destacan especialmente “El triangulo de acero” (1989), la hoy olvidada y estimable “Mi vida” (1993) y “El cielo y la tierra” (1993), film con el que Oliver Stone cerró su trilogía sobre la Guerra del Vietnam. En la pequeña pantalla se le pudo también ver habitualmente en series como “Corrupción en Miami”, “Hotel”, “Autopista hacia el cielo” o “Playa de China”.
En febrero de 1996 Haing fue asesinado por una pandilla de jovenes que quiso robarle y a los que se negó a darle un objeto que contenía una foto de su difunta esposa, al menos aquella fue la versión oficial porque muchos quisieron ver en esa cobarde acción un ajuste de cuentas por parte de militantes supervivientes de los Jemeres Rojos. Un final demasiado injusto para alguien que había pasado tantas penalidades en su Camboya natal y que había emigrado a los Estados Unidos con la idea de poder llevar una vida tranquila y digna.

PAUL HAGGIS SE PONE AL SERVICIO DE UN REMAKE FRANCÉS

2010-10-14T16:35:00.001-07:00

Parece increible que el talento de un guionista como Paul Haggis al que la mayoría descubrimos a merced de sus trabajos con Clint Eastwood ("Million dollar baby" y "Banderas de nuestros padres") o por ser uno de los muchas manos que revisaron el que probablemente sea uno de los mejores Bond de todos los tiempos ("Casino Royale") desarrollara su talento en series televisivas tan dispares como "Rumbo al Sur", "La ley de Los Ángeles" o... ¡"Walker, Texas Ranger"!. Está claro que a veces se puede encontrar un lingote de oro en medio de estercolero.

Su lanzamiento a raíz, como he dicho de trabajar con Eastwood, fue meteórico ya que el mismo año ya realizaba su primer film como realizador, "Crash" (2004), una celebrada historia coral sobre el racismo y la inmigración que obtuvo el Oscar a la mejor película de su año. Tres años después llegó un film muy distinto, "En el valle de Elah", una dura crítica al grado de desgaste físico y emocional al que son expuestos los soldados americanos destinados en Iraq. Ahora con un intervalo de otros tres años llega su tercer trabajo y también éste se distancia sustancialmente de los dos precedentes.

El motivo principal porque no se trata de un guión original sino de un remake de un film francés de reciente estreno - "Pour elle" interpretado hace un par de años por Vincent Lindon y Diane Kruger e inédito en nuestras pantallas - en el cual una mujer es acusada injustamente de asesinato y su marido tratará durante 3 días de hacer todo lo q esté en su mano para demostrar la inocencia de su esposa sobre la que pesa una condena de 20 años. "Los próximos 3 días" es un acelerado thriller que cuenta como mayor aliciente la presencia de un actor tan comercial como es Russell Crowe, que se ha separado un rato de Ridley Scott para probar retos nuevos, al que secundan la cada vez más interesante Elizabeth Banks - una actriz que dará mucho que hablar y no a mucho tardar -, la bella y cada vez más cotizada Olivia Wilde, el veterano Brian Dennehy - al que verle en la gran pantalla es siempre un motivo de alegría ya que cada vez es menos frecuente - , y el ubicuo Liam Neeson - el cual tras su reciente viudedad ha reactivado su carrera y no para de trabajar, en lo que llevamos de año lleva, contando este film que llegará a nuestras pantallas el 5 de diciembre, 5 films: "Crónica de un engaño", "Cinco minutos de gloria", "Furia de titanes" y "El equipo A". Teniendo en cuenta que tiene un par de films atrasados, sería posible que no fuera el último film de Neeson que viera la luz en este fecundo 2010.

Aunque "Los próximos 3 días" a todas luces no parece un film muy personal en la carrera de Haggis es probable que sea al menos un entretenimiento digno de cara a las navidades. ¡Veremos!.

Machete

2010-10-11T16:18:00.001-07:00

La columna vertebral de este film se ideó hace 18 años, mucho antes de que se encajara como falso trailer – para muchos mejor que el propio film al que antecedía – del segmento que Robert Rodríguez orquestó para esa sesión doble conocida como “Grindhouse” (2007) y que en nuestro país llegó desmembrada debido al inesperado pinchazo en el mercado USA, con la intención así de hacer doble caja con este homenaje a la serie B de los años 70 y con el ligeramente superior que rodó Quentin Tarantino.

Mucho antes de que una película de exiguo presupuesto como “El mariachi” (1992) – que costó unos 7.000 dólares de la época – le convirtiera en un reconocido – más por el público que por la crítica – cineasta surgido de tierras mexicanas, ya estaba en la mente de Rodríguez el generar una corriente similar al “blackexplotation”, un cine meramente afroamericano en el que entremezclaban un cine policíaco con dósis de sexo gratuito y que tuvo su propio mercado a primeros de los 70. “Machete” es – como en su día fuera “Las noches rojas de Harlem” (1971) – la punta de lanza de ese intento por internacionalizar la cultura tex-mex y de instaurar un héroe de acción mexicano representado por ese taciturno, musculado, tatuado y bigotudo que incorpora el veterano Danny Trejo, en su primer papel protagónico.

Si “Planet terror” ya era un festival de referencias al cine fantástico de bajo presupuesto y un delirio desmesurado donde los haya, “Machete” va aún más allá recuperando al Rodríguez más incorrecto, salvaje y sangriento. Detrás de los litros de hemoglobina y de los kilos de casquería el film cuenta con una crítica implacable al gobierno americano y a sus leyes de anti-inmigración. Resulta increible que al público americano pudiera divertirle la imagen de que ellos se da en “Machete”, de hecho no debió hacerles demasiada gracia porque las recaudaciones allí obtenidas no han cumplido en absoluto con las expectativas.

Machete (el omnipresente Danny Trejo), es un agente federal que trata de acorralar a un importante capo de la mafia, Torrez (un Steven Seagal con un sobrepeso preocupante y con el mismo rostro mimético de siempre) quien para dejar las cosas claras de quien es el que verdaderamente manda, mata a su mujer y su hija delante de él. Años después Machete trata de vengarse de Torrez en medio de un ambiente muy crispado por la campaña política del Senador McLaughlin (un Robert de Niro muy fuera de lugar) en contra de los mexicanos a los cuales considera poco menos que cucarachas, y por los sangrientos metodos de frenar a los espaldas mojadas por parte del Sheriff Stillman (un recuperado Don Johnson).
Mientras tanto la agente Sartana (Jessica Alba, una habitual ya del cine de Rodríguez), trata de destapar una red ilegal de inmigración liderada por Luz (encarnada por la machuna pero bellísima Michelle Rodríguez). Machete recibe un lucrativo encargo por parte de un importante empresario (Jeff Fahey, que también aparecía en el trailer primigenio): asesinar al Senador McLaughlin. Pero cuando descubra que se trata todo de una trampa a Machete no se le ocurrirá otra cosa que seducir a la mujer (Alicia Rachel Marek) y la hija (una Lindsay Lohan que se ríe de su imagen díscola disfrazándose de monja) del empresario como venganza, porque a Machete en artes amatorias no hay quien le haga sombra.

Si algo hay que alabarle a “Machete” es la capacidad que tienen los actores para reírse de sí mismos, los ya citados más Cheech Marin – que interpreta a un cura muy atípico – y el maquillador Tom Savini, quien ya hizo una impagable aparición en “Planet terror”. El film tiene también la osadía de meter la barbarie suficiente como para hacer que muchos espectadores salgan indignados de las salas si no saben muy bien lo que han ido a ver; y de incluir diálogos que en muchas ocasiones rozan lo risible, pero es que “Machete” no está hecha para que nos la tomaramos en serio, es puro divertimento hiperviolento como en su día lo fuera “Kill Bill”, otra historia de venganza al fin y al cabo, aunque el poso que dejaba aquella no lo deja el film que nos ocupa. Creo que acerté cuando comenté a un amigo que “Machete” me divirtió aunque habría podido sobrevivir perfectamente a no verla, porque aún con esa crítica implícita, la realidad es que el film es totalmente intrascendente.

LOS ACTORES MÁS STONIANOS

2010-10-09T15:24:00.001-07:00

Oliver Stone sorprendió a propios y extraños decidiendo hacer una secuela de "Wall Street" 23 años después de aquella y aprovechando la negativa y prolongada situación económica mundial. Ahora que el film ha llegado a nuestras pantallas sin levantar demasiada polvareda es buen momento para recuperar las caras más habituales que hemos podido ver a lo largo y ancho de la obra de tan polémico y discutible cineasta. Aunque lo cierto es que Stone nunca ha tenido ningún actor fetiche claramente identificable con su persona, quizás el problema es que los actores una vez concluido el rodaje juran y perjuran no volver a trabajar con un director con tanta fama de tirano como los dictadores que tanto venera. Por cierto, que gran suerte que Charlie Sheen esté atado y bien atado a la pequeña pantalla así no se encargará de malograr más películas del cada vez más melenudo Stone (¿No me digáis que no os habíais dado cuenta que sus claridades habían desaparecido por arte de magia?).

3 VECES:

- Charlie Sheen

("Platoon", "Wall Street" y "Wall Street: El dinero nunca duerme").

3 VECES:

- Tommy Lee Jones

("JFK", "El cielo y la tierra" y "Asesinos natos").

3 VECES:

- James Woods

("Salvador", "Nixon" y "Un domingo cualquiera").

2 VECES:

- Michael Douglas

("Wall Street" y "Wall Street: El dinero nunca duerme").

2 VECES:

- Willem Dafoe

("Platoon" y "Nacido el 4 de julio").

2 VECES:

- Tom Berenger

("Platoon" y "Nacido el 4 de julio").

2 VECES:

- Anthony Hopkins

("Nixon" y "Alejandro Magno").

2 VECES:

- Val Kilmer

("The Doors" y "Alejandro Magno").

2 VECES:

- Bruce McGill

("La mano" y "W.").

2 VECES:

- Kevin Dillon

("Platoon" y "The Doors").

2 VECES:

- Frank Whaley

("The Doors" y "World Trade Center").

2 VECES:

- Josh Brolin

("W." y "Wall Street: El dinero nunca duerme").

2 VECES:

- Powers Boothe

("Nixon" y "Giro al infierno").

Buried (Enterrado)

2010-10-06T16:09:00.001-07:00

El anterior film del orensano Rodrigo Cortés, “Concursante” (2007), además de suponer su debút en el largo fue un visto y no visto en las cartelera española, a pesar de que la crítica no tuvo más que buenas palabras para ella. Tres años después Cortés regresa con una película que ha supuesto un autentico desafío técnico y creativo, su guión llevaba bastante tiempo dando vueltas, a todo el mundo le gustaba pero nadie consideraba que pudiera realizarse. La cuestión era: “¿cómo hacer emocionante y ágil una película que durante 90 minutos cuenta con un solo personaje en una única localización?”. A la vista de los resultados “Buried (Enterrado)” ha superado con éxito el reto al que solamente se habría expuesto un director que como Cortés ande sobrado de ambición y de seguridad en sí mismo.

El que fuera denominado como “el guión más barato de la historia” – aunque a la hora de la verdad el film ha contado con un presupuesto más que aceptable de 3 millones de euros – se rodó finalmente en un polígono industrial de Cornellá en 11 días en julio del pasado año, y sí el rodaje fue acelerado, el montaje no lo fue menos. Nada hace pensar viendo “Buried (Enterrado)” que tenga un acabado casual o precipitado, sí por algo brilla el film es por el cuidado con el que se han tratado aspectos como la iluminación y el montaje, y por un uso magistral, arriesgado y reinventivo de la cámara. Por no hablar, claro, de una sorprendente actuación por parte de un actor del que no se esperaba demasiado y de un guión que aunque sobradamente comercial no deja de lanzar punteros dardos críticos.
Paul Conroy (un como ya he mencionado sorprendente Ryan Reynolds) es un transportista americano que trabaja en Iraq y que es atacado por unos insurgentes, cuando despierta descubre que ha sido enterrado en un ataúd de 3 x 1 m para forzar así que el gobierno americano pague 5 millones de dólares por su rescate. Paul cuenta con un mechero zippo, un móvil con poca batería y un lápiz como únicos instrumentos con los que aferrarse a la esperanza de ser liberado.

Un personaje tan estático requería de un actor capaz de transmitir una amplia gama de emociones, y ese actor contra todo pronóstico ha resultado ser Ryan Reynolds, muy experimentado en comedias y en films de acción física pero con poco rodaje como actor dramático. Su actuación es impecable, matizada y sin caer en la sobreactuación. Probablemente con este trabajo deje de ser para muchos tan sólo el marido de Scarlett Johansson.

“Buried (Enterrado)” es un alarde de virtuosísmo técnico que aprovecha al máximo su escasa libertad de movimiento, encontrando el camino más certero posible entre las limitaciones. Sin renunciar a ser un espectáculo visual supone también una experiencia demoledora; el film es verdadero mazazo que no recurre a tomar atajos cobardes ni complacientes con la audiencia. Las voces que salen del teléfono de Paul – muy variadas entre las que se encuentran las de Samantha Mathis, José Luis García Pérez o Stephen Tobolowsky entre otros – van creando el creciente suspense además de otorgarnos la información vital para entender todo el alcance de una historia que no deja de ser la lucha de David contra Goliath, es decir el individuo contra el sistema.

¿Es un film comercial o intimista?. En realidad es una mezcla de ambos, la parte comercial la ponen la aparición de una amenazadora serpiente, la arena entrando dentro del ataúd, un revelador video enviado al movil de Paul, etc; la nota introspectiva la pone la soledad, el abandono y la indefensión que siente el protagonista cuando empieza a perder la esperanza por poner su vida en manos de una burocracia torpe, lenta y caprichosa.
En resumidas cuentas se trata de un film que abruma y conmueve a partes iguales, es difícil pensar en ponerse al servicio de la historia una segunda vez – aunque a decir verdad su virtuoso montaje será el centro de muchos estudios – aunque todo parece indicar que el film será todo un éxito, su estreno se hará simultaneamente en 5.000 salas de todo el mundo, el mayor despliege mediático que ha tenido nunca un film español. Ya sea por su faceta como director o montador ¡vamos a tener Rodrigo Cortés para rato!.

El americano

2010-10-04T16:41:00.001-07:00

Resulta curioso, y hasta cierto punto sorprendente, encontrar detrás de este atípico thriller al afamado fotógrafo holandés Anton Corbijn, porque en este su segundo largometraje – después de deslumbrar hace tres años con “Control” – abandona su hábitat natural (el mundo musical) y su particular modo de retratarlo (con un sobreexpuesto blanco y negro). “El americano” no es un film tan personal como fuera el biopic sobre el cantante de Joy Division, se trata de una obra de encargo de la productora que poseen George Clooney y Grant Heslov, quienes quizás buscaban darle un enfoque europeo a esta producción tan diametralmente opuesta a los thrillers financiados con capital americano.

“El americano” es una película muy estetica, reposada y contemplativa, cuyo mínimo argumento – un guión de Rowan Joffe basado en la novela de Martin Booth – perfectamente podría haberse narrado en un cortometraje. Corbijn ha convertido la salvaje región italiana de Abruzzo – se rodó poco tiempo después del terremoto de 2009 – en un personaje más del film, con el cual rellenar innumerables planos, las rutinas y del devenir del personaje protagonista. Además de los detalles paisajísticos, el film está repleto de miradas, de silencios y de pequeños detalles. “El americano” es un film atemporal que estilísticamente se acerca al tipo de film policiaco rodado en Francia durante la década de los 70 con actores como Lino Ventura, Alain Delon, Yves Montand o Jean-Paul Belmondo como protagonistas.

También es posible encontrar reminiscencias – y eso no lo ha ocultado ni su realizador – de los spaguetti-westerns italianos con un obligado homenaje al más grande de sus artífices, Sergio Leone y a una de sus secuencias más míticas, el ralentizado tiroteo de “Hasta que llegó su hora” con la impagable mirada azulada de Henry Fonda. El argumento de “El americano” parece una actualización de cualquiera de aquellos films rodados en el almeriense desierto de Tabernas. Su esquema básico es ciertamente muy similar: Un hombre misterioso del que nunca llegamos a saber su nombre llega a una pequeña comunidad huyendo de algo; allí se ocultará hasta el momento en el que sea inevitable el librar un duelo final.

El americano (un esforzado George Clooney en el cual la cámara de Corbijn se recrea) es un asesino a sueldo cuyo último encargo no terminó como se esperaba, en espera de que las cosas se apacigüen es enviado a un pequeño pueblo al sur de Italia con la idea de pasar desapercibido. Allí se hará cargo de un trabajo sencillo, suministrar una preciso fusil a una misteriosa mujer (interpretada por la sueca Irina Björklund), mientras establece una extaña relación con el cura del pueblo (el veterano actor romano Paolo Bonacelli) y comienza un romance con una joven prostituta (encarnada por la guapa Violante Placido, hija del célebre actor Michele Placido). Los planes de jubilación para alguien que ha vivido del crimen no resultan fáciles.

Preciosista y milimétrica para unos, exasperante y mínima para otros, “El americano” no tiene nada en común con el modelo de films tipo “El caso Bourne” o “The international”. Las escenas de acción (que son escasas) no brillan precisamente por su virtuosismo, “El americano” se emplea más en crear una tensión sostenida y en cuidar al máximo los marcos, los encuadres, los planos, etc. Su inesperado éxito se debe al tirón comercial de su protagonista porque desde luego este film no se creó con la voluntad de dejar al público sin aliento. Se trata por tanto de un interesante e interiorizado film que ahonda en la mente de un atormentado asesino y que nos insinua que en algunos casos el destino ya está más que escrito.

LAS PROPUESTAS MÁS INTERESANTES PARA OCTUBRE

2010-09-30T16:35:00.001-07:00

Aqui os presento el calendario de las propuestas más interesantes para el mes de octubre. ¿Qué duda cabe de que el terror psicológico es un verdadero filón?. Siempre arrastra a un numeroso público joven hasta las salas. Este mes hay varios exponentes de este rentable género (y eso que he incluido el remake americano de "Déjame entrar" porque lo considero innecesario sí se ha visto el original), además dirigidos todos ellos por españoles, dos de ellos ya integrados en la industria Hollywood (Rodrigo Cortés y Luis Bermejo) y el otro no tardará en estarlo (Guillem Morales). El poco espacio que dejan las cintas de terror se reserva a la crítica social (de la mano del combativo y coherente León de Aranoa), para el análisis de la situación económica actual (de la mano del polémico e incoherente Oliver Stone), para el drama carcelario ("Stone") y para el retrato de los nuevos y fríos modelos de sociabilización ("La red social"). Robert Rodríguez como siempre a su puta bola se encarga de rendir homenaje al cine más olvidable y casposo ("Machete").

1 de octubre:

- "Enterrado", de Rodrigo Cortés.

- "Machete", de Robert Rodríguez y Ethan Maniquis.

8 de octubre:

- "Amador", de Fernando León de Aranoa.

- "Wall Street: El dinero nunca duerme", de Oliver Stone.

15 de octubre:

- "La otra hija", de Luis Berdejo.

- "La red social", de David Fincher.

22 de octubre:

- "Stone", de John Curran.

29 de octubre:

- "Los ojos de Julia", de Guillem Morales.

ESPECIAL Nº. 500

2010-09-24T14:56:00.001-07:00

¡¡500 entradas!!. 500 entradas en poco más de 2 años y medio. Nunca imaginé que mantendría el interés y la ilusión suficientes como para llegar a esta cifra, pero hasta aquí he llegado y mientras siga encontrando cosas interesantes que contar y que decir (¡aunque cada vez me cuesta más encontrarlas!) aquí seguiré. Empecé un enero de 2008 con ayuda (¡poca, todo hay que decirlo!) y con mucha ambición, quería abarcarlo todo: hablar de cine, de música, de televisión, de literatura, de pintura, de cocina, de temas de actualidad, .... y durante un tiempo lo hice, hasta que comprendí que debía ser honesto y asumir que el asunto se me quedaba grande, fue entonces cuando preferí centrarme en lo que realmente creo entender y amar: el mundo del cine.

No están todos los que son pero... durante estos dos años y medio he hablado de cineastas tan interesantes como Paul Haggis, los Hermanos Coen, David Cronenberg, Ken Loach, Sidney Lumet, Terry Gilliam, Milos Forman, Michel Gondry, Suzanne Bier, James Gray, Noah Baumbach, Roger Corman, Steven Spielberg, M. Night Shyamalan, Michael Haneke, Woody Allen, Michael Cimino, Oliver Stone, Ridley Scott, Michael Winterbottom, Baz Luhrmann, Darren Aronofsky, Mike Leigh, Quentin Tarantino, Alejandro González Iñárritu, Steven Soderbergh, Wong Kar Wai, Clint Eastwood, Guy Ritchie, Stanley Kubrick, Bryan Singer, Laurent Cantet, Sam Mendes, Alfred Hitchcock, Robert Altman, David Fincher, Danny Boyle, Tony Scott, Zack Snyder, Sam Raimi, Fernando Meirelles, Anton Corbijn, Lars von Trier, Paul Schrader, Hal Ashby, Martin Scorsese, Bruce Robinson, John Cameron Mitchell, John Dahl, Jason Reitman, Robert Rodríguez, Jane Campion, Isabel Coixet, Pedro Almodóvar, Alejandro Amenábar, Todd Sollondz, Michael Mann, Roman Polanski, Alan Rudolph, Daniel Sánchez Arévalo, Michael Radford, Paul Thomas Anderson, Gus Van Sant, Julio Medem, Kevin Smith, Peter Weir, Kathryn Bigelow, Terrence Malick, Werner Herzog, Andrea Arnold, Wayne Wang, Lukas Moodyson, Rodrigo García, Christopher Nolan, Peter Mullan,...

No están todos los que son pero... durante estos dos años y medio he hablado de actores y actrices tan carismáticos como Daniel Day Lewis, Javier Bardem, Philip Seymour Hoffman, Maria Bello, Ryan Gosling, Jeff Bridges, Tim Roth, Julianne Moore, Jeff Goldblum, Jennifer Jason Leigh, Robert de Niro, Al Pacino, Julia Ormond, Liam Neeson, Donald Sutherland, Ralph Fiennes, Meryl Streep, Brian Dennehy, William Hurt, Joaquin Phoenix, Ed Harris, Matthew Broderick, Kate Winslet, Mark Strong, Jackie Earle Haley, Michael Douglas, Richard Jenkins, Clive Owen, Johnny Depp, Robert Downey, Jr., Russell Crowe, Kevin Spacey, Virginia Madsen, Linda Fiorentino, Willem Dafoe, George Clooney, Melissa Leo, Debra Winger, Jack Nicholson, Sean Penn, Viggo Mortensen, Leonardo DiCaprio, Ryan Reynolds, Sam Rockwell, Dustin Hoffman, Natalie Portman,...

Por desgracia por el camino se quedaron otros muchos... Heath Ledger, Brad Renfro, Anthony Minghella, Rafael Azcona, Charlton Heston, Sydney Pollack, Paul Newman, Natasha Richardson, Ron Silver, Patrick Swayze, Farrah Fawcett, Michael Jackson, José Luis López Vázquez, Dennis Hopper, Tony Curtis,...

Y aunque ahora me lo tomo con más calma porque mis prioridades han cambiado, espero seguir dando mucha guerra desde estas páginas. Un fuerte abrazo a los muchos frikis (a los que admiro profundamente, ya he dicho en repetidas ocasiones que tipo de friki me considero yo) amantes del buen cine que han entrado aunque fuera una única vez y por casualidad a esta su humilde casa.

Les saluda un servidor.

KASKER.

PD: ¡¡¡A por las 1.000!!!.

POLANSKI VUELVE AL TRABAJO

2010-09-19T06:30:00.001-07:00

Resueltos aparentemente los problemas con la justicia que le mantuvo bajo arresto domiciliario en su casa de Suiza durante 10 meses - Polanski acudía a recoger un premio al Festival de cine de Zurich cuando se reabrió un caso que tiene pendiente con la justicia desde hace 30 años a pesar de haber obtenido hasta el perdón de la persona afectada, Samantha Geimer que con 13 años acusó al cineasta de violación en 1977 - se ha reactivado una carrera que parecía condenada a finalizar con "El escritor", un film por otra parte muy digno aunque no pertenezca al conjunto de las obras maestras del director de ascendencia polaca ("La semilla del diablo", "Chinatown", "El quimérico inquilino", "La muerte y la doncella" y "El pianista", sí que pertenecerían a este selecto grupo).

El nuevo proyecto de Polanski tiene la intención de repetir su buena artesanía a la hora de adaptar una obra teatral de tanto éxito como "La muerte y la doncella", del argentino Ariel Dorfman. La obra ahora elegida no es menos popular, se trata de "God of carnage", de Yasmine Reza, una comedia muy negra que en nuestro país se representó el pasado año con enorme éxito, bajo el título de "Un Dios salvaje", y con un cuarteto protagonista integrado por Maribel Verdú, Aitana Sánchez Gijón, Pere Ponce y Antonio Molero.

"God of carnage" cuenta como el encuentro civilizado entre los padres de dos niños que se han peleado en un parque termina degenerando en un mutuo intercambio de acusaciones y en una actitud nada ejemplar que bordea peligrosamente la violencia. Los actores elegidos por Polanski para encarnar a los dos matrimonios enfrentados son Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster y Matt Dillon. Todos ellos se estrenan a las ordenes de Polanski, un lujazo para cualquier actor.

* "God of carnage" se rodará en París a partir de febrero de 2011.

¡¡DE NIRO EN "MANUAL DE AMOR 3"!!

2010-09-18T15:08:00.000-07:00

¿Recuerdan aquella edulcorada películita italiana titulada "Manual de amor" que fue un absoluto éxito en su país natal hace 5 años y que también tuvo una carrera más que digna en el nuestro?. Dirigida por Giovanni Veronesi retrataba las 4 etapas del amor (enamoramiento, crisis, traición y ruptura) con la ayuda actores como Carlo Verdone, Silvio Muccino, Sergio Rubini o Luciana Littizzetto.

Dos años después llegó "Manual de amor 2 (Corregida y aumentada)", nuevamente dirigida por Veronesi y con un abanico temático más morboso que en el film precedente (deseo sexual, infidelidad, homosexualidad, inseminación artificial y relaciones intergeneracionales) que defendían actores como Carlo Verdone, Sergio Rubini, Monica Bellucci o nuestra Elsa Pataky.

Y como no hay dos sin tres, próximamente nos llegará "Manual de amor 3", dirigida por el insustituible Veronesi que en esta ocasión vuelve a contar con Carlo Verdone, Monica Bellucci y con un Robert de Niro al que ha debido gustarle tanto su oponente femenina como el valor de su cheque. De Niro que no rodaba en la "ciudad eterna" desde hace 34 años - allí rodó "Novecento" a las órdenes de Bertolucci - encarnará a un profesor divorciado que tiene un affair con la Bellucci. El primer golpe de claqueta tendrá lugar el próximo 24 de septiembre.

De Niro ya no le hace ascos a segundas ni a terceras partes, y al parecer tampoco le importa que la saga ni siquiera la iniciara él. ¡Con De Niro se puede uno espera ya de todo!.

PETER MULLAN VUELVE A RETRATAR UNA DIFÍCIL JUVENTUD

2010-09-15T02:56:00.001-07:00

El actor escocés Peter Mullan a sus 50 años cuenta con una larga trayectoria en la que se sido dirigido por realizadores tan interesantes como David Leland ("Big man"), Ken Loach ("Riff Raff" y "Mi nombre es Joe"), Danny Boyle ("Tumba abierta" y "Trainspotting"), Mel Gibson ("Braveheart"), Mike Figgis ("Miss Julie"), Michael Winterbottom ("El favor") o Alfonso Cuarón ("Hijo de los hombres"). El futuro se presenta además prometedor para él puesto que estará en la esperada séptima entrega de Harry Potter - concretamente en la segunda de las dos partes de que consta "Harry Potter y las reliquias de la muerte" - y también en el próximo film de Steven Spielberg - "War horse" que se rueda actualmente en Inglaterra -.

Pero si favorable ha sido su carrera como actor, podríamos decir que fulgurante ha sido la de director ya que con sólo tres films se ha hecho un hueco como cineasta crítico e incisivo, obsesionado por retratar adolescencias tan complicadas como lo fue la suya. Si en "Orphans" (1997) - Premio a la mejor película de cine europeo que además obtuvo premios en los Festivales de Venecia y Gijón - se centraba en reflejar la vida en un orfanato de Glasgow, en "Las hermanas de la Magdalena" (2002) - León de oro en Venecia - descubría el interior de los conventos-lavanderia para jovenes madres solteras que existieron en Irlanda hasta finales del siglo pasado.

Ahora Mullan ha vuelto a convencer con su tercer film "Neds" en el Festival de Cannes - en donde por cierto fue premiado en 1998 por su magistral interpretación en "Me llamo Joe" - alzándose con la Palma de Oro. Se trata de un duro relato sobre la bandas juveniles que asolan las calles de Glasgow en las cuales la falta de expectativas y la violencia son el pan nuestro de cada día. "Neds" es un término acuñado por el diccionario de la lengua inglesa que sirve para definir a "los jovenes delincuentes que no han contado con una educación". El film muestra lo sencillo que es que un joven educado y estudioso termine convirtiéndose en un maleante más debido al influjo de las malas compañias en un entorno tan poco idílico. Su joven protagonista, Conor McCarron, también se llevó el premio de interpretación masculina a casa.

* "Neds" aún no tiene una fecha de estreno confirmada.

BURT REYNOLDS: AYER Y HOY

2010-09-12T15:38:00.001-07:00

Que ya haya cumplido los 74 años no justifica que su apariencia parezca la de un japonés que sobrevivió a la bomba de Iroshima. Son los estragos de su afición por la cirugia estética llevado por esa eterna coqueteria de la que siempre hizo gala, la misma que hizo que tratara (sin éxito) de aparentar ser un hombre mucho más joven, la misma que hizo que siempre ocultara esa archiconocida calvicie que le acompaña desde que hizo la Primera Comunión. Reynolds ha llevado una carrera larga e irregular que ha alternado la pequeña y la gran pantalla, ahora vive semi-retirado.

Ayer: Puede considerarse uno de los pocos actores que logró con éxito la dificil transición de la televisión al cine. Se dio a conocer en el serial "La ley del revólver" (1962-65) en la que se pasó tres años hasta que el cine italiano le reclamó para que rodara en Colmenar Viejo, Cáceres y Granada "Joe, el implacable" (1966), caracterizado simpaticamente como un Indio Navajo. Después se dejaría ver en la polémica (por contener la primera escena de sexo interracial) "100 rifles" (1969) y en "Sam Whiskey" (1970) ya como absoluto protagonista. John Boorman le ofreció con "Defensa" (1972) no ya solo el mejor papel de toda de su carrera sino el volver a la gran pantalla después de un nuevo periplo televisivo. Entre la segunda mitad de los 70 y los primeros 80 Burt se convirtió en el actor americano más popular y taquillero durante 5 años consecutivos gracias a películas de gran éxito comercial como "Rompehuesos" (1974), "Los caraduras" (1977) y "Los locos de Cannonball" (1981), con sus respectivas secuelas. Considerado también en su día un mito erótico (fue uno de los primeros hombres en decidirse a posar desnudo para el "Cosmopolitan"), Reynolds tuvo también inquietudes en la dirección, encargándose de films como "Gator, el confidente" (1976), "De miedo también se muere" (1978) o de la más que interesante "La brigada de Sharkey" (1981).

Hoy: Después de llevarse a matar con Clint Eastwood en la fallida "Ciudad muy caliente" (1984) y de desastres artísticos como el de "Interferencias" (1988) su gancho comercial ya había tocado a su fin, por lo que Burt decidió regresar a la comodidad salarial que le ofrecía la televisión con la policiaca "B.L. Stryker" (1989-90) y con la serie de situación "La familia Newton" (1990-94) que irónicamente le brindó más premios ( 1 Emmy y 1 Globo de oro) que en todo el resto de su trayectoria. Sus sonrojantes apariciones en "Striptease" (1996) y "Bean, lo último en cine catastrófico" (1997) no hacían presagiar lo mejor, pero contra todo pronóstico a Reynolds le quedaba por vivir otro gran momento con "Boogie Nights" (1997), el segundo largometraje del independiente Paul Thomas Anderson que le otorgó hasta 11 premios de asociaciones de críticos (Globo de oro incluido aunque el Oscar finalmente se le escapara). Lastima que desde entonces lo más florido de su filmografía hayan sido films tan mediocres como "Mystery, Alaska" (1999), "Driven" (2001), "Juego de seducción" (2001) o "En el nombre del Rey" (2007) del inefable Uwe Boll. Sus últimas apariciones las ha hecho como actor invitado en series como "Me llamo Earl" o "Último aviso" con un aspecto físico francamente preocupante. En cuanto a anti-premios también ostenta un poco honroso record, ha sido nominado 9 veces al Razzie ganándolo en dos ocasiones por "Un policía y pico" (1993) y por "Striptease" (1996), compartiéndolo con su protagonista Demi Moore.

Los mercenarios

2010-09-11T15:36:00.001-07:00

El cine de acción vivió su momento dorado durante la década de los 80 y la primera mitad de los 90 con actores como Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, Chuck Norris, Jean Claude Van Damme, Steven Seagal, Dolph Lundgren, Jackie Chan, Wesley Snipes o Michael Dudikoff como sus pilares fundamentales. El público terminó cansándose de estos divertimentos extremadamente violentos, argumentalmente lineales y rebosantes de testosterona, después serían los estudios quienes dejarían de apostar por ellas. El genero en sí no murió, simplemente se volvió más politicamente correcto y más autoparódico, sus héroes empezaron a contar con un componente irónico más marcado teniendo a Bruce Willis, Kurt Russel y a Mel Gibson como sus principales representantes, y en la actualidad a Jason Statham como su digno sucesor. Salvo contadas excepciones el género de acción en estado puro ha quedado prácticamente relegado al mercado de serie B y sus lanzamientos se hacen directamente en el mercado del DVD.

Stallone se convirtió en una presencia constante en este tipo de productos desde que lograra un enorme éxito con “El acorralado” (1982) y su reinado dio por finalizado con “Pánico en el tunel” (1996). Desde entonces su carrera encaminó un lento declive del que trató de salir del modo más digno, demostrando que podía ser un convincente actor dramático en “Cop land” (1997), un vehículo destinado a callar bocas al que no se le prestó la atención necesaria. Negada la posibilidad de evolucionar, Stallone se vió inmerso en el peor de sus momentos, haciendo un sonrojante cameo en “Taxi 3” (2003), accediendo a participar como actor invitado en un serie como “Las Vegas” (2005) o incluso asumiendo ser un villano tan descafeinado como el de “Spy kids 3-D: Game over” (2003). El modo de recuperar el pulso taquillero y parte de la credibilidad perdida fue por la vía más rápida y sencilla, desempolvando a sus personajes más icónicos (sí es que este adjetivo se puede aplicar a algo que tenga relación con Stallone) y taquilleros: Rocky Balboa y John Rambo.

La sexta entrega de Rocky - “Rocky Balboa” (2006) - y la cuarta de Rambo – “John Rambo” (2008) – sirvieron para reactivar la alicaida carrera de Stallone, y para colocarlo de nuevo en primera plana. Ahora con el estreno de su octavo film como director, “Los mercenarios”, Stallone rínde tributo no sólo a un género siempre maltratado y a los cabezas visibles del mismo, sino que recupera un modo de hacer cine más artesanal que no requería de pantallas verdes ni de trucajes digitales. El film desde luego no oculta sus claras intenciones de convertirse en lucrativa franquicia, en un momento en el que Stallone (63 años) debería estar pensando en la jubilación
El prólogo del film ya nos prepara para lo que vamos a ser testigos, un recital de violencia elevada a su máximo exponente, un catálogo de muertes atroces por la acción de la metralla, de los morteros, o de cuchillos de afilidas hojas. Todo ello encajado debidamente en un guión sencillo y conciso ideado por el mismo Stallone con la ayuda de Dave Callaham (“Doom”) y que trata de dar momentos de lucidez equitativos a todo su numeroso reparto, sin conseguirlo, ya que muchos de los actores están absolutamente desaprovechados. No es el caso de Jason Statham, quien sabedor de contar con uno de los personajes más agradecidos de la función, aprovecha cada escena en pantalla, robándole por momentos el film al propio Stallone.

Rodado en su mayor parte en la selva brasileña con un presupuesto más que holgado, “Los mercenarios” presenta a un equipo de asalto disponible al mejor postor compuesto por el cabeza pensante y líder Barney Ross (un Sylvester Stallone al que las operaciones de estética y el botox le han convertido en una vergonzosa caricatura, su doblaje además no ayuda a tomarselo nada en serio), su mejor amigo y mano derecha Navidad (un Jason Statham que está estupendo y que es indudablemente el presente de este tipo de films), el experto en artes marciales Ying Yang (un Jet Li que parece sentirse muy incomodo y no sólo por el hecho de que se pasen todo la película llamándole “medio metro”), el especialista en armas de fuego Hale Caesar (el ex-jugador de fútbol americano Terry Crews quien ya tuvo un papel de peso en “Gamer”), el responsable de los explosivos es Toll Road (encarnado por el ex-luchador de lucha libre Randy Couture), el soporte logístico y los tatuajes corren a cargo de Tool (el recuperado Mickey Rourke en un breve papel con una caracterización muy similar a la que lució en “Iron Man 2”) y como en todo rebaño siempre hay una oveja negra también está el francotirador Gunnar Jensen (el sueco Dolph Lundgren quien estrena un film en nuestras salas después de 15 años sin hacerlo), un autentico psicópata que no hace más que causar problemas a Barney y sus hombres.
La misión para la que han sido contratados “los expendables” es derrocar a un tiránico dictador, el General Gaza (al que incorpora el puertorriqueño David Zayas), que tiene a la pequeña isla de Vilena sometida a todo tipo de aberraciones e injusticias, con la ayuda de un misterioso ex–agente de la CIA, James Monroe (estupendo Eric Roberts que vuelve a coincidir con Stallone después de hacerlo en “El especialista” hace 16 años) y de su esbirro, Paine (el también ex-luchador reconvertido en actor Steve Austin quien libra una espectacular y larga pelea final con Stallone). La población de Vilena tiene a una valiente heroína, Sandra (la guapísima Giselle Itie proveniente de los culebrones mexicanos) que se opone con firmeza al regimen del General.

Sí por algo será recordado este film es por el hecho de haber conseguido reunir en una misma escena a Stallone con sus ex-socios Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger (los cuales ni siquiera aparecen acreditados). La escena en cuestión, aunque bienintencionada, resulta forzada con esos continuos guiños a “Rambo”, “Pulp fiction” y a la carrera política del actual Gobernador de California, sin demasiada gracia.

Juré que no vería “Los mercenarios” y el verano ha sido tan poco fértil en títulos de interés que terminé haciéndolo, y aunque esté de moda criticarla diré que me la esperaba mucho peor y que durante algunos momentos despertó mi espíritu juvenil, ya que se trata de una película muy gamberra que no tiene ningún interés en tomarse en serio. Todo ese aíre autoparódico le sienta fenomenal al nuevo film de Stallone, quien no sabemos sí con intención o sin ella ha facturado una cinta muy violenta, cierto, pero también muy divertida, que contiene algunas de las frases más estúpidamente ridículas que se han escuchado en mucho tiempo (ese “¡me han machacado!” que Barney suelta después de conocer el dolor a manos del bestial Paine es antológico). “Los mercenarios” ofrece lo esperado, y con eso a veces es suficiente.

TEORÍA DEL "FRIKI"

2010-09-08T16:48:00.001-07:00

¿Qué es un friki? La Real Academia no se ha pronunciado todavía al respecto, pero Wikipedia sostiene que un friki es un tipo raro, de comportamiento o apariencia inusual, que vive obsesionado por asuntos como la ciencia-ficción, los videojuegos, los cómics o la informática, y que a menudo persigue llamar la atención con indumentarias y comportamientos anómalos; asimismo sostiene que, a causa de su extravagancia y sus gustos, la gente de provecho considera al friki un tipo inmaduro, si no infantil.

La definición me parece pobre, además de lamentablemente restrictiva. No digo que no sean frikis los tipos que cada 25 de mayo salen a celebrar el Día del Orgullo Friki disfrazados de personajes de La guerra de las galaxias, ni siquiera los tipos que, vestidos con tangas de color fucsia, persiguen a los ciclistas del Tour de Francia por las cumbres de los Alpes; solo digo que, aunque yo particularmente sienta una simpatía infinita por esas manifestaciones de frikismo, se trata de manifestaciones veniales, inofensivas, poco serias.

En mi opinión, un friki auténtico no es un anormal, ni un tipo raro, ni mucho menos uno de esos mercachifles de sí mismos que van por el mundo haciéndose los raros; yo diría más bien que un friki es un tipo que solo tiene una convicción fija, y es que la normalidad no existe, ni por tanto la rareza, o simplemente un tipo que sabe que la normalidad es una estafa.

Pero, para ser franco, no todo en la definición de Wikipedia me disgusta. Me gusta lo del infantilismo y la inmadurez, porque ya se sabe que las personas de provecho consideran infantil e inmadura a toda aquella persona de la que no se pueden aprovechar, es decir: a toda aquella persona que carece por completo del sentido del ridículo, que es una de las más eficaces fábricas de esclavitud jamás inventadas.

La falta de sentido del ridículo del friki significa que el friki es, además de un tipo naturalmente alegre, un aspirante a hombre libre; también un aspirante secreto a alguna forma de santidad, aunque no aspire a ninguna forma heroísmo (en realidad, el friki abomina del heroísmo, a menos que la santidad sea una forma de heroísmo, claro está). En apariencia, en fin, todo friki es un solitario; en realidad todo friki es un pandillero sin pandilla, porque siempre está en busca de la pandilla perfecta.

¿Qué es un friki? Como si yo fuera san Agustín, no lo sé si me lo preguntan, pero si no me lo preguntan lo sé. Por ejemplo -y por limitarnos a la literatura escrita en nuestro país, o en nuestra lengua-: el libro más friki del castellano es sin la menor duda el Libro de Buen Amor, porque es también el más libre, el más gamberro y el más subversivo. Cervantes, por supuesto, era un grandísimo friki, pero solo en El Quijote y en alguna novela ejemplar -la más notoria: El licenciado Vidriera, donde, no se sabe cómo, un veterano de Lepanto se transustancia milagrosamente en un friki-.

El frikismo indudable de Cervantes, o de El Quijote, significa que las grandes novelas francesas e inglesas del XVII y el XVIII, que no hacían más que seguir a El Quijote, son grandes novelas frikis, aunque no las novelas españolas de la misma época, que apenas entendieron una palabra de El Quijote.

El siglo XIX español, francamente, no es muy friki -de hecho, el siglo XIX en general no es muy friki-, aunque ahí están Larra y, a ratos, Espronceda, pero no desde luego Clarín ni Galdós, por no mencionar a Pardo Bazán.

A finales del XIX renacen los frikis. Unamuno, por ejemplo, era un inmenso friki, y Baroja y Azorín también, aunque menos que Unamuno (y desde luego que Silverio Lanza, campeón de los frikis); en cambio, Valle-Inclán y Gómez de la Serna, que van de frikis, no lo son en absoluto: ningún friki de verdad puede estar tan pendiente como ellos de ser un friki.
Borges es el mayor friki del siglo XX, un friki solo comparable a Kafka, friki máximo. En la llamada generación del 27 no veo ningún friki, ni siquiera Lorca, ni siquiera Aleixandre; en la llamada generación del 50 tampoco, salvo tal vez Costafreda. Ferlosio es tan friki que se me olvidaba que pertenece a la llamada generación del 50; y Nicanor Parra es tan friki que tiene más de 90 años y todavía no le han dado el Cervantes. Gonzalo Suárez es un friki perfecto, porque, como dice Millás -otro friki-, siempre ha llegado el primero a todas partes y siempre se ha marchado el primero, de manera que siempre ha estado solo; también Mendoza es un gran friki: de entrada, porque nadie parece menos friki que él, y de salida porque -esta es una virtud esencial en un friki- nadie sabe hacerse el tonto mejor que él.

Entre los escritores de mi edad hay muchos aspirantes a friki (y también entre los más jóvenes); menciono uno que a mi juicio indudablemente lo es: Luis Magrinyà. En cuanto a mí, soy vanidoso, pero no tonto, o no del todo, así que sobra decir que no pretendo ser un friki; solo aspiro a serlo. Este Diario de un friki es el diario de esa aspiración.

JAVIER CERCAS (Publicado en el diario "El País" el 15 de septiembre de 2010).

Conocerás al hombre de tus sueños

2010-09-07T18:01:00.000-07:00

El regreso el año pasado a su amado Nueva York no se saldó con el resultado esperado, “Si la cosa funciona” era una intento de comedia ácida muy poco inspirada e indigna del autor firmante de los guiones de “Annie Hall”, “La rosa púrpura de El Cairo”, “Hannah y sus hermanas” o “Misterioso asesinato en Manhattan”, por poner sólo unos ejemplos. Empatizar con un personaje tan huraño como el que encarnaba Larry David era tan complicado como involucrarse en una historia que de tan simplona argumentalmente llegaba a resultar estúpida. Este regreso a su escenario más reconocible no ha durado mucho tiempo ya que Allen decidió que su siguiente film volvería a rodarlo en Londres, en donde ya filmó de manera consecutiva “Match point” (2005), “Scoop” (2006) y “El sueño de Cassandra” (2007). “Conocerás al hombre de tus sueños” (título que parece extraido de un culebrón venezolano, claro que el original “You will meet a tall dark stranger” (Conocerás a un desconocido alto y moreno) tampoco es que sea mucho mejor) es la agradable, aunque no memorable, cuarta parada de su auto-exilio londinense.
En la nueva comedia agridulce de Woody Allen no hay nada especialmente novedoso, el veterano cineasta no nos cuenta nada que no nos haya ya contado en otros films (“Vicky Cristina Barcelona”, “Celebrity”, “Maridos y mujeres”, “Delitos y faltas”, “Otra mujer”, etc), pero en el conjunto reina en verdad la armonía, gracias a un reparto muy acertado, a una buena dirección de actores, a un ritmo sin titubeos, a algún giro de guión con bastante mala uva, a alguna que otra frase ingeniosa y a la fabulosa fotografía del húngaro Vilmos Zsigmond en su tercera colaboración con el cineasta neoyorquino, después de “Melinda y Melinda” y “El sueño de Cassandra”.

En esta ocasión no hay un alter ego claramente diferenciable de Allen (Kenneth Branagh, Sean Penn o Will Ferrell sí que se ajustaron en su día al patrón característico de Allen como actor), su personalidad, sus obsesiones y fobias están repartidas por muchos de los pesonajes, los cuales hagan lo que hagan parecen estar condenados a la infelicidad. El motivo de esa desazón es el padecer de un inconformismo existencial y el sentir que los deseos y aspiraciones son irrealizables. La mayor parte de los infelices personajes de “Conocerás al hombre de tus sueños” demuestran ser además inseguros y egoistas, por el contrario los personajes más ingenuamente felices son aquellos que viven más alejados de la realidad, reconfortados por algún tipo de creencia divina, o por alguna descabellada promesa de un futuro idílico, aunque esta provenga de la palabraría de una supuesta pitonisa. El film deja patente un creciente pesimismo y una mayor negatividad en los guiones de Allen, quien vuelve a optar por una continua, innecesaria y hasta molesta voz en off.
El argumento y el nutrido reparto coral se estructura alrededor de los cuatro miembros de una familia (padre, madre, hija y yerno) desmembrada por los tardíos anhelos de libertad de un cabeza de familia sobre el que pende una asfixiante sensación de levedad y de escasez de tiempo, siendo consciente que dejó demasiadas cosas en el tintero.

El septuagenario Alfie (un Anthony Hopkins al que hacía tiempo que no encontraba tan natural y divertido y que afortunadamente evita esa tendencia al exceso que ha deslucido alguna de sus composiciones) sufre una, llamemosla “crisis de la edad muy adulta”, decidiendo dar un giro radical a su vida haciendo toda esa clase de estupideces que en algún punto de sus vidas hacen tantos hombres maduros: comprarse un deportivo descapotable, apuntarse a un gimnasio, abandonar a la mujer con la que ha compartido más de 40 años para iniciar una relación con una joven despampanante pero intelectualmente limitada y con un gusto insano por el lujo. Alfie se ha encaprichado de Charmaine (una Lucy Punch que tomó un papel rechazado por Nicole Kidman y que es la verdadera revelación de nuevo film de Allen), una prostituta reconvertida en actriz de subproductos de serie Z y ha decidido abandonarlo todo por ella.

Helena (la veterana actriz británica Gemma Jones también parece ser la elección más acertada), la esposa abandonada solo encuentra consuelo en las palabras de la adivina Cristal (Pauline Collins siempre recordada por “Shirley Valentine” en un breve papel), que la dice ni más ni menos que lo ésta quiere escuchar. Helena encuentra una pequeña y última ilusión cuando conoce a Jonathan (encarnado por el veterano Roger Ashton-Griffiths quien repite este mes en pantalla con “Bright star”) un bibliotecario viudo apasionado por el esoterismo.
Sally (estupenda como siempre Naomi Watts), la hija de ambos, tampoco atraviesa el mejor de los momentos ya que está cansada de postponer su sueño de ser madre debido a que su marido Roy (un Josh Brolin con 20 kilos de más empeñado en ser el Nick Nolte de nuestros días, en cuanto a tamaño y talento), un escritor de un solo éxito, no está dispuesto a aceptar que su momento pasó ni a buscar una alternativa laboral de futuro. A la vez que Sally empieza a sentirse atraída por su jefe Gregg (un ajustado Antonio Banderas en un rol bastante breve), el dueño de una galería de arte, casado y con muy poco intuición en cuanto a artes de seducción; Roy empieza a verse con la joven Dia (Freida Pinto demostrando de momento que tan sólo es una cara muy bonita), una vecina a la que escucha tocar la guitarra por el patio de luces, la cual también tiene un pequeño incoveniente, está prometida en matrimonio.

“Conocerás al hombre de tus sueños” presenta un elenco irrepetible que defiende unos personajes, en general apetecibles y agradecidos (quizás los menos relevantes sean los de Banderas, Pinto y Griffiths), las historias están bien hilvanadas, aunque algunas situaciones no dejen de resultar forzadas y algunas frases muy poco afortunadas (sobre todo en lo que concierne al poco creible romance de Roy y Dia). El film, a grandes rasgos funciona, se ve con interés y agrado, aunque no alcance la entidad de una obra que a partir de la muy poco Alleniana “Match point” y de la muy poco reconocida “El sueño de Cassandra”, no ha hecho otra cosa más que declinar.
Dentro de la última producción del cineasta neoyorquino, que sigue empeñado en facturar un film por año, “Conocerás al hombre de tus sueños” estaría un peldaño por encima de “Vicky Cristina Barcelona”, unos cuantos más por delante de “Scoop” y “Si la cosa funciona”, pero comparándola con “El sueño de Cassandra” y, sobre todo con “Match point”, quedaría muy mal parada. Un Allen sincero y algo más inspirado que sigue sin estar a la altura de lo que de él siempre se espera.

Origen

2010-09-06T17:54:00.000-07:00

Lo que ha conseguido Christopher Nolan con “Origen” es digno de admiración, de envidia y debería servir de ejemplo de que el cine autoral y reflexivo no está necesariamente reñido con el cine espectáculo más costoso y comercial. “Origen” no sólo le da al público amante de los Blockbusters acción a raudales, sino que también exige un poco de esfuerzo de su parte para sumergirse y desentrañar su laberíntico argumento; por su parte los más intelectuales disfrutarán tratando de encontrarle mil y una lecturas a la última y original propuesta del Sr. Nolan.

El mundo de los sueños es muy amplio y está abierto a infinitas posibilidades, en unos parámetros tan ilimitados para la escritura todo es posible. Esta es la ventaja con la que ha contado Christopher Nolan, alguien que siempre le ha dado importancia al significado de los sueños, para escribir una historia compleja, ambiciosa, innovadora y, lo más importante, original, que supone una bolsa de aire entre tanta secuela, precuela, remake, reversión y relectura de películas y series que realmente no les hacía ninguna falta esta actualización, más allá de hacer caja con las nuevas generaciones que no disfrutaron de los originales.
El germen de “Origen” es que sí en un futuro próximo se pudiera acceder a los sueños de los demás, las ideas podrían robarse, pero ¿y sí el propósito fuera totalmente lo contrario, y lo que realmente interesara fuera dejar en el sujeto soñante una ídea contraria para que arraigara?. Pues este es, ni más ni menos, el encargo al que se se avienen Dom Cobb (encarnado como siempre impecablemente por un Leonardo DiCaprio tan torturado si cabe como en “Shutter Island”, un film por otra parte con bastantes similitudes con el que nos ocupa por su particular modo de mezclar fantasía – en éste caso sueños – y realidad) y su equipo de ladrones de sueños.

El motivo de tal encargo para la parte contratante no puede ser otro que el económico (el magnate encarnado por Ken Watanabe necesita que el heredero de una inmensa fortuna al que incorpora Cillian Murphy cambie de parecer con respecto a un negocio en el que hay en juego mucho dinero) y el beneficio para la parte contraria es la redención (para Cobb supondría limpiar su buen nombre, ya que fue acusado injustamente del asesinato de su esposa, para sí regresar a Estados Unidos junto a sus hijos).
Lo que Cobb no desvela a los demás miembros de su equipo (entre los cuales se encuentran su mano derecha al cual encarna con asombrosa sobriedad y elegancia el joven Joseph Gordon-Levitt y la arquitecta encargada de diseñar los sueños con los rasgos de la menuda Ellen Page) es que no consigue alejar de su subconsciente el fantasma de su mujer (una Marion Cotillard integrada totalmente en la industria de Hollywood) y por lo tanto sus sueños y objetivos están expuestos a todo tipo de imprevistos.

Durante dos horas y media “Origen” te adentra en el submundo de los sueños, en los diferentes niveles y texturas de los mismos el tiempo llega a ralentizarse hasta niveles inimaginables, sin embargo el ritmo narrativo es cuando se vuelve más frenético dirigiéndose hacia la ansiada resolución. Es evidente que Nolan se ha propuesto rizar el rizo y lo ha conseguido porque “Origen” es una experiencia visual (y sin necesidad de 3D) y sensorial como pocas veces antes se haya visto.

“Origen” de todos modos provocará controversia porque para muchos será un punto y aparte en el cine fantástico de primeros de siglo que podría darnos pistas de hacia donde debería encaminarse dicho género; otros muchos no creerán ver más que un feroz, pedante y narcisista esfuerzo autoral con el único objetivo de contemplarse el ombligo.
Yo me inclino más hacia la primera teoria y pienso que las imágenes que recientemente hemos visto (París plegándose sobre sí misma, el pasillo ingrávido y giratorio, etc) se unirán a otras muchas impactantes que el cine de ciencia ficción o fantástico nos han dejado a lo largo de las décadas (“2001”, “Hasta que el destino nos alcance”, “Alien”, “Blade Runner”, “Terminator II”, “Matrix” o “Hijos de los hombres”). El tiempo será el encargado de darle la razón o de quitársela a una sóla de estas voces antagónicas.

IMPARABLE ANTON CORBIJN

2010-09-04T08:59:00.001-07:00

El holandés Anton Corbijn ha sido durante más de 30 años un retratista musical con un estilo muy personal que se ha convertido en imprescindible para grupos como U2, Depeche Mode, Nirvana, REM, Coldplay, The Killers o Joy Division, y solistas como Johnny Cash, Tom Waits, Nick Cave o Bryan Ferry. Sus retratos no suele hacerlos de manera improvisada mostrando a los músicos sobre el escenario entregándose sudorosamente a su público. Anton trabaja casi exclusivamente en blanco y negro, sus retratos apuestan por un cuidado obsesivo en el vestuario, en el decorado y en la iluminación de unos artistas que se presentan siempre alejados de su entorno natural, con una pose hasta forzada y con una imagen alejada de la divinidad.

Sus fotos son inmediatamente reconocibles y el toque de distinción y elegancia que imprime a todo lo que toca ha hecho que U2 y Depeche Mode no quieran ya trabajar con ningún otro fotógrafo, y que hayan pedido a Anton que diseñe incluso el libreto de sus cd's, diriga sus videoclips o se encargue de la escenografía de algunas de sus mastodónticas giras. El músico que más impresionó a Corbijn de los innumerables que ha conocido fue Ian Curtis, el malogrado vocalista de Joy Division, que se suicidó con tan sólo 23 años. Sobre él grupo nacido de las cenizas del punk británico de finales de los 70 y especialmente de su excéntrico líder trataba "Control" (2007), el modesto film con el que debutó en la realización y que fue ganando adeptos a medida que recorría festivales. Un film que tenía todas las papeletas de acumular polvo en alguna olvidada estantaria pasó dos años después a estrenarse en casi todo el mundo con unas críticas inmejorables.

La experiancia ha sido tan positiva que Anton ha repetido, ahora en color, en un film mucho más ambicioso, "El americano", protagonizado por George Clooney y rodado casi integramente en Italia, se trata de un thriller en el que un asesino a sueldo que ha decidido retirarse tras un último encargo que terminó muy mal, intenta rehacer su vida en un pequeño pueblo. La jubilación para alguien con un pasado como el suyo no será un camino de rosas.

El film ha dado la sorpresa encaramándose a la cima del Hit Parade americano recaudando unos más dignos 16 millones de dólares, dejando en la estacada a un film que esperaba romper taquillas, "Machete", y que ha tenido que conformarse con un tercer puesto. Después del semi-pinchazo de "Predators" quizá Robert Rodríguez se ponga inmediatamente manos a la obra con la esperada "Sin City 2", y después del éxito de "El americano" quizás U2 y Depeche Mode deban plantearse buscarse otro fotógrafo porque Anton ha confesado que ya tiene en mente un tercer film del que no ha querido desvelar absolutamente nada.

EL ENIGMA DE BRUNO S.

2010-09-02T14:30:00.000-07:00

La muerte de Bruno S. ha pasado muy desapercibida para todo aquel al que no le motive el cine del alemán Werner Herzog. En realidad Bruno S(chleinstein). no era un actor propiamente dicho, era un músico itinerante y un pintor al que Herzog descubrió a finales de los 60 por casualidad visionando un documental sobre músicos callejeros. Cuando el controvertido cineasta decidió llevar a la gran pantalla un misterio que desconcertó a la sociedad alemana de mediados del siglo XIX, la aparición en Nuremberg de un joven en estado semi-salvaje que dio lugar a mil y una teorías, aunque ninguna de ellas concluyentes.

Aquel joven de 16 años, Gaspar Hauser, había vivido desde los 3 encadenado como un animal, privado de todo contacto humano y alimentado únicamente por pan y agua. En su bolsillo portaba dos cartas explicando su supuesto origen, solo farfullaba algunas frases y lo único que le habían enseñado a escribir era su nombre. Se convirtió inmediatamente en una atracción pública y en sólo seis semanas aprendió a leer y a escribir. Las dudas con respecto a su pasado le hicieron volver a vivir en la clandestinidad bajo nombres falsos mientras aprendía rápidamente filosofía, latín y ciencias. Después de haber sufrido dos intentos de asesinato, finalmente Gaspar Hauser moría acuchillado a los 21 años, sólo 5 después de haber sido liberado.

Nunca se supo de donde venía realmente Gaspar Hauser, unos dicen que se trataba del hijo bastardo de la Famila Real de Baden, de ahí que no quisieran que nadie supiera de su existencia y que les conveniera que Gaspar permaneciera en silencio como siempre había estado, mientras que otros opinan que era el hijo ilegítimo de Napoleón Bonaparte. Su breve y horrible estancia por la tierra sirvió para bautizar a un síndrome, aquel que padecen los niños privados de afecto paterno o distanciados del contacto con otros seres humanos.

Herzog creyó que el único que podía encarnar a Gaspar Hauser era Bruno S., a pesar de tener entonces 43 años y ningua experiencia previa como actor. Sí alguién podía entender perfectamente ese personaje era él. Bruno S. fue el hijo no deseado de una prostituta cuyos maltratos le hicieron perder la audición de un oído. Entre los 3 y los 26 años estuvo internado en una institución psiquiátrica, su aislamiento social despertó sin embargo algunas inquietudes artísticas que después iría desarrollando. "El enigma de Gaspar Hauser" (1974) se convirtió en un título capital, no ya sólo de la obra de Herzog, sino de toda la historia fílmica alemana.

En 1977 Bruno S. volvió al cine de la mano nuevamente de Herzog, quien le escribió expresamente para él "Stroszek" en sólo 4 días, fuertemente influenciado por la propia vida de Bruno. "Stroszek" volvía a críticar la hipocresía moral y el aislamiento en titánicas sociedades como la americana. Este revulsivo del sueño americano supuso la última colaboración entre el cineasta y su particular descubrimiento. Antes de tener que rodar cada secuencia Bruno S. sufría severos y violentos ataques de ansiedad, después de participar ese mismo año en otro film, "Liebe das Leben, lebe das Lieben", Bruno regresó a tocar por las calles por voluntad propia y no volvió a aceptar un papel hasta pasados 33 años. Se trataba de "Phantomanie" (2009), y su intervención en el mismo se debía al cariño y gratitud que sentía hacía su director Miron Zownir, realizador que le había demostrado una rendida admiración al encargarse de analizar su propia vida y obra en dos interesantísimos documentales.

"El desconocido soldado del cine alemán", como le definía Herzog, murió a los 78 años en Berlín el pasado 11 de agosto y no se le ha prestado toda la atención que merecía a una personalidad tan caleidoscópica como la suya, con una vida que bien daría para un guión cinematográfico de primer orden. A él parecía importarle muy poco la condición de actor de culto que ostentaba por haber protagonizado dos únicos films... ¡¡pero que films!!.

LAS PROPUESTAS MÁS INTERESANTES PARA SEPTIEMBRE

2010-08-30T16:46:00.001-07:00

Aqui os presento el calendario de las propuestas más interesantes para el mes de septiembre. Apurando mucho he podido seleccionar al menos un título por fín de semana, con un porvenir semejante jodido tenemos superar la depresión post-vacacional, claro que los paladares menos exquisitos lo tendrán más sencillo con la nueva película familiar de Nicolas Cage o la nueva comedia romántica de Jennifer Aniston, también podrán echar mano de unos Kevin Smith y Luc Besson más de encargo que nunca, y... poco más. Habrá que esperar hasta Octubre para ir con verdaderas ganas al cine ("Enterrado", "Machete", "La red social", "Wall Street 2", "Amador", etc). ¡¡Paciencia, mucha paciencia!!.

3 de septiembre:
- "Bright star", de Jane Campion.
- "Submarino", de Thomas Vinterberg.
10 de septiembre:
- "Todo lo que tú quieras", de Achero Mañas.
17 de septiembre:
- "El americano", de Anton Corbijn.
24 de septiembre:
- "Come, reza, ama", de Ryan Murphy.

DANNY BOYLE REGRESA CON "127 HOURS"

2010-08-18T16:56:00.001-07:00

Desde que debutara contundentemente con su primer largometraje, "Tumba abierta" (1994), Danny Boyle no ha hecho otra cosa más que sorprender, generalmente para bien - "Trainspotting" (1996), "28 días después..." (2002), "Millones" (2004) y "Sunshine" (2007) - , aunque cuando mete la pata, la mete hasta el fondo - "Una historia diferente" (1997) y "La playa" (2000) - . "Slumdog millonaire" (2008) le reconcilió hasta con los más excépticos y el alubión de premios no hizo más que constatar que, su gusto por provocar, su capacidad para no repetirse, su obsesión por un montaje frenético y su excelente olfato para unir música e imagenes, eran debidamente reconocidos en la gran industria.

A un éxito de esta envergadura le sigue ahora otro proyecto cuanto menos que sorprendente, que se encuentra temáticamente a años luz del anterior aunque con idénticos deseos de impactar visualmente. El nuevo film de Boyle se titula "127 hours" y en él se cuenta la epopeya real del alpinista Aaron Ralston, todo un amante del riesgo, quien durante una escalada por un cañón de Utah quedó atrapado por una enorme roca que le aplastó uno de sus brazos. Aaron no se rindió y durante 5 interminables días, sin comida ni agua, luchó por liberarse. Aunque ese no era el mayor de sus males, sí vencía ese escollo tenía aún que cruzar 8 millas para encontrar ayuda.

James Franco es el protagonista absoluto del nuevo film de Boyle , el cual, por cierto, tiene una primera hora sin diálogos en la cual el director se dedica a recrearse retratando como tan bien sabe los inabarcables y desolados parajes de Colorado. Las ascendentes Kate Mara ("Iron Man 2") y Amber Tamblyn ("Más allá de la duda") completan un reparto en el cual se recupera brevemente al desaprovechado - en cine, entiéndase - Treat Williams, del cual acaba de editarse en una edicción irresistible de "El príncipe de la ciudad", una de las mejores obras de madurez del maestro Lumet. Y antes de que siga divagando observen las posibilidades que puede ofrecer lo nuevo de Danny Boyle.

CLIVE OWEN, UN ACTOR FASCINANTE

2010-08-16T16:04:00.001-07:00

El británico Clive Owen lleva desde finales de los 80 dando guerra, en su país de origen le descubrieron en las dos temporadas de la televisiva "Chancer" (1990-91) y en un film tan interesante como "Con mis ojos cerrados" (1991). Con el telefilme "Class of '61" (1993) tuvo su primer contacto con la industria americana, en la que repetiría un año después en el dramón televisivo "Nobody's children" (1994), concebido a mayor gloria de la veterana Ann-Margret. Ser una de las misteriosas presencias que asolaban a Halle Berry en el olvidable thriller "Ambición peligrosa" (1996) supuso su mayor oportunidad hasta la fecha de destacar en el mercado USA, aunque los papeles de mayor consistencia lo seguía recibiendo en tierras británicas, "Bent" (1997) y "Crupier" (1998), el film a partir del cual muchos empezaron a saber de su existencia.

La ligera comedia "Flower power" (2000) también contó con su presencia, justo antes de que fuera elegido como la imagen de una campaña para BMW cuyos spots fueron filmados por una envidiable lista de realizadores - nada más y nada menos que John Frankenheimer, Ang Lee, Wong Kar Wai, Guy Ritchie, Alejandro González Iñárritu, John Woo, Tony Scott y Joe Carnahan - . Para cuando formaba parte del nutrido reparto de "Gosford Park" (2001), a las órdenes del maestro Robert Altman, era ya evidente que Clive Owen estaba llamado a convertirse en estrella de cine, idea reforzada al ser elegido como pareja de Angelina Jolie en "Amar peligrosamente" (2003), un film que no convenció a casi nadie, y al ser cabeza de cartel en una producción tan costosa de Jerry Bruckenheimer como fue "El Rey Arturo" (2004) que tan sólo recuperó poco más de la mitad de su enorme inversión.

En "Closer" (2004) - por la que obtuvo su única nominación al Oscar como actor de reparto - se merendaba con aparente sencillez al resto del reparto, en "Sin control" (2005) consiguió algo muy complicado, que una película con Jennifer Aniston tuviera no ya solo interés sino calidad, en "Plan oculto" (2006) salió victorioso de su duelo con Denzel Washington a pesar de pasarse media película enmascarado, y con "Hijos de los hombres" (2006) dejó para la posteridad un clásico inmediato del cine post-apocalíptico . Lastima que en "Sin city" (2005) no tuviera a su cargo el mejor de los segmentos.

Desde entonces sus elecciones no han sido tan afortunadas, tan sólo "The international" (2009), un film político muy interesante y estilizado, cumplía medianamente con lo que se esperaba de él. "Shoot 'em up" (2007) era un despropósito, "Elizabeth: La edad dorada" (2007) un somnífero, "Duplicity" (2009) un divertimento muy poco divertido y "Sólo ellos" (2009) un drama de aspecto televisivo que se sostenía a duras penas únicamente por su presencia.

Ahora Clive tiene varias película en cartera, el thriller sobre el acoso de menores a través de internet, "Trust", que dirige el ex-"Friends" David Schwimmer, "The killer elite", un thriller de acción que le une a Jason Statham y Robert de Niro, e "Intruders", un film fantástico que en estos momentos rueda en Londres el canario Juan Carlos Fresnadillo y que concluirá en Madrid. Aunque hasta hace poco más de 5 años no le tomamos muy en serio, Clive Owen se ha convertido en un actor muy interesantes, de enorme proyección, que nos brindará multiples alegrías.

"BLACK SWAN", EL NUEVO E INTERESANTE FILM DE ARONOFSKY

2010-08-11T16:24:00.001-07:00

Debo de reconocer que cuando me enteré que el nuevo proyecto de Darren Aronofsky estaba enmarcado en el mundo del ballet, pensé: "¿pero que coño está haciendo este hombre con su vida?". Ahora que he podido visionar el primer trailer he tenido que tragarme mis palabras una a una, porque la verdad que la cosa promete.

El nuevo film de Aronofsky, después de renacer de sus cenizas gracias a ese baño de humildad que fue "El luchador", es "Black swan" ("El cisne negro") y se trata de un thriller psicológico que, efectivamente, se desarrolla en un ambiente tan atípico como pueda resultar a priori el mundillo del ballet. Es una oscura historia de celos y rivalidades entre dos bailarinas (la veterana y la recién llegada) de una importante compañia de ballet neoyorquino que se disputan el papel más importante, el del Cisne Blanco, en una lujosa puesta en escena de "El lago de los cisnes". ¿Quien ser conformará con ser el Cisne Negro?.

"Black swan" se estrenará comercialmente el 1 de diciembre en Estados Unidos, pero antes tendrá el honor de inaugurar el próximo Festival de Venecia y competirá en el de Toronto. Las dos actrices que cuentan con los papeles más intensos del film son Natalie Portman y Mila Kunis, las cuales son arropadas por Vincent Cassel (como el director artístico de la compañia), Barbara Hershey y una recuperada Winona Ryder. A continuación os dejo ese trailer que no tiene desperdicio.

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XXV)

2010-08-07T14:54:00.001-07:00

BARRY BROWN
San Jose, California (USA), el 19 de abril de 1951
Silver Lake, California (USA), el 27 de junio de 1978

Su primera aparición en pantalla la hizo de manera no acreditada en el film “In love and war” (1958), Barry tenía por aquel entonces 7 años. A primeros de los 60 ya aparecía en obras teatrales representadas en San Francisco como “The music man” o “Bye, bye birdie” (1963) protagonizada por Van Johnson, que compatibilizaba con sus estudios de arte dramático en la Academia Laurence Merrick. Finalizados estos consiguió estrenar una obra escrita por él, “Charity” (1967), cuyo montaje se encargó además de producir y dirigir, obteniendo unas críticas bastante favorables en Los Ángeles. Su debút en el cine lo hizo en el film “Odio en las aulas” (1970), un melodrama en el que confluían la rebeldia estudiantil con la problemática racista y en el que coincidió por primera vez con otra joven promesa en ciernes, Jeff Bridges. Después de esta carta de presentación sería frecuente verle como actor invitado en series como “La ley del revólver”, “Ironside”, “Patrulla juvenil”, “Galería nocturna” o “Marcus Welby”, en la que interpretó ocasionalmente al hermano pequeño del personaje principal encarnado por James Brolin. Dos westerns le devolvieron a la gran pantalla, “Sin ley ni esperanza” (1972) en la que se contaba los planes por parte de los pistoleros Jesse James y Cole Younger (encarnados por Robert Duvall y Cliff Robertson respectivamente) para atracar el Banco más grande al Oeste del Misisipi, y “Pistoleros en el infierno” (1972) un film desmitificador e incomprendido que con el tiempo ha ido creciendo en valia. En el primero de ellos Brown tenía una aparición episódica, pero en el segundo cargaba, junto a Jeff Bridges, con todo el peso del film sobre sus hombros. Después de un breve matrimonio de tan sólo dos meses y de una temporada teatral muy exitosa con la obra “Long day’s journey into night” junto a Geraldine Fitzgerald, su buena racha en el cine continuaría participando en el debút en la dirección de Alan Rudolph, “Premonition” (1972), un film de terror experimental con un presupuesto de únicamente quince mil dólares, y sobre todo en “Una señorita rebelde” (1974), la adaptación intimista y soporífera que de la obra de Henry James hizo Peter Bogdanovich con la idea de lanzar la carrera de su entonces pareja Cybill Shepherd y de paso también la de su partenaire masculino y sufrido pretendiente en el film, Barry Brown. “Una señorita rebelde” fue lo más cercano que estuvo nunca Brown de rozar el estrellato pero las críticas despiadadas unidas al sonoro fracaso de este y de su siguiente film, el thriller “La última emoción” (1974) devolvieron a Brown a la pequeña pantalla. Mientras aparecía como invitado en series como la comedia “Rhoda” (1974) o las policiacas “Forrester” (1975) y “La mujer policía” (1976) Barry atravesaba evidentes problemas de depresión y alcoholismo debido a la profunda insatisfación que sentía. Su carrera se resintió inevitablemente por el difícil momento personal que atravesaba, una de sus últimas apariciones en la pequeña pantalla fue en la miniserie “Testimonio de dos hombres” (1977) en la que encarnaba al abogado de la familia protagonista, y “Piraña” (1978) fue la última oportunidad de verle en la gran pantalla en un pequeño papel como guía de la selva que Joe Dante le escribió especialmente para él. Un papel secundario en el telefilm sobre racismo “Justicia sin violencia” (1979) puso el cierre final a su breve filmografia. A finales de junio de 1978 Barry se quitó la vida a los 27 años disparándose con una pistola, un triste final para un actor que a principios de esa década aspiraba a convertirse en estrella y que terminó como otros muchos juguetes rotos de Hollywood. Barry siempre sintió admiración por personalidades tan atormentadas y contradictorias como las de James Dean, Montgomery Cliff o Bela Lugosi. En 1997 su hermana pequeña Marilyn siguió sus pasos, ahorcándose en un puente a los 44 años y en 2003 el único hermano con vida, James, exhorcizó los recuerdos que guardaba de su disfuncional familia en una biografía, “The Los Angeles diaries” (2003), que se convirtió en todo un éxito de ventas.

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XXIV)

2010-08-05T16:56:00.001-07:00

ERIC FLEMING
Santa Paula, California (Estados Unidos), el 4 de julio de 1925
Tingo Maria (Perú), el 28 de septiembre de 1966

Marcado por una infancia difícil en la cual sufrió abusos por parte de su padre y por su desafortunada intervención en la Segunda Guerra Mundial cuando tan sólo contaba con 17 años y que a punto estuvo de costarle la vida. Un enorme bloque de acero desfiguró su rostro que tuvo que ser reconstruido con cirugía plástica dándole el aspecto con el que se haría tremendamente popular a finales de los 50. Después de estudiar interpretación Fleming debutó sobre las tablas en 1946 en Chicago para más tarde pisar Broadway con obras como el exitoso musical “Plain and fancy” (1955). Su debút en cine lo haría en un film de ciencia ficción de serie B, “La conquista del espacio” (1955), reincidiendo en el género con “Queen of outer space” (1958). Tras rodar el film de terror “Maldición diabólica” (1959) en el que hacía su primer papel protagónico firmó un contrato con la CBS para protagonizar una serie del Oeste titulada “Látigo” (1959-65) que permanecería ocho temporadas en antena y que sería la plataforma de lanzamiento del co-protagonista de la misma, un por aquel entonces desconocido Clint Eastwood. La serie narraba el traslado de ganado desde Texas hasta Kansas por dos ex-soldados, Fleming era el jefe Gil Favor y Eastwood su ayudante Rowdy Yates. Tras duras negociaciones los productores suprimieron el personaje de Fleming en la última temporada que no llegaría ni siquiera a terminarse ya que se decidió su cancelación cuando aún quedaban 17 episodios por rodar, ni que decir tiene que el ganado que llevaron durante el largo serial jamás llegó a su destino. Fleming rechazó rodar en España un film del oeste de muy bajo presupuesto titulado “Por un puñado de dólares” para ser una de las presencias másculinas que rodeaban a Doris Day en la comedia “Una sirena sospechosa” (1966). Después de participar como actor invitado en las temporadas séptima y octava de “Bonanza” (1966) fue contratado para el que se suponía que sería su regreso por la puerta grande al cine, el film de aventuras “High jungle” cuyo rodaje tendría lugar en la jungla de Tingo Maria en Perú. Rodando una peligrosa escena en canoa por el río Huallaga uno de los actores, Nico Minarnos, cayó al agua por la violenta acción de los turbulentos rápidos y Eric que se consideraba un excelente nadador se lanzó a su rescate. Milagrosamente fue Minardos quien lograba alcanzar la orilla mientras que Fleming moría ahogado, su cadaver no fue encontrado hasta 3 días después. Fleming tenía entonces 41 años y tenía previsto casarse en cuanto terminara el rodaje del film que finalmente le costó la vida y que nunca llegó a concluirse.

EL LEGADO DE "TRON"

2010-08-03T16:56:00.001-07:00

Fue hace dos años en el Comic.con el lugar elegido por la Disney para dar a conocer un proyecto que sorprendió a propios y extraños. Se trataba de una de las secuelas más tardías de la historia, ya que "Tron: Legacy" - antes conocida como "Tr2n" o "Tr2n 2.0" - retomaba las ideas y recuperaba alguno de los personajes de un film estrenado hace casi 30 años, "Tron" (1982), que además no fue precisamente un éxito de taquilla - recaudó en USA apenas 10 millones de dólares más de lo que costó, 17 millones de dólares de la época - pero que el tiempo y la continua reivindicación de los fans terminaron por convertirlo en un film de culto.

"Tron" fue el primer film en el cual la mayoria de sus imágenes habían sido generadas por ordenador y coincidía con el comienzo de la era de videojuegos. Su director fue Steven Lisberger, quien tuvo una carrera ciertamente desafortunada con sus siguientes dos films, la comedia "Persecución muy, muy caliente" (1987) y la fantástica "Slipstream, la furia del viento" (1989) fueron sonoros fracasos. Steven no volvió a ponerse detrás de las cámaras y tampoco lo ha hecho en la esperada secuela en la cual ha asumido unicamente funciones de productor. El debutante Joseph Kosinski ha sido el elegido de dirigir "Tron: Legacy" después de que se rumorease incluso el nombre de John Lasseter.

"Tron: Legacy" recupera a Jeff Bridges y Bruce Boxleitner en los mismos roles que encarnaron hace 3 décadas, a los que se han sumado Garrett Hedlund - el verdadero protagonista de este film - , Olivia Wilde, Michael Sheen, James Frain y Beau Garrett. Las imágenes vistas en los sucesivos trailers que han ido apareciendo son expectaculares y nadie duda que se trata de una apuesta muy fuerte de la Disney en la que se juega mucho, "Tron: Legacy" ha sido rodada con las mismas cámaras especiales para 3D con las que se rodaron "Avatar" y su presupuesto se ha disparado hasta superar los 200 millones de dólares, lo que la convertiría en la película más cara de la historia del cine. El 17 de diciembre se estrenará mundialmente - todo apunta a que será el título clave de las Navidades y de comienzos del 2011 - y no tiene competencia.

"LOS VENGADORES" COBRA FORMA

2010-08-02T07:34:00.001-07:00

En el Comic.con, la famosa convención anual de comics de San Diego, se hizo oficial algo que no dejaba de ser un insistente rumor. La Marvel contará con una película en la que todos sus superhéroes coincidirán en un "tour de force" como no se ha visto nunca antes. Se trata de "Los vengadores" ("The avengers"), un ambicioso proyecto que ha sido asignado a Joss Whedon, experimentado guionista cuyo mayor reconocimiento lo obtuvo por "Toy Story" y realizador expecializado en el marco de la televisión en donde ha filmado numerosos capítulos de series como "Serenity", "Angel", "The office" o la transgresora "Glee".

En "Los vengadores" se darán cita nada más y nada menos que Iron Man (Robert Downey, Jr.), Nick Furia (Samuel L. Jackson), la Viuda Negra (Scarlett Johansson), Thor (interpretado por Chris Hemsworth que estrenará su propia franquicia en mayo del próximo año), Capitán América (encarnado por Chris Evans quien también estrena franquicia el próximo julio), Ojo de Halcón (personaje que se estrena en la piel de Jeremy Renner) y Hulk (que cambia por tercera vez de rostro, si antes fueron Eric Bana y Edward Norton los encargados de darle vida, ahora será Mark Ruffalo el encargado de hacerlo).

La presentación de Comic.con del film ha sido una anticipada exclusiva ya que queda mucho tiempo para poder valorar su resultado ya que "Los Vengadores" comenzará a rodarse la primavera de 2011 con vistas a un estreno ya fijado para mayo de 2012.

LAS PROPUESTAS MÁS INTERESANTES PARA AGOSTO

2010-07-26T16:23:00.001-07:00

Aqui os presento el calendario de las propuestas más interesantes para el mes de agosto. No es un mes tan horrendo como cabría esperar, porque teniendo en cuenta que el film del verano va a ser "Origen" (¿alguien acaso lo duda?) y que encima viene precedido por el beneplácito que ha tenido a bien concederle la crítica americana, desde luego que he conocido veranos mucho peores. Veranos en los que el lado más experimental de Michael Winterbottom y Steven Soderbergh, el lado más comercial (¿acaso tiene otro?) y nostálgico de Sylvester Stallone, el lado más convencional y aún así estimulante de un maestro como Woody Allen, no se manifestaban por las ardientes y solitarias calles veraniegas. ¡Ah! y se me olvidaba, también tendremos la oportunidad de ver en lo que se ha convertido un film maldito como "Territorio prohibido" y tratar de imaginar el brillo perdido en sus continuos pasos por la sala de montaje.

¡¡Feliz verano, frikis de vida normal o semi-normal!!.

6 de agosto:
- "Origen", de Christopher Nolan.
- "Repo men", de Miguel Sapochnik.
- "The girlfriend experience", de Steven Soderbergh.
- "La doctrina del shock", de Michael Winterbottom y Matt Whitecross.
13 de agosto:
- "Los mercenarios", de Sylvester Stallone.
- "Phillip Morris, ¡te quiero!", de Glenn Ficarra y John Requa.
2o de agosto:
- "Salt", de Phillip Noyce.
- "Territorio prohibido", de Wayne Kramer.
27 de agosto:
- "Conocerás al hombre de tus sueños", de Woody Allen.

Sunshine cleaning

2010-07-24T17:48:00.001-07:00

Dejarse llevar por falsas expectativas es peligroso, “Sunshine cleaning” viene precedida por una campaña de marketing que la hermana con “Pequeña Miss Sunshine” (2006) por el simple hecho de que comparten los mismos productores (Jef Brody, Peter Saraf y Marc Turtletaub), un mismo actor (el gran Alan Arkin que prácticamente emula el personaje que le dio un Oscar), y una misma palabra de su título. Quien espere encontrar en este film algo de la originalidad, la fina ironía y el buenrrollismo del “sleeper” de Jonathan Dayton y Valerie Faris, terminará sintiéndose francamente decepcionado.

Lo cierto es que “Sunshine cleaning” nos llega casi con 2 años de retraso en una temporada de escasez de títulos interesantes, y también de espectadores, pero el hecho de que la familia retratada sea tan disfuncional como la del film anteriormente citado no justifica las asociaciones cuando ni siquiera comparten el mismo director (Christina Jeffs que no rodaba nada desde el drama “Sylvia” (2003) se ha encargado ahora de hacerlo), ni el mismo guionista (la debutante Megan Holley ganó un concurso de guiones con una historia cuyo contexto la asocia irremediablemente a una olvidable producción de Tarantino, “Tú mata, que nosotras limpiamos la sangre” (1996)).

La familia Lorkowski tiene como vértice central a dos hermanas, Rose y Norah (encarnadas respectivamente por la ubicua Amy Adams y por la ascendente Emily Blunt). Rose, la mayor, es una madre soltera que pasó de ser la animadora más admirada del Instituto por salir con el Capitán del equipo de fútbol a terminar limpiando casas y conformarse con ser la amante de su ex-novio Mac (un comedido Steve Zahn, lo cual hay que agradecer), ahora un policia casado y con hijos.
Norah, la pequeña, está tan desquiciada y es tan irresponsable que se ha expecializado en perder trabajos, vive con su padre viudo, Joe (excelente Alan Arkin, aunque como he dicho repitiendo la formula del éxito) que aún alberga la esperanza de encontrar el negocio que le haga salir de la miseria. Joe cuida a menudo de Oscar (Jason Spevack), el problemático y excéntrico hijo de Rose, un pequeño genio a ojos de su abuelo.

Será Rose la que convenza a Norah para abrir un negocio con muchas posibilidades y muy bien remunerado, limpiar escenarios de crímenes después de que el Juez dicte el levantamiento de los cadáveres. Mientras ellas limpian los restos de vidas que se fueron a pique, capearán con sus propios fantasmas familiares, con sus problemas de autoestima (en el caso de Rose) y con sus dudas de orientación sexual (en el caso de Norah).

“Sunshine cleaning” trata de unir con ingenio comedia desenfadada y melodrama sentimentaloide, pero el prometedor inicio va desaprovechando posibilidades (¡que modo más absurdo de desperdiciar el episodio de la lesbiana!) para decantarse por un desarrollo previsible y carente de cualquier tipo de mordacidad. Para colmo de males el final es edulcorado hasta el límite de lo soportable.
El nuevo trabajo de Christina Jeffs se ve con facilidad entre otras cosas porque no oculta su falta de pretensiones, y aunque su irregularidad en otras circunstancias no supondrían demasiadas molestias, el tan cacareado parecido con el que ha sido promocionado hace que uno se sienta estafado por el descarado oportunismo de sus distribuidores.

Madres & hijas

2010-07-15T17:58:00.000-07:00

Solo con que Rodrigo García tuviera un 10% del talento de su padre – el premio Nobel de literatura Gabriel García Márquez – ya podríamos decir que estamos ante un cineasta notable, pero dejándonos de comparaciones odiosas e innecesarias, lo cierto es que la breve filmografía del mexicano – este es su cuarto largometraje – va creciendo en interés y ganando en matices.
García se ha convertido en un excelente retratista del universo femenino, las mujeres han sido los cimientos sobre los cuales se han asentado sus dramas corales – el que nos ocupa más “Cosas que diría con solo mirarla” (1999) y la recomendable “Nueve vidas” (2005) – con la excepción de esa rara avis que es en su carrera el thriller sobrenatural “Passengers” (2008), un modo de experimentar con un guión ajeno que se saldó con una tibia recepción.

Aparte de este film de encargo, García también ha sabido adaptarse al formato televisivo para ponerse al servicio de series de tanta entidad como “Los Soprano”, “A dos metros bajo tierra”, “Big love” o la prematuramente cancelada “Carnivale”, para las cuales aportó su profesionalidad en algunos de sus capítulos.
“Madres & hijas” tampoco ha levantado ningun fervor a su paso por el Festival de Cannes, aunque se trate de un drama realizado con sensibilidad y elegancia, que además ofrece unas interpretaciones sobresalientes de su amplio plantel interpretativo – especialmente de Bening, Watts y Smits – y cuyas tres historias culminan en un final del que es practicamente imposible no contagiarse de su sentimiento y emoción.

Karen (una Annette Bening en la mejor interpretación de su carrera a quien la Academia hace ya algún tiempo que le debe un Oscar) lleva una existencia infeliz. A sus 50 años vive con su anciana madre a la cual nunca le perdonó que le obligara a entregar a su hija en adopción cuando no era más que una adolescente. Karen se encuentra reticente ante las atenciones de un compañero de trabajo, Paco (un estupendo Jimmy Smits muy alejado ya de la época de “Gringo viejo”) que supone la oportunidad de iluminar su vida gris, obsesionada como está por la hija a la que nunca conoció.
Elizabeth (una Naomi Watts que merece ya un unanime reconocimiento aunque no con la urgencia que Bening) es la hija dada en adopción que se ha convertido en una fría y ambiciosa abogada desarraigada en su vida laboral y sexual. Su llegada al bufete del viudo Paul (sorprendente Samuel L. Jackson por lo comedida y convincente que resulta su interpretación) pondrá en entredicho la jerarquia de poder de la empresa después de que entre ambos haya algo más que una relación de trabajo. Elizabeth que está de paso en todas partes, abandonará también el bufete de Paul, guardando un importante secreto.

Lucy (Kerry Washington, descubierta en “El último Rey de Escocia”) es una joven dispuesta a todo con tal de ser madre, aunque en realidad desconozca la responsabilidad y el sacrificio que ello conlleva. La adopción se convierte en su última esperanza contactándo con una joven embarazada que le impone unas ferreas condiciones antes de decidir si le entregará a ella el bebé que engendrará.

“Madres & hijas” se topará con los típicos prejuicios que la tachen injustamente de “cine femenino”, cuando en realidad se trata de un absorvente y maduro drama con fuertes personajes femeninos con los que no siempre es fácil empatizar, pero cuyo desarrollo las hace comprensiblemente humanas. Los personajes masculinos – entre los que se encuentran un fugaz David Morse – por el contrario ponen la cara amable, tienen toda la sensatez y el saber estar del que carecen las mujeres.
Un interesante y muy, muy recomendable estudio sobre la maternidad visto desde varios ángulos, los que representan, de hecho, las tres mujeres que encabezan cada uno de los entretejidos segmentos. “Madres & hijas” es en definitiva una pequeña delicatessen de sublimes y sutiles detalles.

Mamút

2010-07-11T18:16:00.001-07:00

El sueco Lukas Moodysson es el realizador con más proyección internacional de su país desde la muerte de Bergman, quien en vida manifestó reiteradamente su admiración hacia el joven cineasta. Titulos como “Fucking amal” (1998), “Juntos” (2000) o “Lilya 4-ever” (2002) han recorrido los festivales de todo el mundo y han dejado constancia de su gusto por la experimentación y su atrevimiento a la hora de concebir la temática de una obra que ha ido haciéndose más y más críptica.
“Mamút” es la primera película que rueda en inglés con una estructura similar a la “Babel” (2006) – film con el que ha sido comparada incesantemente – ya que cada una de sus tres historias se desarrolla en países diferentes (Nueva York, Tailanda y Filipinas) y todas ellas tienen un nexo común con las otras. La narración de las tres historias que propone “Mamút” se hace paralelamente, de manera intercalada.

Sí algo hay que señalar a favor de “Mamút” es que sus historias encajan de un modo más natural y menos rebuscado que “Babel”, aunque el film de Moodysson no posea el mismo impacto visual ni la capacidad de trascendencia del de Iñárritu. En ambos casos el drama amenazante que planea sobre el último tercio opta por no cargar todas sus tintas, abriendo una ventana a la esperanza para alivio del espectador.

Gael García Bernal y Michelle Williams interpretan a un matrimonio norteamericano que ha superado con creces sus metas laborales; él es un friki de los videojuegos que abrió una página en internet y terminó convirtiéndose en un ejecutivo que firma contratos por valor de muchos millones de dólares; ella es una cirujana cuyo absorvente trabajo físico y emocional no le permite disponer del tiempo que quisiera para cuidar de su única hija, tarea de la que se encarga una niñera (Marife Necesito) emigrante filipina que abandonó a sus propios hijos para poder facilitarles una educación y una sanidad. La creciente complicidad entre la niñera y la hija del matrimonio, la ausencia del padre en un viaje de negocios por Tailandia y un trágico suceso desestabilizará el, en apariencia, estrecho nucleo familiar.

Producida por Lars von Trier “Mamút” es otro de los films que se suman a criticar la globalización, el absorbente influjo de las sociedades modernas monopolizadas y el efecto que puede tener un acontecimiento en el otro lado del mundo. La ambición y el éxito profesional no son siempre compatibles con una vida familiar en la cual la escasez de tiempo y dedicación abre grietas difíciles de rellenar, parece ser el discurso que propone en esta ocasión Moodysson, aparte de las siempre presentes inseguridades y los inevitables celos que toda pareja atraviesa.

En el episodio de Filipinas queda relegada la parte más crítica del conjunto, la situación de miseria y desamparo que padecen los países subdesarrollados y la huida desesperada en busca de una vida mejor y más digna. Que “Mamút” discurra por caminos ya transitados no es óbice para que se trate de una propuesta estimulante, intensa y apasionada. Un film con un buen guión detrás que deja la evidencia de que Moodysson es un excelente narrador y un solvente director de actores – el film presenta a un más que ajustado García Bernal y a una soberbia Williams - . La música es un protagonista más del film, excelentemente seleccionada y encajada, aunque la emotiva “The greatest” de Cat Power inevitablemente nos lleve hasta “My blueberry nights”, otro film de cuidada estética que también fue la puesta de largo en el mercado USA de un afamado director chino… pero esa historia me suena que ya la he contado.
“Mamút” es un film excelente que merecía mucha más atención de la que le dispensaron.

EL MAYOR MISTERIO, LA MUERTE DE SU AUTOR

2010-07-08T17:34:00.000-07:00

Miguel Ángel Prieto fue un joven licenciado en periodismo apasionado por el cine y concretamente con las historias menos amables del séptimo arte, las más sórdidas y tragicas sucedidas en la meca del cine que despertaban una curiosidad casi insana en él, hasta el punto de recopilar esta serie de dolorosas anecdotas en un libro que bajo el título "Vivir y morir en Los Ángeles" vió la luz en 2003 gracias a la mejor editorial de libros de cine que existe en la actualidad en nuestro país, T&B. Este libro permanecía descatalogado y, afortunadamente ha vuelto a ver la luz con el título ligeramente cambiado, "Un paseo por el lado oscuro de Hollywood: Vivir y morir en la meca del cine", pero con el mismo interés que presentaba hace ya 7 años. A quien le guste mi sección "La otra cara del éxito" le recomiendo este libro que se encuentra ya en las mejores librerias.

Prieto además hizo uno de los mejores estudios que en nuestra lengua se le ha dedicado al film "Blade runner" y escribió una completa retrospectiva de la breve carrera de James Dean, al que definió como un ángel oscuro. Pero, como antes he dicho, sus preferencias siempre se decantaban hacia los sucesos desafortunados y hacia los films que o bien por una serie de coincidiencias o por la peor de las casualidades arrastraban una leyenda negra tras de sí, como eran los casos de "Rebelde sin causa" o "Poltergeist". En "¡Malditas películas!" analizó sorprendentes hechos acontecidos en otras muchas películas que no tuvieron tanta notoriedad.

Y como la realidad muchas veces supera a la ficción, Miguel Ángel Prieto falleció con tan sólo 36 años de un modo tan misterioso como todos aquellos casos que tanto le inquietaban y que raramente tenían una explicación. El mayor de los secretismos rodeó su muerte y ni siquiera su propia hermana quiso esclarecer la causa de su fallecimiento, se limitó a decir que había sido muy doloroso para toda la familia y que estaba orgullosa de que su hermano quedara inmortalizado en las páginas de una obra corta pero muy interesante, truncada prematuramente.

* "Un paseo por el lado oscuro de Hollywood" está editado por T&B.

SILENCIO, HOFFMAN RUEDA

2010-07-05T07:57:00.001-07:00

Dustin Hoffman ya tuvo una tentativa de dirigir hace más de 30 años, comenzó la filmación del film "Libertad condicional" (1978) y a los pocos días, arrepentido de su decisión o sobrepasado por compaginar labores de dirección e interpretación, le confió el proyecto al realizador de origen belga Ulu Grosbard, convirtiéndose éste, de manera accidental, en el tercer film de una carrera muy poco fecunda e intermitente que únicamente comprende 7 titulos. En "Libertad condicional" colaboró un joven guionista llamado Michael Mann, aunque su labor nunca llegara a ser acreditada en el film. Se trata, además de uno de los films menos recordados de Hoffman en la década de los 70.

Después de no haber llegado a un acuerdo para volver a ser Bernie Focker en "Little Fockers" (2010) y de haber sido pillado morreándose en plena Superbowl con el actor Jason Bateman, sorprende descubrir que ahora, a los 73 años, Hoffman tiene intención de dar el salto a la realización. El título que se baraja para el film es "Quartet" y se trata de una comedia con el mundo de la Ópera de fondo.

Curiosamente en "Quartet" se ha dado la circunstancia inversa, ha sido Hoffman el que se ha encargado de sustituir al director inicialmente previsto, el británico Richard Loncraine, cuyo film más destacable podríamos decir que es "Ricardo III" (1995). El film estará protagonizado por un trio de actores de enorme veteranía, Albert Finney (74 años), Maggie Smith (75 años) y Tom Courtenay (73 años). Para su estreno, en caso de que el proyecto obtenga luz verde, se tendrá q esperar hasta el año próximo.

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XXIII)

2010-07-01T17:01:00.001-07:00

ANTHONY DWAIN LEE
Reeding, California (USA), el 17 de julio de 1967
Los Angeles, California (USA), el 28 de octubre de 2000

Actor afroamericano nacido en Reeding, aunque criado en Sacramento, su sueño era triunfar en la actuación y su miedo, que el color de su piel fuera un impedimento para ello. Por desgracia Anthony no pasó a la historia del cine por su corta carrera sino por el lamentable y desafortunado modo que tuvo de morir. En el telefilme “Face of a stranger” (1991), un drama de lucimiento para la veterana actriz Gena Rowlands, se le pudo ver brevemente encarnando a un médico de urgencias. Las series “La doctora Queen”, “Policías de Nueva York”, “Brooklyn South”, “Los siete magníficos”, “Arli$$” o “Chicago hope” contaron con su presencia como actor invitado en alguno de sus capítulos. El mayor logro de su carrera puede considerarse haber intervenido en el filme “Mentiroso compusilvo” (1997), la célebre comedia de Jim Carrey en la que Anthony tenía un personaje brevísimo. Los otros dos filmes que rodó ni siquiera se estrenaron en nuestro país, el último de ellos “Waterproof” (1999), protagonizado por Burt Reynolds, hablaba de conflictos raciales. La noche del 28 de octubre del año 2000 el novato policía Tarriel Hopper recibió el aviso de unos vecinos molestos por el ruido proveniente de una fiesta organizada en una mansión en Benedict Canyon. Cuando el policía se acercaba a la lujosa residencia vió a través de una puerta de cristal la silueta de tres hombres, cuando uno de ellos se giró descubrió que llevaba una pistola en su mano que parecía apuntarle. El agente vació el cargador de su arma reglamentaria, alcanzándole con dos impactos en la espalda, uno en el corazón y otro en la parte posterior de su cabeza. Cuando toda aquella confusión se despejó, el joven agente, que curiosamente era afroamericano, descubrió que aquel hombre al que había abatido a tiros no era otro que Anthony, quien celebraba la víspera de Halloween junto a unos amigos, la pistola era de juguete, un complemento al disfraz de diablo que había elegido para esa noche tan especial. El suceso dio la vuelta al mundo y el juicio finalizó con una indemnización ridícula para los 100 millones de dólares que se pedían y que fueron a parar a la hermana y única beneficiaria de la herencia de Anthony, ya que sus padres habían fallecido y se encontraba separado desde hacía 4 años de su mujer, la también actriz Serena Scholl. La dramática muerte a los 33 años de Anthony Dwain Lee tuvo como único homenaje la dedicatoria de un capítulo de la séptima temporada de la serie “Urgencias”, en el cual había participado poco antes de fallecer.

LA CARRERA DE CRUISE SIN RUMBO

2010-06-30T04:17:00.000-07:00

Tom Cruise no sabe que hacer con su carrera ni hacia donde tirar, después de sus excentricas apariciones en el Show de Oprah, de sus relamidas declaraciones de amor hacía Katie Holmes, madre de su única hija Suri y de sus escandalos cienciológicos con placentas incluidas, su tirón comercial se ha resentido y ahora, haga lo que haga, no despierta el interés de antaño, cuando encadena films que sobrepasaban con facilidad la anhelada barrera de los 100 millones de dólares.

Sí "Misión imposible 3" (2006) fue una pequeña decepción - que por cierto no va a evitar que haya una cuarta entrega dirigida por Brad Bird ("Los increibles") que se encuentra en proceso de pre-producción -, "Leones por corderos" (2007) fracasó a lo grande en todo el mundo, a pesar de ser un film muy destacable, y "Valkiria" (2008) no cubrió, ni de lejos, con las expectativas. El único film de Cruise que puede considerarse un éxito en su última etapa es "Tropic Thunder" (2008), en donde encarnaba un personaje, cuanto menos, atípico en su carrera y muy autoparódico. Se trataba del productor Less Grossman, colérico, calvorota, miope y barrigón.

Esta muestra de tener sentido del humor y de tomarse muy poco en serio, en cierto modo, lavó su imagen, pero el "pinchazo" ahora de "Noche y día" (2010) en USA - aplastada por titanes como "Shrek: Felices para siempre" o "Toy Story 3" - ha vuelto a demostrar que su poder de convocatoria ya no es el de antes, claro que las malas críticas tampoco es que ayudaran mucho...

La reciente aparición de Cruise caracterizado como Grossman y bailando junto a Jennifer López en la gala de los Premios MTV fue la definitiva confirmación de que siente apego por el personaje y que quiere recuperarlo para que sea protagonista de un film que aunque aún no tiene título está desarrollando Michael Bacall - que tenía un pequeño papel en "Malditos bastardos" - con la idea de ser también el director, además del guionista.

LAS PROPUESTAS MÁS INTERESANTES PARA JULIO

2010-06-30T03:07:00.002-07:00

Aqui os presento el calendario de las propuestas más interesantes para el mes de julio. Un mes ampliamente multicultural, el cine independiente americano (Baumbach, García), se da de frente con films de otras nacionalidades que le igualan y a menudo incluso superan en interés. Habrá un poco de todo: cine francés (Sfar), inglés (Bouchareb), holandés (Antoniak), belga (Dardenne) e incluso egipcio (Nasrallah). Habrá para todos los gustos.

2 de julio:

- "Madres & hijas", de Rodrigo García.

- "Mujeres de El Cairo", de Yousry Masrallah.

9 de julio:

- "Gainsbourg (Vida de un héroe)", de Joann Sfar.

16 de julio:

- "Greenberg", de Noah Baumbach.

- "El circo de los extraños", de Paul Weitz.

- "London river", de Rachid Bouchareb.

23 de julio:

- "Las vidas posibles de Mr. Nobody", de Jaco Van Dormael.

- "Nothing personal", de Urszula Antoniak.

30 de julio:

- "El silencio de Lorna", de Jean-Pierre & Luc Dardenne.

JEFF BRIDGES Y MERYL STREEP PODRÍAN TRABAJAR JUNTOS

2010-06-28T04:37:00.001-07:00

Él ha tenido de partenaries a Jessica Lange, Michelle Pfeiffer, Kim Basinger, Jane Fonda, Joan Allen, Cybill Shepherd, Isabella Rossellini, Barbra Streisand o Sharon Stone; ella a Robert de Niro, Dustin Hoffman, Robert Redford, Jeremy Irons, Jack Nicholson, William Hurt, Denzel Washington o Pierce Brosnan.

Jeff Bridges y Meryl Streep nunca han trabajado juntos pero es posible que muy pronto lo hagan. El artífice de esta reunión es el veterano realizador Mike Nichols (Oscarizado por "El graduado" y cuyo último trabajo fue "La guerra de Charlie Wilson") que en su último proyecto quiere contar con ellos y con Philip Seymour Hoffman, cuya participación dependerá de que las fechas de rodaje no coincidan con las de su última colaboración con Paul Thomas Anderson en el film "The master" (del que ya hablé hace tiempo).

El film "Great hope springs" trata sobre un matrimonio que después de 30 años sufre una fuerte crisis y dudan entre echarlo todo por la borda o intentar superarlo. Finalmente decidirán acudir a una terapia especial de pareja. Este film que antes de su rodaje ya huele a Oscar cuenta con un guión escrito por Vanessa Taylor.

"MILLENNIUM" O COMO EXPRIMIR UN FENÓMENO HASTA LA ÚLTIMA GOTA

2010-06-20T16:24:00.001-07:00

La falta de imaginación en Hollywood es preocupante, sí llevar al cine "El equipo A" era del todo innecesario, más descabellado, si cabe, es volver a rodar films como "Karate Kid" o "Pesadilla en Elm Street", sin modificar apenas unas líneas de guión y, lo que es peor, sin aportar algo novedoso que justifique el remake.

El año pasado se concluyó la publicación de la trilogía "Millennium", la edición del tercer volumen tuvo un lanzamiento como nunca antes se había visto; después llegó la adaptación al celuloide y en cuestión de diez meses se habían estrenado las tres partes, la primera de ellas se mantuvo casi seis meses en cartelera y la última poco más de un mes. El público acusaba agotamiento de ver una producción sueca rodada apresuradamente con una descarada factura televisiva. El único aliciente por el que se me ocurriría recomendar a alguien que viera la trilogía sería por descubrir la presencia magnética y carismática de la joven actriz Noomi Rapace, a la que Hollywood ya debe estar haciéndole llegar sus cantos de sirena.

Si no hemos tenido suficiente "Millennium" ahora se anuncia para 2011 la relectura que del fenómeno literario hará el cine USA con David Fincher como director encargado de aportarle un estilo personal y una estética impactante. No lo tendrá complicado dado que el listón no se encuentra demasiado alto... ¿pero realmente hay un interés creativo en este remake o se trata de una operación lucrativa de marketing tan sólo?. Daniel Craig, al que la crisis ha parado su tercer Bond, es el favorito para encarnar al escritor Mikel Blomvist, mientras que Natalie Portman, Ellen Page, Scarlett Johansson, Carey Mulligan y Kristen Stewart compiten para conseguir el de Lisbeth Salander, el personaje estrella de la voluminosa obra. Cuando el proyecto esté más desarrollado se rodará en Suecia, probablemente en octubre.

LA OTRA CARA DEL ÉXITO (XXII)

2010-06-18T05:06:00.001-07:00

NICOLE DeHUFF
Antlers, Oklahoma (USA), el 6 de enero de 1975
Los Angeles, California (USA), el 16 de febrero de 2005

Vivió una infancia itinerante por los estados de Oklahoma y de Arkansas antes de decidirse por la interpretación y graduarse en drama en el prestigioso Conservatorio de actuación Carnegie Mellon, allí conoció al futuro realizador y productor Ari Palitz con el que se casaría en el 2000. Sin apenas experiencia consiguió un papel importante en “Los padres de ella” (2000), junto a Ben Stiller y al icónico Robert de Niro, encarnando a la hermana mayor de Teri Polo. La escena en la que Stiller le rompe la nariz jungando al voleibol es por la que más es recordada. Después llegarían apariciones especiales en episodios de series como “CSI”, “El abogado”, “Monk”, “Sin pistas” o “CSI: Miami”, además de un rol fijo en la serie sobre abogados protagonizada por Sally Field y Chris Sarandon “The court” (2002) que no pudo mantener ya que la serie fue cancelada después de la emisión de su tercer episodio. Después de la decepción de saber que “Los padres de él” (2004) prescindía de su personaje, rodó un segundo film, “Sospechoso cero” (2004), aunque su rol era mucho menos estelar. El telefilm “See Arnold run” (2005), era un biopic sobre Arnold Schwarzenegger desde su etapa como culturista – encarnado por Roland Kickinger – hasta sus años como Gobernador de California – encarnado por el alemán Jürgen Prochnow - . Nicole encarnaba en este mediocre telefilm a Barbara, una camarera americana que fue el primer gran amor de Arnie. Su último trabajo en cine fue en la comedia romántica independiente “Unbeatable Harold” (2006), dirigida precisamente por su marido Ari Palitz, que tardó 5 años en estrenarse después de rodarse escenas adicionales en 2008. Unos meses después de haber completado sus escenas como la motorista Wanda, Nicole cayó enferma, acudió a tres hospitales y en ninguno de ellos le diagnosticaron la neumonía que sufría y que terminaría con su vida a los 31 años.

DE NIRO SE MULTIPLICA

2010-06-16T16:13:00.001-07:00

Robert de Niro se encuentra rodando en Melbourne (Australia) el film "The killer elite", que supone el debút en el largo del realizador Gary McKendry, nominado al Oscar por su único corto "Everything in this country must" (2004), un duro drama rodado en Irlanda del Norte. El film protagonizado además por Clive Owen, Jason Statham, Lachy Hulme y el televisivo Dominic Purcell, se trata de un thriller de acción con ramificaciones políticas.

En marzo terminó el rodaje en Filadelfia de "The dark fields", dirigida por Neil Burger ("El ilusionista"), junto al ubicuo Bradley Cooper, Anna Friel y Abbie Cornish. Se trata de un thriller fantástico de suspense en el cual un escritor fracasado consigue dar con una droga que le otorga el éxito, de Niro es el despiadado magnate dispuesto a hacerse con el revolucionario invento que no obstante oculta peligrosos efectos secundarios.

El invierno pasado se rodó "Little fockers", segunda secuela de "Los padres de ella", dirigida en esta ocasión por Paul Weitz ("In good company") y con un reparto de órdago que completan Ben Stiller, Teri Polo, Blythe Danner, Owen Wilson, Jessica Alba, Laura Dern, Barbra Streisand y Harvey Keitel, que podría encarnar el personaje que hizo en "Los padres de él" Dustin Hoffman, quien no llegó a un acuerdo con los productores para intervenir en este film. El film que en principio iba a estrenarse este verano se ha retrasado hasta las próximas navidades.

Unos meses antes Robert Rodríguez había rodado "Machete", proyecto surgido a raíz del falso trailer que se rodó hace años para su inclusión en "Planet terror" en el cual de Niro encarna al Senador McLaughlin, el villano de la función. El muy llamativo reparto lo completan Danny Trejo, Jessica Alba, Michelle Rodríguez, Lindsay Lohan, Rose McGowan, Jeff Fahey, Cheech Marin, Don Johnson y Steven Seagal. Será uno de los bombazos post-vacacional.

Rodada hace más de un año y aún esperando fecha de estreno se encuentra "Stone", de John Curran ("El velo pintado"), film carcelario que ha provocado el féliz reencuentro de de Niro con Edward Norton. Milla Jovovich es el tercer vértice de un triángulo repleto de pasiones, conspiraciones y traiciones.

Si todos estos films no son ya suficientes a de Niro le aguardan los rodajes de "Selma", de Lee Daniels ("Precious") y de "Sinatra", el film que le reunirá casi con toda seguridad con Martin Scorsese después de casi 15 años sin trabajar juntos.

¿JOHN CUSACK, GARANTÍA DE CALIDAD?

2010-06-13T14:52:00.001-07:00

No he visto por completo "Jacuzzi al pasado", no entraré a valorarla aunque pueda llegar a hacerme una idea. Parece que a la gente le hace gracia ver a John Cusack riéndose de los tópicos horteras ochenteros, década en la que él precisamente debutara con films orientados a un público tan poco exigente como el que ahora acude a ver su último trabajo. Films como "Class" (1983), "16 velas" (1984), "Juegos de amor en la Universidad" (1985) o "Natty Gann" (1985) no nos preparaban para llegar a pensar que a aquel actor adolescente volveríamos a verle con regularidad y que se convertiría en uno de los más interesante de su generación.

Puede que "Jacuzzi al pasado" esté hecha con respeto y nostalgía, puede que sea loable el haber recuperado para la ocasión a Crispin Glover o Chevy Chase, puede que tenga algún punto que te arranque alguna carcajada, pero... ¿qué queréis que os diga?, a mí me da bastante pena ver a John Cusack ahí metido, y es que su carrera no atraviesa precisamente el mejor momento como para que encima se la tome él mismo tan poco en serio. Encadenar un film con tan pocas pretensiones como "Jacuzzi al pasado" a ese despropósito llamado "2012" no parece la mejor de las decisiones. Ya es momento de recuperar un viejo dicho que decía que "un film con John Cusack es siempre una garantía de calidad". Hoy por hoy, a la vista está que no.

Cusack tenía que haber aprendido ya la lección, está gafado para la comedia, la prueba es que "Serendipity" (2001) o "Y que le gusten los perros" (2005) se encuentran entre lo peor de su ya larga filmografía. En otros registros recientes, el thriller de acción de "The contract" (2006), o el drama de "Vida sin Grace" (2007) o "El niño de Marte" (2007) tampoco funcionaron como se esperaba. Quizás habría que remontarse hasta "La cosecha de hielo" (2005), que sin ser tampoco nada del otro mundo al menos funcionaba como comedia negra con muy mala uva y con algún que otro giro argumental conseguido, para encontrar un film interpretado con Cusack que cuente con cierta solidez.

Cusack, que en la actualidad tiene 44 años, ha trabajado con directores tan prestigiosos como James L. Brooks ("Al filo de la noticia"), Alan Parker ("El balneario de Battle Creek"), Terrence Malick ("La delgada línea roja"), Mike Newell ("Fuera de control"), Spike Jonze ("Cómo ser John Malkovich"), Stephen Frears ("Los timadores" y "Alta fidelidad"), Gary Fleder ("El jurado"), Clint Eastwood ("Medianoche en el jardín del bien y del mal") o Woody Allen ("Sombras y niebla" y "Balas sobre Broadway"). De momento lo próximo que veremos de él será un film de época llamado "Shanghai", en el que ha vuelto a ser dirigido por el sueco Mikael Hafstrom, con el que se adentró en un film de terror, "1408" (2007), después de haber hecho otro, "Identidad" (2005), para nada desdeñable. ¿Recuperará Cusack el prestigio perdido por sus erroneas decisiones?.

EASTWOOD PARA RATO

2010-06-09T17:33:00.001-07:00

Los devotos del cine de Clint Eastwood, un club cada día más numeroso en el cual me incluyo, van a juntarse con toda una extensa bibliografía sobre el denominado "último cineasta clásico", porque no hacen más que aparecer libros que repasan su interesante carrera a lo largo de seis décadas. Desde las pasadas navidades hasta hoy 4 libros han visto la luz: "El universo de Clint Eastwood", editado por Notorious, es un libro coral en el que usando el formato de un diccionario se repasan todos sus films - incluídos los primeros en los que solo contaba con unas pocas frases - , haciendo también hincapie en los actores y técnicos con los que más ha colaborado y en aspectos relevantes de su vida que influyeron es su propia obra.

El crítico Carlos Aguilar ha hecho un ensayo sobre Eastwood, publicado en Cátedra, que no elude a zonas más pantanosas en la trayectoria del cineasta. Carece de material gráfico pero lo compensa con una análisis exhaustivo de su filmografía. La biografía de Eastwood escrita por Patrick McGilligan y editada en Lumen es mucho más dañina porque aunque es generoso en alabar su obra tampoco escatima argumentos para definir a Clint como un ser machista, tacaño, egocéntrico e infiel por naturaleza. Eastwood demandó judicialmente a McGilligan y ambos llegaron a un acuerdo que nunca se hizo público.

El último en llegar ha sido "Clint Eastwood: Una retrospectiva", editado por Blume, presenta una factura y un material gráfico impresionante. Está escrito por el veterano periodista Richard Schickel, quien con anterioridad se acercó a las figuras de Cary Grant, Elia Kazan, D.W. Griffith, Marlon Brando, James Cagney o Woody Allen, quien conoce desde hace largos años a Eastwood, el cual se ha ofrecido a escribir la introducción del libro que, como el dice, espera que se quede obsoleto desde su misma publicación, y no le falta razón porque la hiperactivad que presenta a sus 80 años es admirable.

El libro se cierra con "Invictus" y no menciona nada del film de Eastwood que se encuentra ya en periodo de post-producción, "Hereafter", que producirá un importante cambio de registro ya que se trata de un thriller fantástico en la línea de "El sexto sentido" y del que no se ha desvelado nada de una trama que protagonizan Matt Damon, Bryce Dallas Howard, Jay Mohr, Richard Kind - recientemente visto en "Un tipo serio" - y la veterana actriz suiza Marthe Keller. El guión de Peter Morgan - "The Queen" y "Frost contra Nixon" - es un secreto guardado bajo cuatro llaves.

Y eso no es todo porque ahora mismo Eastwood se encuentra preparando el que será su siguiente rodaje, un biopic sobre el creador del FBI J. Edgar Hoover, que contará casi con toda seguridad con Leonardo DiCaprio como protagonista. Leyendas como Eastwood no tenían que morir para que siguieran disfrutándoles generación tras generación, de cualquier forma parece que queda Eastwood para rato.

LOS PRIMEROS PASOS DE...

2010-06-08T04:53:00.001-07:00

Cuatro actores muy interesantes. Tres hombres y una mujer. Uno de ellos mexicano, otro norteamericano y los dos restantes australianos. Ellos son por orden de veteranía: Guy Pearce (42), Gael García Bernal (31), Abbie Cornish (27) y Paul Dano (26). Hoy podrás conocer sus primeros pasos en el mundillo cinematográfico cuando no eran más que una pandilla de novatos.

GAEL GARCÍA BERNAL
Es el actor mexicano con mayor proyección internacional, y es que haber entrado recientemente en la treintena y ya contar con un currículum que engloba nombres como los de Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón, Walter Salles, Fernando Meirelles, Pedro Almodóvar, Michel Gondry o Jim Jarmusch, no es moco de pavo. La fama le llegó a raíz del enorme éxito de dos films, "Amores perros" (2000) e "Y tu mamá también" (2001), desde entonces Gael se ha ido encaminando hacia el cine independiente, su última colaboración con el director sueco Lukas Moodysson en "Mamút" (2009) demuestra su buen olfato para decantarse por proyectos que implican riesgo y esfuerzo, pero aportan prestigio. Gael también ha demostrado sentir curiosidad por nuestros cineastas, el ya mencionado Almodóvar con el que trabajó en "La mala educación" (2004) y con el que se llevó a matar, y Agustín Díaz Yanes que le dirigió en la decepcionante "Sin noticias de Dios" (2001). A estos nombres habrá que sumar próximamente los de Icíar Bollaín y Mateo Gil. La primera vez que Gael se puso frente a una cámara fue a la edad de 11 años en un culebrón llamado "Teresa" (1989), que curiosamente protagonizaba Salma Hayek. En su siguiente telenovela "El abuelo y yo" (1992) ya conseguía un papel más estelar y coincidía con su buen amigo Diego Luna.

* Sí eres tan masoca de tragarte los insoportables 135 capítulos de que consta "El abuelo y yo" quizás puedas encontrarla en la página http://tustelenovelasfavoritas.com/.

PAUL DANO
Otro actor que tardó muy poco en apuntar maneras, con 17 años ya recogía el Independent Spirit Awards por su debút en "L.I.E" (2001), film sobre problematicos adolescentes en el que coincidió con el veterano Brian Cox, con el que recientemente ha vuelto a compartir planos en "The good heart" (2009). Su especialidad son los personajes inadaptados y desencantados que hizo en films como "Pequeña Miss Sunshine" (2006), "Fast food nation" (2006) o "The King" (2005), en la que coincidió con Gael García Bernal. Dano tiene el honor de haber trabajado en dos ocasiones con un actor que se prodiga muy poco, Daniel Day Lewis, en la aquí inédita "The ballad of Jack and Rose" (2005) y en "Pozos de ambición" (2007), en la que daba vida a un teatrero predicador que irónicamente era el que recibía las hostias por parte de ese magnate petrolífero que interpretó tan bien Day Lewis y que le hizo merecedor del segundo Oscar de su carrera. Ahora veremos que tal se desenvuelve Dano en el cine comercial ya que ha secundado a Tom Cruise y Cameron Díaz en "Noche y día" (2010), rodada en gran parte en nuestro país.

* "L.I.E" está editada en nuestro país, así como el siguiente trabajo de Michael Cuesta, "El fin de la inocencia" (2005).

GUY PEARCE

Inglés de nacimiento, aunque desde muy joven ha vivido en Australia, fue un rostro muy popular televisivo hasta que el film policiaco "L.A. Confidential" (1997) le reveló internacionalmente junto al neozelandés Russell Crowe. Films como "Ravenous" (1999), la imprescindible "Memento" (2000), la infravalorada "Dos hermanos" (2004) o la interesante "Primera nevada" (2006) nos han dado sus mejores y más variados registros, aunque en su irregular trayectoria ha habido manchas del calibre de "La maquina del tiempo" (2002) o "Más allá de los sueños" (2008). De cualquier modo, sus films más interesantes y arriesgados no suelen llegar a nuestras pantallas y últimamente tenemos que conformarnos con sus apariciones en plan visto y no visto en films como "En tierra hostil" (2008) o "The road" (2009). Al igual que muchos de los actores jovenes australianos, el debút de Pearce estuvo ligado a la longeva serie "Vecinos", que comenzó a rodarse en 1985 y aún permanece en antena. Por ella también pasaron Kylie Minogue, Jason Donovan, Russell Crowe, Holly Valance, Natalie Imbruglia o Radha Mitchell.

* "Vecinos" se emitió durante los 90 en Telemadrid, el número de capítulos rodados prontó alcanzará la cifra de los 6.000.

ABBIE CORNISH
Un joven y bello rostro proveniente también de las antípodas que para muchos aún está por descubrir porque no la vieron en ese thriller lésbico que era "El círculo íntimo" (2000), ni en ese drama sobre dos adictos a las drogas - rodada junto al malogrado Heath Ledger - que era "Candy" (2006), ni siquiera en esa maravillosa e incomprendida comedia romántica que era "Un buen año" (2006). Teniendo en cuenta que el que quizás sea su mejor film, "Somersault" (2004) - junto al engrandecido Sam Worthington - permanece inédito, lo poco que muchos pueden saber de ella es que según la prensa amarilla fue la causante de la separación de Ryan Philippe y Reese Whiterspoon. Ahora tendrá la oportunidad de brillar tanto como indica el título del nuevo film de la afamada directora de "El piano", Jane Campion, con "Bright star" (2009) reaparece después de sufrir el menosprecio por parte de la crítica con su anterior trabajo, la turbia y nada desdeñable "En carne viva" (2003). Abbie con sólo 15 añitos ya aparecía en la televisión australiana con un western-serial que permaneció dos temporadas en antena, "Wildside" (1997-99).

* La serie "Wildside" no está ni siquiera editada en su país de origen, ¡por algo será!.

STALLONE VA A POR TODAS CON "THE EXPENDABLES"

2010-06-07T05:47:00.001-07:00

Nadie se imaginaba que el inexpresivo e inexperto actor que había hecho un papel de reparto en el film pornográfico "El semental italiano" (1970) alcanzaría pocos años después un éxito tan desbordante con "Rocky" (1976), una dura historia de superación a golpes que lanzaba a un actor italoamericano llamado Sylvester Stallone, que había aparecido en papeles anecdóticos en películas como "Klute" (1971), "Bananas" (1971) o "Capone" (1975) y protagonizado un film de serie B que con el tiempo se convertiría en una obra de culto, "La carrera de la muerte del año 2.000" (1975). Stallone obtenía una doble nominación al Oscar como actor y como guionista, una gesta que hasta la fecha solamente habían conseguido Orson Welles y Charles Chaplin.

Después de ser dirigido por Norman Jewison en "FIST: Símbolo de fuerza" (1978), Stallone se decidió a dirigir su siguiente film, "La cocina del infierno" (1978), que aunque fracasó en taquilla también cuenta con un nutrido club de defensores. El éxito de "Rocky II" (1979) - más de 200 millones de dólares recaudados en todo el mundo - ya dirigida por Stallone le convirtió en la nueva estrella de acción de la década de los 80 y los críticos empezaron a manifestar sus peores augurios. En dicha década surgió el segundo personaje al que debe su fama y fortuna, John Rambo, que apareció por vez primera en "El acorralado" (1982). Stallone se dedicó en cuerpo y alma a exprimir hasta la saciedad sus dos lucrativas franquicias, de Rocky Balboa se han rodado 6 films y de John Rambo 4.

Precisamente la resurreción de los personajes de Rocky en 2006 y de Rambo en 2008 le devolvieron a Stallone el favor del público perdido desde mediados de la década de los 90, su estrella estaba tan apagada que había aceptado ser el villano de "Spy Kids 3-D" (2003) e intervernir como estrella invitada en la serie "Las Vegas" (2005). No había funcionado su intento por acercarse a un cine más adulto con "Cop land" (1997) - rodeado por actores como Robert de Niro, Harvey Keitel o Ray Liotta - , en la que aparecía con muchos kilos de más por exigencias del guión. La comedia no era lo suyo como demostraron esos dos horrores que son "Oscar, ¡quita las manos!" (1991) y "¡Alto! o mi madre dispara" (1992), en la que formaba junto a Estelle Getty - Sophia Petrillo en "Las chicas de oro" - una de las más extrañas parejas de la historia del cine. Tampoco nadie se atrevía a reconocer que "Máximo riesgo" (1993) e incluso "Asesinos" (1995) no eran tan malas como los críticos apuntaron.

Este verano llegará el nuevo trabajo de Stallone como actor y director, "The expendables", que todo apunta a que será uno de los grandes éxitos del verano porque ha conseguido reunir a las grandes estrellas del cine de acción de los 30 últimos años. En el film podremos encontrar junto a Stallone a Jason Statham - de las sagas "Transporter" y "Crank" -, Jet Li - "Romeo debe morir" o "Danny the dog" -, Dolph Lundgren - "Masters del Universo" y "Soldado universal" -, Eric Roberts - "Campeón de campeones" -, Mickey Rourke - recientemente visto en "Iron Man 2" - , los luchadores de wrestling Randy Couture y Steve Austin, el jugador de rugby Terry Crews, además de los cameos de Arnold Schwarzenegger y Bruce Willis. Este nostálgico ejercicio será con toda seguridad muy lucrativo sin importar que el argumento esté más visto que el tbo. Charisma Carpenter aporta la nota femenina a un film que también contaba con la recientemente desaparecida Brittany Murphy y que ahora se especula podría no aparecer:

a) porque su papel fue eliminado del montaje final.

b) porque fue despedida por su evidente dependencia a las drogas.

c) porque al no terminar de rodar todas sus escenas fue sustituida por otra actriz.

Tampoco creemos que aparezca Danny Trejo - "Machete" - como también se anunció.

* En cualquier caso todas las respuestas las tendremos a partir del próximo 13 de agosto.

Rabia

2010-06-05T17:50:00.001-07:00

Absorbente y asfixiante thriller que supone el debút dentro de nuestra cinematografía del realizador ecuatoriano Sebastián Cordero, después de alcanzar un éxito inusitado con su anterior film “Ratas, ratones, rateros” (1999), que cuenta con el aliciente añadido de ser la gran ganadora del Festival de Málaga (mejor película, actor secundario, fotografía y el premio del público para su protagonista, el mexicano Gustavo Sánchez Parra) y con la inmejorable publicidad que da el hecho de haber sido producida por el mismísimo Guillermo del Toro.
“Rabia” es un brillante ejemplo de cómo un subgénero tan poco frecuentado en nuestro país como es el thriller romántico da de sí un film interesante, inteligente, atmosférico y crítico. Con esta enumeración de virtudes no estoy diciendo que se trate de un film casi perfecto, de hecho no lo es; se trata, eso sí, de una obra cuya originalidad y mérito se encuentra en el hecho de estar rodada casi por completo en una única localización, y resultar suficientemente ágil y entretenida gracias a ello, o a pesar de ello.

Cordero ha confecionado un guión que parte de la novela de Sergio Bizzio y que va más allá de la típica historia de misterio y sustos. En “Rabia” no solo encontramos un relato criminal de amenazantes consecuencias, también hay una historia de amor tan sincera como imposible, un discurso crítico sobre la lucha de clases sociales y una condena al trato racista y vejatorio que los inmigrantes reciben en nuestro país.

José María (estupendo Sánchez Parra que aunque muchos no lo recuerden era Jarocho en “Amores perros”) es un inmigrante ecuatoriano sin papeles que trabaja como peón en la construcción y que desde hace un tiempo mantiene una relación sentimental con Rosa (Martina García, a la que veremos pronto en “Biutiful”), una joven colombiana que sirve en el viejo caserón de un matrimonio adinerado, los Sres. Torres (Concha Velasco y Xavier Elorriága). José María es un hombre celoos, resentido y violento, cuyos oscuros instintos le llevan a matar accidentalmente al encargado – racistay mezquino - de la obra en la que trabaja, cuando éste le echa de la misma por motivos que nada tienen que ver con lo laboral. Perseguido por la policía, José María se esconderá en el desván del caserón donde trabaja Rosa sin que ésta ni nadie lo sepa. Allí será testigo mudo de la relacción que los Sres. Torres tienen con su novia y de la dependencia parasitaria que tienen sus hijos, Marimar (una fugaz Icíar Bollaín), que se acaba de separar, y Álvaro (el premiado Álex Brendemühl), que tiene problemas de alcoholísmo – herencia materna -, con ese matrimonio burgués, infeliz y desmembrado que ambos representan.

El viejo caserón situado en un sitio indeterminado del País Vasco se convierte en el refugio y a la postre trampa mortal del protagonista, un escenario que le ofrece múltiples posibilidades, quizás demasiadas, y eso le resta credibilidad al relato, debido en mayor medida a la sobreexposición a la que se arriesga el protagonista en varias ocasiones. Eso, y la imposibildad de hacernos una idea mental de la distribucción de la casa por mucho plano secuencia final que nos lo muestre, aunque el motivo parezca ser el escuchar por enésima vez una ranchera de Chavela Vargas, que el aclarar nuestras propias dudas.

Otro de los inconvenientes de “Rabia” es lo forzadas que resultan algunas situaciones y lo estereotipados que resultan personajes como el capataz de obra o el propio Álvaro, el hijo pijo-rebeldillo de los Torres. El asesinato y la violación no son más que recursos dramáticos, pero mientras que el asesinato es necesario para el desarrollo de la trama, la violación resulta injustificada, caprichosa, además de estar torpemente resuelta. Son trazos gruesos que en ningún caso desvirtuan el hecho de que se trate de un film que sorprende por lo atípico que resulta dentro de nuestras fronteras.
Pese a lo apuntado, Cordero ha creado un film muy interesante por el entorno en el que se desarrolla, por la estética que lo envuelve, por la tensión que crea y por conseguir sacar a una actriz tan encasillada como Concha Velasco de sus acomadados registros prototípicos. Un film que augura un buen futuro profesional al realizador ecuatoriano Sebastián Cordero.

DESCUBRIENDO A LUKAS MOODYSSON

2010-06-04T16:02:00.001-07:00

Antes de fallecer, el mítico Ingmar Bergman admitió públicamente su admiración por el joven realizador sueco Lukas Moodysson, que éste sea considerado por algunos como su digno sucesor quizás sea algo precipitado y descabellado, pero lo que no hay duda es de que la carrera de Moodysson presenta un indudable valor e interés. Ahora Moddysson está de plena actualidad con el estreno de su séptimo largometraje, "Mamút", el primero que ha rodado en inglés.

Moodysson debutó en el largo con "Fucking amal" (1998), un film en el que retrataba la confusión que se apodera de dos chicas adolescentes para hacer frente a su evidente lesbianismo en una comunidad muy cerrada de mente. Después llegaría "Juntos" (2000) con una mayor ironía y ternura, en ella los integrantes de una comuna libertaria de los años 70 chocan por sus distintos modos de ver la vida y por sus distintas posturas ideológicas.

La prometedora trilogía se cierra con "Lilya forever" (2002), un film rodado en Rusia con una joven prostituta de 16 años como protagonista de un drama desgarrador en el que no falta su parte de esperanza.

Sus siguientes films han sido difíciles de catalogar y también de vender en los mercados internacionales, "Terrorister" (2003) era un crítico documental sobre los jóvenes condenados a penas de cárcel por participar en una manisfestación anti-globalización en Goteborg, "A hole in my heart" (2004) sobre el mundo de la pornografía mostraba de manera tan cruda como un hijo soportaba como su degradado padre sobrevivía rodando películas porno en el domicilio familiar, que provocó las iras de la crítica y el desdén por parte de un público incapaz de empatizar con una historia tan descaradamente provocativa. Y por último "Container" (2006) no podría calificarse de otro modo más que de collage visual porque en sus imágenes en blanco y negro que retratan los vertederos de Rumania o las ruinas de Chernobyl tienen como único sonido un monólogo que habla sobre la corriente de la conciencia. Los tres films permanecen inéditos en nuestro país.

"Mamút" es el desembarco internacional de Moodysson, algo inevitable, que le devuelve más maduro, ambiguo y pesimista que nunca, un film que ha sido comparado con "Babel" por la distancia geográfica que separa sus variadas historias, todas ellas también conectadas entre sí de un modo u otro. Gael García Bernal y Michelle Williams son los protagonistas de este film algo maltratado por la crítica USA que ahora se estrena de tapadillo en nuestro país, 4 únicas salas en todo Madrid. Una pena porque Lukas Moodysson es siempre una apuesta arriesgada que no deja indiferente a nadie.

LAS PROPUESTAS MÁS INTERESANTES PARA JUNIO

2010-05-31T04:03:00.001-07:00

Aqui os presento el calendario de las propuestas más interesantes para el mes de junio. Las distribuidoras lo saben perfectamente, no se puede competir contra el fútbol , es una batalla perdida de antemano. Con el Mundial de Sudáfrica tan cerca planificar el estreno de una película con ambiciones comerciales en estas fechas es como tirarla a la basura. Por lo tanto las películas punteras se reservan para después del verano para así no coincidir con toda la morralla estival. Aún así algunos pequeños reflejos de calidad asomaran por las pantallas reencontrándonos con el sueco Lukas Moodysson, con la neozelandesa Jane Campion, con el argentino Daniel Burman, etc. Un mes para rascar entre los surcos, sí al igual que yo no eres futbolero.

4 de junio:

- "Mamút", de Lukas Moodysson.

- "The good heart", de Dagur Kári.

- "Fragmentos", de Rowan Woods.

- "Kick-ass", de Matthew Vaughn.

11 de junio:

- "La última estación", de Michael Hoffman.

18 de junio:
- "Dos hermanos", de Daniel Burman.

- "La vida empieza hoy", de Laura Mañá.

- "Villa Amalia", de Benoît Jacquot.

25 de junio:

- "Bright star", de Jane Campion.

- "El silencio de Lorna", de Jean Pierre & Luc Dardenne.

WAYNE WANG: ALGUNAS LUCES Y MUCHAS SOMBRAS

2010-05-30T07:37:00.001-07:00

Wayne Wang es un realizador hongkonés muy familiarizado con la cultura americana puesto que lleva más de 40 años allí instalado, desde que con 17 años emigrara con la idea de estudiar medicina cambiando a última hora sus planes para expecializarse en cine y televisión en la California College of Arts and Crafts de Oakland. Su corto de carrera, "A man, a woman and a killer" (1975) lo dirigió junto a Rick Schmidt, un realizador ultra-independiente cuya larga carrera nunca ha llegado hasta nuestras fronteras. En esos mismos parámetros de autosuficiencia, libertad e independencia debutó Wang con "Chan is missing" (1982), un film pionero en cuanto a producciones "bajo coste" que contó con un presupuesto de únicamente 27.000 dólares y con la multiplicación de funciones del propio Wang, director, guionista, productor y montador de la cinta rodada en 16 mm y en blanco y negro. Su siguiente film de juventud fue "Dim sum: A little bit of heart" (1985), mucho más amable y sensible que el anterior, en él se mostraban los empeños de una anciana enferma por casar a su hija siguiendo la tradicción china.

"Slam dance, sin vía de escape" (1987) fue en muchos países - entre ellos el nuestro - su carta de presentación, un extraño thriller más preocupado en resultar esteticamente rompedor que en presentar cierta coherencia, con un protagonista tan atípico como Tom Hulce, muy popular en su día por "Amadeus" y totalmente desaparecido en la actualidad. En "Cómete una taza de té" (1989) Wang vuelve a los apuntes costumbristas hablando de la situación de la comunidad China después de la II Guerra Mundial y logrando un acertado equilibrio entre comedia y drama. "El club de la buena estrella" (1993) era una adaptación de la famosa novela de Amy Tan y en él se reflejaban 50 años de historia de China y Estados Unidos a través de las esperanzas y frustraciones de un grupo de varias mujeres de una misma familia pero de dos generaciones bien diferentes.

"Smoke" (1995) y "Blue in the face" (1995) fueron el resultado de la colaboción de Wang con el escritor neoyorquino Paul Auster; "Smoke" era una inspirada disección sobre los problemas cotidianos con unos diálogos absolutamente soberbiosas, mientras que "Blue in the face" era un experimento fílmico - casi documental - hecho con mucho menos tiempo, dinero e interés. "La caja china" (1997) cierra su etapa más prestigiosa contándonos una historia de amor imposible enmarcada en el fin de la hegemonía del Imperio británico sobre China.

Después de la etapa de las luces, llega la de las sombras, con un puñado de films de encargo indignos de llevar la firma del director hongkonés y que hacen que muchos le consideren acabado como cineasta. "A cualquier otro lugar" (1999) es un drama familiar rodado en clave de road movie con una adolescente y su irresponsable madre como eje del poco interesante argumento. Tras el paréntesis que supuso "The center of the world" (2001), un film experimental rodado digitalmente y estrenado vía internet, llegó "Sucedió en Manhattan" (2002), una actualización del cuento de "La Cenicienta" rodada a mayor gloria de Jennifer López, que aún debe sonrojar a su artífice cada vez que alguien se la recuerda. "Mi mejor amigo" (2005) no mejoró precisamente las cosas, se trataba del típico film familiar con una niña solitaria y un perro huérfano por protagonistas. "Las últimas vacaciones" (2006) fue un comedia que pretendía ser vitalista y moralizante y que no convenció a nadie, empezando por el hecho de contar con una pareja con tan poca química como la formada por Queen Latifah y Gerard Depardieu que pretende tener su carga de moralina, y que por fortuna puso fin a tan decepcionante etapa artística.

"Mil años de oración" (2007) reconcilió a Wang no sólo con la crítica y con su público, sino también con su viejo colaborador Paul Auster, quien siendo presidente del jurado del Festival de San Sebastián le otorgó la Concha de Oro. Se trataba de la adaptación de un relato de Yiyun Li que tuvo su correspondiente complemento libre e independiente - algo así como "Blue in the face" fue para "Smoke" - con "La Princesa de Nebraska" (2007), cuya distribucción fue considerablemente menor pero que reforzaban la idea de que Wayne Wang podría darnos alguna otra alegría. Para empezar su siguiente film será "Snow flower and the secret fan", el primero que rueda en su país de origen, China, ambientado en el siglo XIX y con Hugh Jackman como absoluto protagonista.

EL ORGULLO DE SER FRIKI CRECE Y CRECE

2010-05-25T16:05:00.001-07:00

Es un honor y un orgullo poder celebrar desde esta página por tercer año "El día del orgullo friki", una festividad cada día más multitudinaria y organizada, con el tiempo llegará a ser constituida como Fiesta Nacional dentro del calendario laboral. Hemos logrado salir de nuestras cuevas y mostrarnos a la luz, hemos logrado que una palabra que empezó siendo peyorativa se convierta en un halago y que muchos que no nacieron frikis quieran subirse al carro ahora. Pero un friki no se hace a sí mismo de la noche a la mañana. Se trata de algo implícito en la herencia genética... y ¡a mucha honra!.

Para quien no sea un friki de corazón le recuerdo cuales son sus mandamientos:

1- Serás friki, ante todas las cosas.

2 -Intentarás ser más friki que otro friki.

3 -Si hay alguna discusión sobre algún tema friki, entrar a dar opinión.

4 -Salvaguardar todo el material friki de "personas desaconsejables" (niños pequeños, personas limpiadoreas compulsivas...).

5 -Hacer todo lo posible para exponer el material friki como si fuera un "Museo del Frikismo".

6 -No ser friki de todo, Hay que estar especializado en algo.

7 -Ir al estreno de cualquier película friki, comprar antes que nadie un libro o DVD friki.

8 -Esperar cola ante un estreno friki, aunque haya posibilidad de telecompra de entradas. Y si es disfrazado, o con camiseta friki, mejor.

9 - No desprenderse de nada NUNCA relativo al mundo friki, aunque sea un envoltorio arrugado.

10 -Intentar dominar el mundo.

¡¡Feliz día, frikis!!.

Two lovers

2010-05-22T17:42:00.001-07:00

El cuarto film de James Gray ha recibido las mejores críticas de su corta, y hasta ahora, reconocible trayectoria. Este hecho no ha evitado que hayan tenido que transcurrir dos años para poder ser vista en nuestras pantallas. Gray es un cineasta que se ha tomado su tiempo entre cada uno de sus proyectos y cuya obra podría perfectamente conformar una trilogía por las similitudes de sus temáticas, planteamientos e incluso desenlaces.
“Cuestión de sangre” (1994), “La otra cara del crimen” (2000) y “La noche es nuestra” (2007) cuentan con tres protagonistas que quieren redimirse de su pasado y encuentran los principales obstáculos en la firmeza de unos lazos familiares que les mantiene unido al mismo, los cuales siempre son los causantes de que los finales tengan un marco semejante al de las tragedias griegas. La cuestionada condición de cineasta de Gray en cualquier caso siempre ha encontrado con mayor sencillez su público en Europa – especialmente Francia – que en Estados Unidos.

“Two lovers” se presenta por lo tanto como un film aislado, que rompe bruscamente con el componente violento de los films precedentes de Gray, pero en el que se mantiene esa obsesión por presentar a la familia como un seguro salvavidas o como un pesado lastre, dependiendo los ojos que lo miren. Se trata de un film atemporal – en realidad su historia podría suceder en las 4 últimas décadas americanas – en el que la sobriedad y austeridad de la ambientación, lo contenido y ajustado de su guión, se complementan a la perfección con el tono desencantado y derrotista del film. Las interpretaciones del trío protagonista, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw y un Joaquin Phoenix en estado de gracia, se encargan de darle aún mayor relevancia al film. Sin olvidarnos de la recuperada Isabella Rossellini que está especialmente memorable y que tiene a su cargo la escena más entrañable de todas.

Leonard (Phoenix) es un treintañero depresivo que ha vuelto a vivir en casa de sus padres después de que su prometida decidiera abandonarle definitivamente. El trastorno bipolar que padece,el aislamiento y las tentativas de suicidio mantienen a sus progenitores con el alma en vilo, por tal motivo deciden presentarle a Sandra (Shaw), la hija del futuro socio que ayudará a impulsar el negocio familiar de cara al futuro. Los planes se alterarán cuando Leonard conozca a Michelle (Paltrow), su nueva vecina, una joven impulsiva y caprichosa que mantiene una relación sentimental con un hombre casado y que coquetea peligrosamente con las drogas. A Leonard se le presentarán dos alternativas, complacer a sus padres y quedarse con la chica dulce y comprensiva que representa Sandra, o por el contrario seguir los designios de su corazón y quedarse con la chica alocada y rebelde que representa Michelle, con la cual el futuro es más incierto e improvisado.

Se trata de un film tan sincero y realista que es complicado no involucrarse casi desde un primer instante en el destructivo trío que Leonard crea por su indecisión, por su falta de madurez o por la confusión mental que le provoca su enfermedad. “Two lovers” apuesta firmemente por el más árido y puro realismo, dejándonos la sabia lección de que a veces las decisiones que tomamos no las elegimos nosotros, se deben más bien a caprichos del destino o a que otros decidieron elegir por nosotros.

“Two lovers” es la obra más inspirada y adulta de Gray hasta la fecha – como dije en su día “La noche es nuestra” me pareció insatisfactorio -, un film conmovedor, maduro, que haya una extraña belleza en lugares urbanos y sórdidos y que supone un poderoso rayo de luz dentro de la más bien mustia cartelera actual.

Un ciudadano ejemplar

2010-05-20T05:45:00.001-07:00

Cinco años ha estado desaparecido de la gran pantalla el realizador afroamericano F. Gary Gray, su regreso se debe, en parte, a la insistencia de su buen amigo Jamie Fox quien le animó a que aportara su estilo visual a un film tan descaradamente comercial como “Un ciudadano ejemplar”, que a su vez está protagonizada y producida por otro actor recientemente encumbrado a la categoría de estrella, el escocés Gerard Butler. Este film es un claro vehículo para su lucimiento.
Gray no cuenta precisamente con una carrera modélica, las únicas ocasiones en que ha conseguido un acabado formal ha sido con la muy interesante “Negociador” (1998) y con la entretenida “The Italian job” (2003). Del resto mejor olvidarse ya que después de darse a conocer en el género de la comedia con “Friday” (1995), que batió records de taquilla, su única motivación para aceptar un film han sido puramente económicas. Cuando faltaron las ofertas, Gray no dudó en aceptar videoclips por encargo para gente como Cypress Hill, Babyface, R. Kelly o Outkast.

Si la falta o no de talento de Gray podría generar un largo debate, la falta del mismo por parte del guionista Kurt Wimmer se perfila como indiscutible. En su mediocre carrera se cuentan films muy poco relevantes como “Esfera” (1998), “Equilibrium” (2002), “La prueba” (2003), “Ultraviolet” (2006) o “Los amos de la calle” (2008). Wimmer con “Un ciudadano ejemplar” ha cavado su propia tumba… otra vez.

El argumento del film, cuyo título más fidedigno con respecto al original habría sido “Un ciudadano respetuoso con las leyes”, se puede resumir con facilidad en un sólo párrafo. Clyde Shelton (Butler) asiste impotente al asesinato de su mujer y de su única hija. Del caso se encarga el abogado Nick Rice (Fox) tan deficientemente que el veredicto final resulta hacer poca justicia. Pero ese cariñoso padre, ese atento marido, ese ciudadano ejemplar planea durante 10 años su venganza para dar un escarmiento a todo aquel que no se molestó en evitar que los asesinos quedaran impunes.

El film cuya temática nos remite a films de los 70 como “Harry el sucio” (1970) o “Yo soy la justicia” (1974) y primeros de los 80 como “Los jueces de la ley” (1983) llega con la mera excusa el hacer una crítica del sistema judicial americano. Cualquier clase de crítica queda diluída en un espectáculo tan fascistoide, efectista, hiperviolento y tramposo como el que nos ofrece “Un ciudadano ejemplar”.

Manisfestar que el film tiene un ritmo ágil y que para mucha gente incluso pueda resultarle entretenido no es obstáculo para afirmar abiertamente que se trata de un sinsentido de principio a fin. El guionista creyó que con la inclusión de una elipsis de 10 años todo estaría permitido, pero el argumento es una concatenación de absurdeces, el tira y afloja abogado-cliente no funciona como no funciona la química entre los dos actores protagonistas que no hacen aquí precisamente sus mejores actuaciones, y sí pensamos un poco en el confuso mensaje que transmite el film pues directamente podemos sentirnos ofendidos cuando no cabreados. Parafraseando su título, no se trata por tanto de un film ejemplar, más bien es un ejemplo de que no todo vale con tal de ofrecer espectáculo. Un autentico despropósito.

PENN & WATTS: UNA PAREJA MUY BIEN AVENIDA

2010-05-18T04:33:00.001-07:00

Sean Penn y Naomi Watts han demostrado que se sienten muy cómodos trabajando juntos. La prueba es que en los últimos 7 años han coincidido en tres films:

"21 GRAMOS" (Alejandro González Iñárritu, 2003).

Como ya sucediera en "Amores perros" (2000) un trágico accidente de tráfico es el nexo de unión de las tres demoledoras historias. A través de una estructura de continuos flashback hacía delante y hacía atrás descubrimos que a ese profesor universitario que encarna con la maestría habitual que le caracteriza Sean Penn le ha sido trasplantado el corazón del difunto marido del personaje de Naomi Watts, una mujer cuya vida familiar le había redimido de un pasado de adicciones. La curiosa e insensata búsqueda de la identidad de su donante le llevará hasta ella. Una obra maestra de la que también salió muy beneficiado Benicio del Toro que cuenta con una escena sexual antológica a cargo de la pareja formada por Penn y Watts.

"EL ASESINATO DE RICHARD NIXON" (Niels Mueller, 2004).
Agridulce retrato de como un hombre frustrado, inseguro y objeto de continuas humillaciones por parte de sus jefes - un perdedor en toda regla - culpa al sistema capitalista de sus males y se revela contra él. Su único deseo es hacer algo grande por lo que pueda ser recordado, ¿adivinan que?. Sean Penn dota del necesario patetismo a este desgraciado y desequilibrado personaje, mientras que en esta ocasión Naomi Watts encarna a la ex-mujer que no está dispuesta a darle una segunda oportunidad y que involuntariamente es una de las causas de que este tipo tan corriente de repente un día estalle. A pesar de la enorme interpretación de Penn, un film bastante discreto.

"FAIR GAME" (Doug Liman, 2010).
El director que inició la saga de Jason Bourne y que felizmente juntó a Angelina Jolie y Brad Pitt, también ha sido el responsable de que Penn y Watts coincidan por tercera y hasta ahora última vez. En esta ocasión defienden un film de denuncia política, que una vez más centra sus miras en la guerra de Iraq y en el controvertido mandato del ex-presidente George W. Bush. Se airea el "Caso Plame", en el cual un diplómatico y ex-embajador (Penn) después de cuestionar públicamente los motivos que Estados Unidos tiene para invadir Iraq ve como la identidad de su mujer (Watts) como agente de la CIA es puesta en revelada. Sus vidas se convertirán a partir de entonces en un infierno. A su paso por Cannes ha recibido un adjetivo generalizado por parte de la crítica: reiterativa.

¿QUÉ TIENEN EN COMÚN KEN LOACH, EL JUEZ GARZÓN Y NAJWA NIMRI?

2010-05-16T14:47:00.001-07:00

Ken Loach y su inseparable Paul Laverty con el que firma su noveno proyecto escrito al alimón, "Route Irish", han pasado más desapercibidos de lo acostumbrado a su paso por el Festival de Cannes, quizás debido a la saturación que provoca el tema tratado por la pareja que con más dureza critica las decicisiones de su antiguo gobierno, la guerra de Iraq.

Loach y Laverty, que han contado con un reparto integrado por desconocidos que encabaza el televisivo Mark Womack en su debút en cine, denuncian que la intervención en Iraq estaba fundamentada en turbios negocios y que los autores de esta masacre siguen sin haber sido juzgados.

Loach manifestó que Obama tiene la obligación de investigar todos estos sucesos y tuvo incluso palabras para el Juez Garzón, calificando su suspensión de vergonzosa. Mucha atención porque "Route Irish" incluye un cameo de nuestro Najwa Nimri.

"ANOTHER YEAR": LAS 4 ESTACIONES DE LA VIDA

2010-05-13T16:41:00.001-07:00

Desde los tiempos de "Secretos y mentiras", su director Mike Leigh se convirtió en un referente a seguir. Como dije en su día, a veces, no es sencillo seguirle la pista, su último film hasta la fecha, "Happy, un cuento sobre la felicidad", se estrenó en octubre de 2008 y contó con una distribución mucho mayor de la que acostumbran sus películas, quizás porque trataron de venderla como una luminosa comedia, nada más lejos de la realidad. En el fondo "Happy" seguía mostrando al mismo Leigh desencantado y reflexivo de siempre, pero un poco menos inspirado.

Gracias a un pack editado por Cameo pude acceder a tres de sus obras que permanecían inéditas en formato DVD en nuestro país, "La vida es dulce" (1991), "Indefenso" (1993) y "Dos chicas de hoy" (1997), muy recomendables, especialmente las dos primeras.

Ahora en el marco del festival de Cannes se ha presentado su nueva obra, "Another year", una vuelta a lo que mejor sabe hacer, retratar las alegrías y miserias de la clase trabajadora británica.

Sí en algo se asemeja con su anterior film es que "Another year" coquetea tanto con la comedia como con el drama, y sus personajes también buscan esa felicidad utópica. La diferencia es que los personajes de "Another year" están muy cercanos a la tercera edad y su visión de la vida por lo tanto es diametralmente distinta. El matrimonio formado por Tom y Gerri - interpretados por Jim Broadbent y Ruth Sheen - forman el centro gravitarorio del resto de historias. Un matrimonio cuya forma de vida se asemeja muy mucho al de "La vida es dulce", que por cierto también protagonizaba Broadbent.

El amor, la amistad, la soledad, la esperanza, la desesperación, el nacimiento, la muerte, .... se dan cita a lo largo de las 4 estaciones de un año en que se enmarcan las conmovedoras y sinceras historias de este longevo matrimonio y de sus allegados. En Cannes al parecer ha gustado, yo no puedo esperar de impaciencia por verla.